"КИНОДИВА" Кино, сериалы и мультфильмы. Всё обо всём!

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.



История одной картины

Сообщений 41 страница 60 из 71

1

История одной картины http://sh.uploads.ru/t/1ps0H.gif История одной картины

+1

41

Пабло Пикассо нарисовал один из своих известных портретов менее чем за 5 минут

Однажды один из знакомых Пабло Пикассо, рассматривая его новые работы искренне сказал художнику: «Извини, но понять я этого не могу. Таких вещей просто не существует». На что Пикассо парировал: «Ты и китайский язык не понимаешь. Но он всё-таки существует». Впрочем, Пикассо не понимали многие. Как-то он предложил русскому писателю Эренбургу, своему хорошему другу, написать его портрет. Тот с радостью согласился, но не успел расположиться в кресле, чтобы позировать, как художник заявил, что всё готово.

http://www.kulturologia.ru/files/u16613/picasso.jpg
Эренбург выразил удивление быстротой исполнения работы, ведь не прошло и 5 минут, на что Пикассо ответил: «Я знаю тебя 40 лет. И все эти 40 лет я учился писать портреты за 5 минут».

0

42

Илья Репин помог продать картину, которую не писал

Одна дама приобрела на рынке всего за 10 рублей совершенно бездарную картину, на которой гордо красовалась подпись «И.Репин». Когда ценительница живописи показала эту работу Илье Ефимовичу, он рассмеялся и дописал «Это не Репин» и поставил свой автограф. Через некоторое время предприимчивая дама продала картину неизвестного художника с автографом великого мастера уже за 100 рублей.
http://www.kulturologia.ru/files/u16613/repin.jpg
Илья Репин. Автопортрет.

0

43

Кусок фибролита, над которым просто разливали краску, стал одной из самых дорогих картин

Самой дорогой картиной в мире в 2006 году было полотно Джексона Полока «Номер 5, 1948». На одном из аукционов картина ушла за $140 миллионов. Это может показаться забавным, но над созданием этой картины художник особо «не заморачивался»: он просто разливал краску по куску фибролита, разложенному на полу.

http://www.kulturologia.ru/files/u16613/166130094.jpg
Номер 5, 1948. Джексон Полок.

0

44

У Христа и Иуды на картине да Винчи одно лицо
Говорят, что создание картины «Тайная вечеря» потребовало от Леонардо да Винчи титанических усилий. Человека, с которого был написан образ Христа художник отыскал достаточно быстро. На эту роль подошёл один из певчих церковного хора. А вот «Иуду» да Винчи искал три года.
http://www.kulturologia.ru/files/u16613/da-vinci.jpg
Тайная вечеря. Леонардо да Винчи.

Как-то на улице художник увидал пьянчужку, который безуспешно пытался выбраться из выгребной ямы. Да Винчи отвёл его в одно из питейных заведений, усадил и начал рисовать. Каким же было удивление художника, когда, разоткровенничавшись, пьяница признался, что несколько лет назад уже позировал ему. Оказалось, что это тот самый певчий.

0

45

У «Чёрного квадрата» Малевича есть «старший брат»

«Чёрный квадрат», являющийся, пожалуй, самой известной картиной Казимира Малевича, представляет собой полотно 79,5*79,5 сантиметров, на котором на белом фоне изображён чёрный квадрат. Свою картину Малевич написал в 1915 году. А ещё в 1893 году, за 20 лет до Малевича, Альфонс Алле, французский писатель-юморист, нарисовал свой «черный квадрат». Правда, называлась картина Алле «Битва негров в глубокой пещере тёмной ночью».
http://www.kulturologia.ru/files/u16613/alle-alfonce.jpg
Битва негров в глубокой пещере тёмной ночью (1897). Альфонс Алле.

0

46

Михаил Нестеров «Видение отроку Варфоломею»

https://muzei-mira.com/templates/museum/images/paint/videnie-otroku-varfalomeia-nesterov-.jpg

Михаил Нестеров называл «Видение отроку Варфоломею» своей самой значительной картиной. Уже на склоне лет художник говорил: «Жить буду не я. Жить будет "Отрок Варфоломей". Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он еще будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я».

В основе картины — сюжет из «Жития преподобного Сергия». Это история о том, как деревенский мальчик встретил Ангела в образе старца. Варфоломей приблизился к нему, тот благословил отрока и спросил, чего он желает. Варфоломей ответил: «Всей душой я желаю научиться грамоте, Отче святой, помолись за меня Богу, чтобы Он помог мне познать грамоту». Инок исполнил просьбу Варфоломея, вознес свою молитву к Богу и, благословляя отрока, сказал ему: «Отныне Бог дает тебе, дитя мое, уразуметь грамоту, ты превзойдешь своих братьев и сверстников».

Работая над картиной, Нестеров довольно быстро написал пейзаж, фигуры старца и мальчика. «Вся композиция картины жила перед глазами в набросках, а вот головы мальчика, что мерещился мне, не было!» — вспоминал художник. Но мальчика Нестеров так и не нашел: моделью для отрока Варфоломея стала… девочка.

«Однажды, идя по деревне, я заметил девочку лет десяти, стриженую, с большими, широко открытыми удивленными глазами, болезненную, со скорбным, горячечно дышащим ртом. Я замер, как перед видением. Я нашел то, что грезилось мне. Это был "документ" моих грез», — позже напишет художник. Выяснилось, что девочка только-только оправилась после тяжелой болезни, художник познакомился с ее родными и договорился о том, что она будет позировать ему. «Дело шло ладно. Мне необходим был не столько красочный этюд, как тонкий рисунок с хрупкой, нервной девочки. Работал напряженно, старался увидать больше того, что, быть может, давала мне модель. Ее бледное, осунувшееся, с голубыми глазами личико было моментами прекрасно, и я это личико отождествлял со своим Варфоломеем».

К этому сюжету Нестеров возвращался на протяжении многих лет: написал множество вариаций, меняя размер, композицию, цветовое решение. И лишь лицо болезненной девочки всегда оставалось неизменным.

0

47

Загадки "Джоконды" Леонардо да Винчи

http://earth-chronicles.ru/Publications_8/82/Py2yovAZyOc.jpg
Пожалуй, ни одна картина за всю историю не вызывает столько жарких споров, сколько "Джоконда" Леонардо да Винчи. Ученые, искусствоведы и историки бьются над загадкой, кто изображен на картине - какая-то женщина или это завуалированный автопортрет Леонардо? Но больше всего вопросов вызывает ее загадочная улыбка. Женщина будто что-то скрывает от зрителей и одновременно насмехается над ними.

Дошло до того, что картину стали исследовать врачи и вынесли вердикт: женщина, изображенная на картине, больна такими-то и такими-то заболеваниями, которые и вызывают мимические сокращения, принимаемые за улыбку. На тему "Джоконды" написаны тонны книг, сняты сотни документальных и художественных фильмов, опубликованы тысячи научных и исследовательских статей.

Для того чтобы разобраться с тайной картины, для начала поговорим немного о самом Леонардо. Гениев, подобных Леонардо, природа не знала ни до, ни после. Два противоположных, взаимоисключающих взгляда на мир соединились в нем с какой-то невероятной легкостью. Ученый и живописец, естествоиспытатель и философ, механик и астроном... Словом, физик и лирик в одном флаконе.

Загадка "Джоконды" была разгадана лишь в ХХ в., и то лишь отчасти. Леонардо при написании картин применял технику сфумато, основанную на принципе рассеивания, отсутствия четких границ между предметами. Этой техникой так или иначе владели его современники, но он превзошел всех. И мерцающая улыбка Моны Лизы является результатом этой техники. Благодаря мягкой гамме тонов, которые плавно перетекают из одного в другой, у зрителя, в зависимости от фокусировки взгляда, создается впечатление, что она то нежно улыбается, то надменно усмехается.

Получается, что тайна картины разгадана? Отнюдь! Ведь есть и еще один загадочный момент, связанный с "Джокондой"; картина живет своей жизнью и непостижимым образом влияет на окружающих людей. И это мистическое влияние было замечено очень и очень давно.

Прежде всего пострадал сам живописец. Ни над одной из своих работ он не работал столь длительное время! А ведь это был обычный заказ. Долгих четыре года, затратив, по подсчетам, не менее 10 000 часов, с лупой в руке Леонардо создавал свой шедевр, нанося мазки величиной в 1/20-1/40 мм. На такое был способен только Леонардо - это каторжный труд, работа одержимого. Особенно если учесть размеры: всего 54х79 см!

Трудясь над "Джокондой", Леонардо сильно подорвал здоровье. Обладая почти невероятной жизненной силой, он практически лишился ее к моменту завершения картины. Кстати, эта его самая совершенная и таинственная работа так и осталась недописанной. В принципе, да Винчи всегда тяготел к незавершенности. В этом он видел проявление божественной гармонии и, возможно, был абсолютно прав. Ведь история знает немало примеров того, как отчаянное стремление закончить начатое становилось причиной самых невероятных случаев.

Однако он повсюду возил с собой именно эту свою работу, не расставался с нею ни на миг. А она все сосала и сосала из него силы... В итоге в течение трех лет после прекращения работы над картиной художник стал очень быстро дряхлеть и скончался.

Несчастья и беды преследовали и тех, кто так или иначе был связан с картиной. По одной из версий, на картине изображена реальная женщина, а не плод воображения: Лиза Герардини, жена флорентийского купца. Она позировала художнику четыре года, а потом очень быстро умерла - в возрасте двадцати восьми лет. Ее муж после свадьбы прожил очень недолго; любовник Джулиано Медичи вскоре умер от чахотки; его внебрачный сын от "Джоконды" был отравлен.

http://earth-chronicles.ru/Publications_8/82/K_PA7LU1sEE.jpg

Иоанн-Креститель на другой картине Леонардо очень женственный и черты его лица напоминают черты лица Джоконды

На этом мистическое влияние картины не прекратилось: историки бесстрастно констатируют все новые и новые факты ее паранормального воздействия на людей. Одними из первых это отметили служители Лувра - музея, где хранится шедевр. Они давно перестали удивляться частым обморокам, которые случаются с посетителями возле этой картины, и отмечают, что если в работе музея бывает длительный перерыв, "Джоконда" будто бы "темнеет лицом", но стоит посетителям вновь заполнить залы музея и отдать ей порцию восхищенных взглядов, как Мона Лиза словно оживает, проявляются сочные краски, фон осветляется, улыбка видна более четко. Ну как тут не поверить в энергетический вампиризм?

Тот факт, что картина непонятным образом воздействует на тех, кто долго смотрит на нее, отмечал еще в XIX в. Стендаль, который сам после долгого любования ею упал в обморок. А всего на сегодняшний день таких документально зафиксированных обмороков зарегистрировано более сотни. Сразу вспоминается сам Леонардо, который часами смотрел на свою картину, рвался что-то доделать в ней, переделать... Уже и рука дрожала, и ноги почти не носили, а он все сидел возле "Джоконды", не замечая, как она уносит его силы. Обмороки около "Джоконды" у Леонардо, кстати, тоже были.

Не секретом является и тот факт, что картина не только восхищает, но и пугает людей - причем таких испуганных не намного меньше, чем восхищенных. Чаще всего картина откровенно не нравится детям. Дети - более тонко организованные существа и чувствуют мир больше на уровне эмоций и интуиции. Они не заморочены всеобщим мнением, что "Джоконда" - шедевр, и им принято восхищаться.

Именно они и задают чаще всего вопрос: а чем тут восхищаться? Злая какая-то тетка, некрасивая к тому же... И, наверное, недаром, бытует такая шутка, которую как-то повторила Фаина Раневская: "Джоконда так долго живет на свете, что уже сама выбирает, кому нравиться, а кому нет". Ни про одну картину в истории человечества никому и в голову не придет даже в шутку сказать, что картина-де сама выбирает, на кого какое впечатление производить.

Удивительным образом на людей влияют даже копии или репродукции леонардовского шедевра. Исследователи паранормального влияния живописных полотен на людей давно отметили, что если в семье висит репродукция Ильи Репина "Иван Грозный убивает своего сына", копия брюлловского шедевра "Гибель Помпеи", ряд других репродукций и, в том числе, "Джоконда", в этой семье гораздо чаще возникают необъяснимые заболевания, подавленность, упадок сил. Очень часто такие семьи разводятся.

Так, известен случай, когда к Георгию Костомарскому, известному питерскому экстрасенсу и исследователю паранормального влияния картин, пришла одна женщина с желанием как- то спасти свою, находящуюся на грани распада, семью, Костомарский спросил, есть ли в доме репродукция "Джоконды"? И когда получил утвердительный ответ, настоятельно рекомендовал убрать репродукцию. В это можно не верить, но семья была спасена: женщина не просто выкинула репродукцию - она ее сожгла.

http://earth-chronicles.ru/Publications_8/82/3SukSyIPEy8.jpg
Сопоставление автопортрета Леонардо и Джоконды. Почти один в один.

Многие исследователи не могли не задаться вопросом: в чем тайна такого негативного влияния картины на живых людей? Версий много. Почти все исследователи сходятся во мнении, что во всем "виновата" колоссальная энергетика Леонардо. Слишком много сил и нервов он потратил на эту картину. Особенно если участь последние исследования на тему того, кто все-таки изображен.

Согласно сообщению "Top News", итальянский искусствовед Сильвано Винчети, один из самых известных исследователей "Мона Лизы", доказал, что да Винчи писал картину с мужчины. Винчети утверждает, что в глазах "Джоконды" он обнаружил буквы L и S, которые являются первыми буквами имен "Леонардо" и "Салаи". Салаи на протяжении двадцати лет был подмастерьем Леонардо и, как считают многие историки, его возлюбленным.

Ну и что - спросят скептики? Если уж имеет место версия, что "Джоконда" - автопортрет да Винчи, почему бы ей не быть портретом юноши? В чем тут мистика? Да все в той же бешеной энергетике Леонардо! Гомосексуальные связи не только теперь возмущают нормальную общественность, в Эпоху Возрождения было точно так же. Леонардо да Винчи страдал от непонимания общества, вот и "превратил" мужчину в женщину.

Недаром художников часто называют "творцами", намекая на Творца Всевышнего. Господь Бог сотворил людей, художник тоже в своем роде их творит. Если это просто художник - без того колоссального таланта Леонардо, без его энергетической мощи, получаются просто портреты. Если же имеет место невероятной силы энергетический посыл - получаются весьма загадочные произведения, могущие как-то влиять своей энергией на зрителя.

В случае с Салаи мы имеем желание не только как-то легализировать юношу, но и попытку вообще пойти против человеческой природы: превратить юношу в девушку. Чем не операция по смене пола? Вполне логично, что этот акт творения, противный Божеской и человеческой природе, имеет вышеописанные последствия.

Согласно другой версии, да Винчи, будучи членом тайной эзотерической секты, старался найти баланс между мужским и женским началами. Верил, что душу человека можно считать просвещенной лишь тогда, когда в ней счастливо уживаются оба начала. И создал "Джоконду" - не мужчину и не женщину. Она соединяет в себе противоположные свойства. Но, видимо, как-то не так соединяет, оттого и негативное влияние...

Третья версия гласит, что все дело в личности натурщицы по имени Пачифики Брандано, которая была энергетическим вампиром. Утечка жизненной энергии на начальном этапе вызывает у жертвы энергетической агрессии апатию, ослабление иммунитета, а затем ведет к тяжелым нарушениям здоровья.

Так вот, очень похоже на то, что Пачифика являлась именно таким человеком, поглотителем жизненной энергии других людей. Поэтому при кратковременном контакте человека с картинами, запечатлевшими энергетических вампиров, может возникать проявление синдрома Стендаля, а при длительном - и более неприятные последствия.

В "Джоконде" сосредоточена квинтэссенция достижений великого мастера на пути приближения к реальности. Это и результаты его анатомических исследований, позволявшие ему изображать людей и животных в совершенно естественных позах, это и знаменитое сфумато, это и совершенное использование светотени, это и загадочная улыбка, это и тщательная подготовка специального для каждой части картины грунта, это и необычайно тонкая проработка деталей. Да и тот факт, что картина написана на тополиной доске, а тополь - дерево-вампир, тоже, возможно, играет определенную роль.

И, наконец, самое главное - верная передача нематериальной, точнее - тонкоматериальной сути объекта живописи. Своим необыкновенным талантом Леонардо создал действительно живое творение, дав долгую, продолжающуюся до наших дней, жизнь Пачифике со всеми ее характерными особенностями. И это творение, подобно творению Франкенштейна, погубило и пережило своего создателя.

Так если "Джоконда" может приносить зло людям, пытающимся проникнуть в ее смысл, то, может быть, нужно уничтожить все репродукции и сам подлинник? Но это бы явилось актом преступления против человечества, тем более что картин с подобным воздействием на человека в мире немало.

Просто нужно знать об особенности таких картин (и не только картин) и принимать соответствующие меры, например, ограничивать их репродуцирование, в музеях с такими произведениями предупреждать посетителей и иметь возможность оказать им медицинскую помощь и т.д. Ну, а если у вас есть репродукции "Джоконды" и вам кажется, что они на вас плохо влияют, уберите их подальше или сожгите.

0

48

Мадонна с гвоздиками

http://gallery-allart.do.am/_ph/9/2/782756298.jpg
Мадонна с гвоздиками - картина маслом по дереву (27,9 x 22,4 см)
Рафаэля Санти, датируемая 1506-1507 годами.
С 2004 года принадлежит Национальной галерее в Лондоне.

Работа была в девятнадцатом веке в коллекции художника Винченцо Камуччини и описана как выполненная для Маддлен дель Одди из Перуджа, от наследников которой ее приобрел французский дворянин в 1636 и принес через Альпы.

Эта новость, хотя и не поддающаяся проверке, кажется правдоподобной большинству ученым, это небольшая работа могла быть выполнена непосредственно для дворянки (уже был заказан у Рафаэля большой Алтарь Одди ).

Уже в коллекции  Камуччини, она числилась долго как копия с картины Рафаэля, оригинал которой считался утраченным и только недавно, после того, как была вновь открыта в 1991 году, в замке Алник в Нортумберленд, авторство самого Рафаэля было подтверждено при рентгенологических исследованиях.

В 2004 году герцог Нортумберленд объявил о намерении продать полотно. Национальная галерея на своём сайте и в средствах массовой информации забила тревогу: последний оставшийся в частных руках шедевр Рафаэля может быть перекуплен иностранцем и покинуть страну.

Благодаря спонсорской помощи галерея договорилась о том, что герцог уступит полотно музейщикам за 35 млн фунтов[Heavenly creature | Art and design | The Guardian]. Для того, чтобы окупить вложения, «Мадонна с гвоздиками» была провезена с выставкой по многим городам Соединённого королевства.

Маленькая квадратная деревянная плитка, показывает Мадонну с Ребенком внутри комнаты, где они нежно играют, обмениваясь несколькими красными цветками гвоздики, символом крови и мученичества, но также и брака Христа с Церковью (которую символизирует сама Мария). В комнате виднеется кровать с балдахином, символ девственности Марии, в то время как окно позволяет восхититься ясным внешним пейзажем.

С точки зрения композиции «Мадонна» представляет собой вариацию «Мадонны Бенуа» Леонардо да Винчи. Наиболее кардинально переосмыслена цветовая гамма. Фигуры помещены в тускло освещенном интерьере, где за арочным окошком маячит руина, символизирующая крушение языческого мира с рождением Христа.

Мать и сын оставили всякую формальность, поддавшись тому нежному, близкому и знакомому каждому поведению любящей матери и ее ребенку.

Рафаэль преобразует эту знакомую тему в нечто совершенно новое. Мать и сын больше не представлена в позах, жестких и формальных, как и в предыдущих картинах художников, но показывает все те эмоции, которые вы можете ожидать от молодой матери и ее сына.

0

49

Путешествие длиною в триста лет: история картины «Мадонна Бенуа»

Первоначальное название этой работы – «Мадонна с цветком». Тема материнства была почитаема великим Леонардо, и нет ничего удивительного в том, что художник решил изобразить мать и дитя. Божья Матерь протягивает младенцу Иисусу крестоцвет.

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Leonardo_da_Vinci_Benois_Madonna.jpg/450px-Leonardo_da_Vinci_Benois_Madonna.jpg
Леонардо да Винчи. "Мадонна Бенуа".
1478—1480
Холст (переведена с дерева), Масло.
48×31,5 см
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Почему картина названа «Мадонна Бенуа»? Долгое время шедевр находился в России,у художественной династии Бенуа, последних владельцев картины перед продажей её в Эрмитаж.

Характерные особенности

Исследователи творчества гениального Леонардо да Винчи сразу же отметили, что при написании «Мадонны с цветком» художник отошёл от некоторых традиций изображения матери с младенцем.

Во-первых, да Винчи использовал более тёмные оттенки, на фоне которых тело младенца кажется более естественным и пухлым.

Во-вторых, чаще всего в одеяние Мадонны на картинах того времени присутствовали яркие тона: красный, синий, голубой. Сравните работы великого Леонардона тему материнства: «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа».
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6f/Leonardo_da_Vinci_attributed_-_Madonna_Litta.jpg/525px-Leonardo_da_Vinci_attributed_-_Madonna_Litta.jpg
Леонардо да Винчи
Мадонна Литта. 1490—1491
Madonna Litta
Холст (переведена с дерева), темпера. 42 × 33 см
Эрмитаж, Санкт-Петербург
(инв. ГЭ-249)

http://horosheekino.ru/images/line.gif

Сравнение картины «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Лита»

Разница хорошо заметна. Тёмные, приглушённые тона позволяют персонажам выглядеть более естественно, тело человека приобретает необходимый объём. Многие поклонники живописи считают, что мастеру удалось передать движение и матери, и младенца. Картина не кажется статичной. Легко представить, как малыш тянет мать за руку и пытается рассмотреть цветок. Большинство искусствоведов согласно с мнением простых зрителей. Интересные факты о картине «Мадонна Бенуа» «Мадонна Бенуа» достаточно долго «путешествовала» по свету, терялась и находилась. Авторство Леонардо да Винчи ставилось под сомнение, и вновь было доказано. Судьба этой работы имеет счастливый конец, но она отличается от истории полотен, провисевших много веков в одном из музеев.

Знаете ли, вы, что:
картина появилась на деревянной доске. В XIX веке работа была переведена на холст. Эту операцию успешно выполнил выпускник Академии Художеств и сотрудник Государственного Эрмитажа Евграф Короткий;
первоначальное название картины употребляется достаточно редко. Всему миру шедевр известен как «Мадонна Бенуа».

Путешествие длиною в триста лет

Работу Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком» сразу же оценили современники.
Восторг, новые копии, слава. Неожиданно в начале XVI века картина исчезла. О ней ничего не было слышно целых триста лет.

Шедевр нашёлся странным образом. В XIX веке бродячие итальянские актёры гастролировали по Волжскому региону. Они-то и продали самому богатому купцу Астрахани и известному меценату Александру Сапожникову, потемневшую от времени и сырости старинную картину.

Так «Мадонна с цветком» попала в Россию.

Но о том, что это полотно написал сам великий Леонардо да Винчи, тогда никто не догадывался.

Спустя годы внучка купца-миллионера в качестве приданного получила картину работы неизвестного итальянского автора. Мужем Марии Александровны стал ценитель высокого искусства, будущий президент российской Академии художеств и знаменитый архитектор Леонтий Бенуа. Он сразу понял, что перед ним работа одного из великих итальянских живописцев, возможно, самого Леонардо да Винчи и попросил директора Государственных берлинских музеев по фамилии Боде исследовать картину. Вердикт был неутешителен: скорее всего, «Мадонну с цветком» написал кто-то из учеников Леонардо.

Младший брат Леонтия – художник Александр Бенуа забрал картину на хранение, и целый год шедевр находился у него. Неожиданно, в 1914 году ему передали просьбу о встрече от берлинского профессора Моллера Вальде. Чем был вызван этот визит? Разгорячённый от волнения солидный человек радовался как ребёнок: «Посмотрите, это работа великого Леонардо! Вот эскизы гения, подтверждающие его авторство». И выложил на стол десяток фотографий, на которых были запечатлены подлинные рисунки Леонардо да Винчи.

Бернард Беренсон, один из авторитетнейших художественных критиков и специалистов по истории искусств того времени также подтвердил, что эта работа принадлежит кисти гениального Леонардо. Наброски лишь ускорили установление авторства гения эпохи Возрождения. Знаменитый специалист в области живописи итальянского ренессанса не был впечатлён состоянием полотна и композиционными решениями. Но, несмотря на низкую оценку художественной ценности картины, Бернарду Беренсону пришлось признать, что перед ним – работа Леонардо да Винчи.

Семейство Бенуа в 1912 году надумало продать шедевр. Они решили вывезти полотно в Европу для проведения оценки картины. Знаменитый антиквар из Лондона Джозеф Дювин, не колеблясь, оценил «Мадонну Бенуа» в 500 тысяч франков. Общественность и деятели культуры, узнав о намерении Бенуа продать «Мадонну с цветком» Берлинскому музею, предложили оставить шедевр в России. В 1914 году договор был подписан. Коллекция Императорского Эрмитажа пополнилась ещё одним замечательным творением гениального живописца. Сумма сделки была немалой даже по тем временам – 150 тысяч рублей. Семейство Бенуа переводило деньги на счёт музея частями. Последние платежи Эрмитаж получил уже после Октябрьской революции.

Знаменитая картина «Мадонна Бенуа» молодого Леонардо да Винчи повлияла на творчество не только итальянских мастеров, но и голландских живописцев. Искусствоведы считают: не менее десяти работ написаны под впечатлением от знаменитой картины да Винчи.

Наиболее ярко влияние приёмов великого Леонардо выражено в картинах «Мадонна с гвоздиками» Рафаэля и «Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем» Лоренцо ди Креди. Объединяет все работы уважение к материнству и возвышенной женской красоте.

0

50

http://vovet.ru/uploads/img/6f/6741e9b4dc15398be4bd9a31c74b3d6b-650.jpg
Василий Пукирев «Неравный брак»

Порой сюжеты живописных произведений появляются из совсем неожиданных источников — такова, например, история картины Василия Пукирева «Неравный брак».

Московский предприниматель Николай Варенцов на досуге предавался воспоминаниям о жизни своей и родственников, и среди прочего записал историю, приключившуюся с его двоюродным дядей Сергеем Варенцовым.

В начале 1860-х годов тот отчаянно влюбился в хорошенькую дочку купца Николая Рыбникова Софью. Чувства его были столь сильны, что он уж и сватов отправил, но получил отказ: рачительный купец предпочел отдать дочь не за молодого и ветреного красавца, а за пожилого и состоятельного купца Андрея Корзинкина (забавно, что «пожилому» Корзинкину было на тот момент 37 лет). По иронии судьбы Варенцову пришлось присутствовать на венчании — он был назначен шафером. Видимо, чтобы облегчить собственные страдания, отвергнутый жених рассказал эту историю другу — художнику Василию Пукиреву, который настолько эти страдания прочувствовал, что создал картину, ставшую весьма известной.

«Неравный брак» принес автору звание профессора и немалые деньги: ее сразу же приобрел коллекционер Александр Борисовский, а у него в 1871 году за 1 500 рублей выкупил Павел Третьяков. Правда, часть картины пришлось переписать: Сергей Варенцов узнал себя в образе шафера, стоящего справа от невесты, и это совсем ему не понравилось. Картина была настолько популярной, а сходство столь очевидным, что вскоре несчастную любовь Варенцова обсуждали по всей Москве. В результате Пукирев полностью изменил черты героя картины, и сегодня, рассматривая картину «Неравный брак», зрители видят позади жениха автопортрет художника.

0

51

http://vclass1361.3dn.ru/_ph/51/421088727.jpg
Карл Брюллов «Всадница»

Несмотря на то что это одна из самых известных картин в истории русской живописи, впервые она была показана вовсе не в России, а в Милане, где вызвала самые теплые отзывы критиков и восторг публики. Брюллов — первый русский художник, чье имя стало известно в Европе; а в России, по словам историка искусства Александра Бенуа, вокруг него была создана целая религия: «Вокруг имени Брюллова сплелся целый венец сказаний, малейшее его слово заносилось в художественную летопись, которой чередующиеся поколения художников зачитывались с трепетом душевным... Тогда до самых глухих закоулков, где прежде никто ничего не слыхал об искусстве, прогремело имя Брюллова. Таким образом, вся Россия узнала о существовании живописи и могла, следовательно, и заинтересоваться ею».

Некоторое время считалось, что на картине изображена графиня Юлия Самойлова, в которую Брюллов бы влюблен и портреты которой неоднократно писал. В том же зале Третьяковской галереи экспонируется эскиз к знаменитой картине «Последний день Помпеи», на которой художник наделил чертами своей возлюбленной сразу трех героинь. Однако после сравнения «Всадницы» с более поздними произведениями Брюллова «Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Джованниной и арапчонком» и «Портрет графини Ю. П. Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией» стало понятно, что на картине изображены воспитанницы графини Самойловой — Джованнина и Амацилия Пачини.

Справа от всадницы изображена собачка: если приглядеться, на ошейнике можно прочитать фамилию ее хозяйки — «Самойлова».

0

52

http://s40.radikal.ru/i089/1206/3b/0e2f678a3512.jpg
Михаил Врубель «Пан»1899.
Холст, масло. Третьяковская Галерея, Москва, Россия.

Эта сказочная картина вызывает множество вопросов у историков искусства. Как правило, герои работ Михаила Врубеля — даже самых фантастических — имеют портретное сходство с кем-то из знакомых художника, но кто же стал прототипом «Пана», так и остается загадкой. Существует версия, что художнику позировал оставшийся неизвестным украинский крестьянин, однако это не совсем верно. Известно, что летом 1899 года Врубель вместе со своей женой, Надеждой Забелой-Врубель, гостил у княгини Марии Тенишевой в поместье Хотылево, что находилось в Орловской губернии. Именно там и появилась картина «Пан» (так что версия о неизвестном украинском крестьянине отпадает).

Вместе с художником, гостеприимством Тенишевой пользовался композитор Борис Яновский, который был свидетелем появления картины и оставил бесценные воспоминания: «Первоначально на этом же холсте Врубель начал писать портрет своей жены. Портрет уже близился к концу. Как-то вечером Врубель прочитал книжку Анатоля Франса "Puit de s-t Glair". Большое впечатление на него произвел тот рассказ, где старый сатир повествует о давно прошедших временах. На другое же утро Врубель на моих глазах соскоблил начатый портрет жены и на месте его принялся писать "Пана" (сам он называл его "Сатир"). Эта работа так увлекла его, что через день он позвал жену и меня и уже демонстрировал нам почти вполне законченную картину!.. По изумительному настроению, по тонкости колорита это, несомненно, одно из капитальнейших произведений гениального Врубеля, невзирая на то, что, как заметил впоследствии Репин (с чем, впрочем, и сам Врубель согласился), плечо сатира смято».
http://horosheekino.ru/images/line.gif

Картина Пан единодушно признается вершиной если не всего творчества Врубеля, то его сказочной сюиты.

Говорят, что толчком послужило чтение рассказа А.Франса «Святой Сатир». В картине "Пан" эллинский козлоногий бог превращается в русского лешего. Сумерки. Еще синеют, отражая вечернее небо, воды маленькой речки, а в густой мгле за черным частоколом старого бора встает молодой румяный месяц. О чем-то шепчутся березы, но тишина незаметно завораживает природу, и вот начинают сверкать голубые, родниковой свежести глаза Пана.

Старый, морщинистый, с бездонными голубыми глазами, узловатыми, словно сучья, пальцами, он как будто возникает из замшелого пня. Фантастическую колдовскую окраску приобретает характерный русский пейзаж - безбрежные влажные луга, извилистая речушка, тонкие березки, застывшие в тишине опускающихся на землю сумерек, озаренные багрянцем рогатого месяца.


Здесь фигура и ландшафт составляют единство, друг без друга не мыслятся. И могут друг в друга превращаться. Стихия превращений, царящая в сказках, для картин Врубеля естественна, потому что в его живописи сняты перегородки между царствами природы, между живым неживым, между человеком и лесными тварями, стихиями и всем, что наполняет землю, воды и небо. Единая, общая жизнь во всем.

Откуда этот облик, откуда взял художник эту примечательную лысую голову, круглое, бровастое, голубоглазое лицо, заросшее дикими кудрями? Обычно у героев картин Врубеля сквозит портретное сходство с кем-нибудь из знакомых ему людей, и современники без труда угадывали, кто послужил прототипом. Но «Пана», кажется, не опознали, во всяком случае, никто не позировал для него художнику.

Подсмотрел ли Врубель такого старика где-то в украинском селе или он просто вообразился ему лунной ночью при виде старого замшелого пня - неизвестно. Зато зрители разных поколений находят в «Пане» сходство с кем-то, кого они встречали, и кого Врубель встретить никак не мог - доказательство того, насколько этот сказочный дед жизнен и живуч. А вместе с тем он совершенно фантастичен, он лесная нечисть, олицетворение того, что мерещится и мнится заблудившемуся ночью. Кажется, что начинает шевелиться седой пень, под косматым мхом завиваются бараньи рожки, корявая рука отделяется, сжимая многоствольную свирель, и внезапно открываются круглые, голубые глаза, как фосфорические светлячки. Как будто откликаясь на беззвучный зов лесного хозяина, медленно выползает из-за горизонта месяц, голубым сиянием вспыхивает поверхность речки - маленький голубой цветок. Леший - душа и тело этих перелесков и тонкой равнины, завитки его шерсти подобны встающему полумесяцу, изгиб руки вторит изгибу кривой березки и весь он узловатый, бурый, из земли, мха, древесной коры и корней. Колдовская пустота его глаз говорит о какой-то звериной или растительной мудрости, чуждой сознанию.
http://horosheekino.ru/images/line.gif
Пан - в древнегреческой мифологии - божество стад, лесов и полей. Пан козлоног, с козлиными рожками, покрыт шерстью. Он известен своим пристрастием к вину и веселью. Он полон страстной влюбленности и преследует нимф. Нимфа Сиринга в страхе перед Паном превратилась в тростник, из которого Пан сделал свирель.
Пан как божество стихийных сил природы наводит на людей беспричинный, так называемый панический, страх, особенно во время летнего полдня, когда замирают леса и поля. Раннее христианство причисляло Пан к бесовскому миру, именуя его "бесом полуденным", соблазняющим и пугающим людей.

0

53

http://animalsfoto.com/photo/51/51654fce3cc312f1125372347d7bccff.jpg
Алексей Саврасов «Грачи прилетели». 1871

Картина Саврасова известна каждому с детства — по ее репродукции в учебниках русского языка написаны миллионы школьных сочинений. Так сложилось, что в сознании большинства Алексей Саврасов остался автором одной этой работы. Саврасов написал более двадцати вариантов «Грачей» — поздние повторения знаменитой работы из Третьяковки можно увидеть в Нижегородском музее, в Астраханской картинной галерее, во многих частных коллекциях.

Однако немногие знают, что ни «Грачи», ни все остальные картины художника могли вовсе не появиться. Дело в том, что Саврасов был сыном мелкого московского галантерейщика, у которого желание сына заниматься живописью не вызывало восторга. Тем не менее, в Московское училище живописи и ваяния Кондрат Саврасов сына отпустил. Но, не проучившись и года, Алексей, видимо, из-за болезни матери, был вынужден прекратить учебу. И лишь четыре года спустя благодаря помощи студентов училища и преподавателя Карла Рабуса, а также просвещенного обер-полицмейстера Москвы генерал-майора И. Д. Лужина, он смог продолжить образование в пейзажном и перспективном классе. Интересно, что Иван Дмитриевич Лужин был блестящим офицером и бонвиваном, водил знакомство со многими литераторами и, говорят, даже стал посредником при сватовстве Александра Пушкина к Наталье Гончаровой. Кто знает, не прими Лужин участия в судьбе талантливого юноши, появилась бы спустя 23 года одна из самых известных картин в истории отечественной живописи?

http://horosheekino.ru/images/line.gif

Художник Алексей Саврасов сотворил сие замечательное произведение искусства в 1871 году. Эта дата совпадала открытием общества передвижных выставок, где художник принимал активное участие многие годы.

Картина Грачи прилетели, по сей день считается одним из наиболее заметных творений Алексея Саврасова, Этюды и быстрые эскизы к данному полотну создавались Саврасовым в нынешнем селе Сусанино, что в Кострмской области. Правда тогда это поселение называлось по другому Молвитино, переименованное в неспокойные советские времена в 1939 году.Конечно, когда картина была создана ее не смог не заметить Павел Михайлович Третьяков, сразу же выкупивший данный экспонат выставки. Это покупка была уже не первая, до этого известный меценат выкупил у Саврасова 3 понравившиеся ему работы.

Какое то время картина с грачами демонстрировалась в Московском обществе любителей изобразительного искусства. и даже на какое то время популярность ее перекрывала работы таких известных коллег, как, Ивана Шишкина и Архипа Куинджи. Чуть позже полотно было продемонстрировано и в стольном Петербурге, имигрирую с одной выставки к следующей. После всех этих передвижных выставок сей шедевр опять возвращают ее собственнику меценату Третьякову, в доме чьем подобные экспонаты украшают его гостинные и рабочие кабинеты. Сама галерея в которой соберется вся основная коллекция будет сооружена несколько позже.Успех этого произведения был конечно неожиданным, посыпались повторные заказы, коих было несколько.

Грачи прилетели явно была задумана автором как произведение лирического весеннего настроения, в котором обязательно красовалась русская матушка природа, на фоне сельской красивой церквушки, и привычных обветшалых домишек. На улице весна вступает в свои права. Голубое небо застлано облачками с пробивающимся сквозь них мягкими солнечными лучами, вынуждающие деревцам откидывать тени на мартовский талый снег. Хилые замерзшие за зиму извилистые березки с оккупировавшимися на них только, что прилетевшими на родину грачами, озабоченно занимаются плетением из веточек свои гнезды и тем самым подчеркивают жизненный весенний уклад в картине.

Грачи прилетели привычна нашему восприятию. Сразу мысленно приходит на ум впечатление о знакомых местах, которые, только недавно посещал и видел большое множество раз. За любимыми нашему сердцу русскими березками и имигрировавших с юга грачами виднеется деревянный забор, простые крестьянские хаты и как украшение любого села симпатичная церковь, с привычным нам всем обветшалым фасадом и давно не ухоженной крышей колокольни. По убеждению везде досужих искусствоведов, церковь которую писал художник называлась Воскресенской церковью, которую и сегодня можно полицезреть, правда церковные службы там давно не ведуться и в сие заведении музей Ивана Сусанина. Ближе к горизонту художник показал пашни, местами с не растаявшим грязноватым снегом и проталинами. Знакомая картина, несмотря на то, что сегодня 21 век, подобный пейзаж можно увидеть и сегодня в различных окрестностях необъятной матушки России.

0

54

https://muzei-mira.com/templates/museum/images/paint/vasnetsov_alenushka-.jpg
Виктор Васнецов «Аленушка» (1881)

Казалось бы, история создания картины «Аленушка» широко известна: считается, что Васнецов в образе безутешной героини русской сказки написал девочку, с которой познакомился в деревеньке Ахтырка. Рассказывая об этой картине, обычно вспоминают слова самого художника, который писал: «Аленушка, как будто она давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение...»

Однако не все так просто: Васнецов в одном из своих писем раскрыл тайну создания картины: «Критики и, наконец, я сам, поскольку имеется у меня этюд с одной девушки-сиротинушки из Ахтырки, установили, что моя "Алёнушка" натурно-жанровая вещь! Не знаю! Может быть. Но не скрою, что я очень вглядывался в черты лица, особенно в сияние глаз Веруши Мамонтовой, когда писал "Алёнушку". Вот чудесные русские глаза, которые глядели на меня и весь божий мир и в Абрамцеве, и в Ахтырке, и в вятских селениях, и на московских улицах и базарах и навсегда живут в моей душе и греют ее!»

Веруша Мамонтова… Ее лицо, без преувеличения, знакомо всем: именно она позировала Валентину Серову для картины «Девочка с персиками». Если же присмотреться внимательно к «Аленушке» Васнецова, зная о признании художника, можно с легкостью найти сходство.

http://horosheekino.ru/images/line.gif

Уже более века чудесным сказочником живет Виктор Михайлович Васнецов в благодарной памяти нескольких поколений русских людей, с детства вовлеченных его могучим талантом в образный мир народной поэзии. Кто из нас в золотую пору своих детских лет, будь то в городе или в деревне, не замирал в восхищении перед красочными воспроизведениями картин «с Васнецова» на стене родного жилья, в школе или на странице любимой книги?
Издавна множились и распространялись по России отпечатки с картин этого дивного художника-чародея.
...Иван-царевич мчит верхом на лохматом волке через лесную глухомань с прильнувшей к его груди прекрасной Еленой; на волшебном ковре-самолете везет Иванушка-дурачок в золотой клетке пойманную им Жар-птицу, три царевны вышли по иванушкиной воле из подземного царства, принеся ему во владение три главных земных богатства — золото, драгоценные камни и руду...
Мечты о лучшей доле, живущие испокон веков в душе нашего народа и воплощаемые им с давних пор в волшебном вымысле, В. М. Васнецов сумел воплотить в полнокровные жизненные образы, тождественные самим народным представлениям, передать реалистически увлекательное очарование народной фантастики. В этом — неумирающая сила творений Васнецова и объяснение их огромной всенародной популярности.
Знаменитая «Аленушка» принадлежит к числу самых проникновенных созданий художника.
Никогда Васнецов не придерживался точного текстового содержания той или иной сказки или былины. Они всегда являлись только отдаленным первоисточником, отправной точкой для творческой фантазии художника, создававшего в удивительном соответствии с народной традицией свою собственную сказку, в которой все дышит подлинно народной поэзией.
В «Аленушке» народная сказка как бы перевернута, в ней нет ни братца Иванушки, стоящего над омутом и обращенного в козленка, ни брошенной в воду с тяжким камнем на шее Аленушки, жалобно зовущей на помощь. Все здесь наоборот: на большом прибрежном камне в центре картины сидит, пригорюнившись, одинокая девушка-сиротка, васнецовская Аленушка, и оплакивает то ли братца Иванушку, которого погубили злые люди, то ли свою горемычную сиротскую долю.
Поэтическое вдохновение Васнецова создало кристально чистый образ несчастной беспризорной девочки-сиротинушки, непостижимыми нитями связанной со многими тысячами таких же бездомных сироток, что бродили некогда по русской земле без ломтя хлеба за пазухой и знать не знали, ведать не ведали, где приклонить усталую головушку и размыкать горе и тоску.
В Аленушке, в ее вызывающей безмерную жалость согбенной фигурке, в трогательной худобе и девической нескладности всего ее облика художник сумел выразить живописными средствами то, о чем на протяжении веков слагались не одна русская сказка, не одна народная песня. Талант Васнецова навсегда закрепил в нашем сознании этот скорбный образ одинокой, покинутой всеми близкими девушки, которая, притаясь в густой, непролазной чаще, тихо, беззвучно, у тихой лесной водицы, выплакивает свое горе от незаслуженных людских обид и скорбит о своей юной загубленной жизни, обернувшейся для нее суровой, несправедливой, злой мачехой.
Прекрасно написан в картине пейзаж, не отделимый от образа Аленушки. И лесок, подступающий к берегу, и прибрежный тростник как бы разделяют Аленушкино горе, скорбят вместе с девушкой, укрывают ее от злых обидчиков. Надо было знать, понимать, любить родную природу так, как Васнецов, чтобы с подобной, подлинно магической силой воспроизвести ее настроения и слить их в единый эмоциональный аккорд.
С несравненным совершенством художник выразил здесь связь переживаний человека и природы.
«Как умно, тактично, не назойливо написан пейзаж в «Аленушке»! — заметил однажды советский художник В. Н. Яковлев.— Ни одна деталь не отвлекает зрителя от главного, и в то же время картину Васнецова можно рассматривать во всех деталях, находя все больший материал для размышлений, для раскрытия основного замысла художника. Одиноко тоскует Аленушка о пропавшем братце Иванушке. Глухо шумит обступивший девочку бор. Робко поджала она изрезанные осокой босые ноги, неласково встречает ее мачеха-осень... черная, глубокая стоит у берега холодная вода, и знобкий ветер срывает с багряных осин последние листья. Сиротлива и поза Аленушки, и низкое, серое, унылое небо, и ласточки, готовящиеся к отлету. Все сплетается в единую, глубоко продуманную, грустную мелодию, трогательную, как незатейливый напев пастушьей жалейки. И чем дольше вы смотрите на «Аленушку», тем более властно охватывает вас то настроение, под влиянием которого работал художник, ибо ему дана чудесная власть говорить с людьми языком лирической задушевности».
«Аленушка» Васнецова звучит в русском искусстве трогательной мелодией, выражающей самые сокровенные чувства человека.

0

55

Трагическая судьба «Дамы в голубом»

http://poipkro.pskovedu.ru/cnpi/old_version/images/obraz/somov.jpg
К. Сомов. Дама в голубом, 1897-1900.

«Даму в голубом» называют лучшей картиной художника К. Сомова, «Джокондой современности» и символом эпохи Серебряного века. Для этой работы Сомову позировала Елизавета Мартынова – едва ли не единственная женщина, к которой художник испытывал чувства. Ее судьба сложилась трагически: она умерла вскоре после того, как ее портрет был выставлен в Третьяковской галерее.

                                     http://poesias.ru/image/line.png

К. Сомов. Дама в голубом, 1897-1900

С Елизаветой Мартыновой Сомов познакомился во время учебы в Академии художеств. В то время она была одной из первых женщин, допущенных к обучению на живописном отделении Академии. Она поступила туда в 1890 г., но вскоре вынуждена была прервать учебу из-за болезни – девушка была больна туберкулезом, и врачи рекомендовали ей лечение за границей. Мартынова мечтала стать настоящей художницей, но ее планам так и не суждено было осуществиться – она умерла от туберкулеза в 1904 году в 36-летнем возрасте.

По-видимому, Елизавета Мартынова была одной из немногочисленных женщин, которыми Сомов увлекался. Еще в студенческие годы он написал несколько портретных этюдов, а в 1897 г. приступил к созданию «Дамы в голубом платье» (так назывался портрет на персональной выставке произведений художника). Работа длилась около трех лет с перерывами из-за поездки Сомова в Париж и лечения Мартыновой в Тироле. Ее портреты писали и другие художники: И. Браз, Л. Бакст, Ф. Малявин.
http://www.kulturologia.ru/files/u19001/Somov-Lady-in-blue-4.jpg
К. Сомов. Фото, 1910

«Дама в голубом» – это одновременно и портрет Мартыновой, и обобщенный символ эпохи: художник не только запечатлевает настоящие черты позирующей, но и поэтизирует ее болезненность и одиночество, что было так характерно для искусства Серебряного века.
Сомову удалось создать образ почти трагический, хотя многие удивлялись такой интерпретации реальности – в жизни девушка была довольно энергичной и жизнерадостной.
Подруга Мартыновой М. Ямщикова писала об этой картине: «Что сделал художник с этим лицом, с этими когда-то сияющими торжеством глазами? Как сумел вытащить на свет глубоко запрятанную боль и печаль, горечь неудовлетворенности? Как сумел передать это нежное и вместе с тем болезненное выражение губ и глаз?».

Возможно, именно этим и объясняется популярность «Дамы в голубом», которую И. Грабарь назвал «Джокондой современности». Сомов отразил не только трагические обстоятельства жизни конкретной личности, но и характер целой эпохи. «Изящная грусть его картин и придает им особое, несравненное очарование и какую-то странную загадочность», – писал Грабарь. «Все его произведения проникнуты духом нашего времени: безумной любовью к жизни, и в то же время каким-то грустным скептицизмом, глубочайшей меланхолией от «недоверия к жизни», – утверждал А. Бенуа.

http://www.kulturologia.ru/files/u19001/Somov-Lady-in-blue-3.jpg

0

56

История портрета кисти Винтерхальтера... Варвара Дмитриевна Римская-Корсакова (1834-1879)

https://img-fotki.yandex.ru/get/4108/96386024.3e1/0_127917_ad20ace5_orig.jpg
Ф.К. Винтерхальтер. Портрет В.Д. Римской-Корсаковой, музей Орсэ, Париж, 1864

Парижский портрет Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой был написан Винтерхальтером, когда этой русской красавице было 30 лет. Белая с голубыми лентами накидка лишь создает иллюзию платья. И тут же двойственное впечатление: Варвара Дмитриевна кажется и обнаженной, и закутанной одновременно. Естественная, отринувшая все мелочные ухищрения красота: на ней нет никаких украшений, кроме капелек-серег в ушах.
Франц Ксавьер Винтерхальтер - малоизвестный в России художник, несмотря на то, что в Эрмитаже хранится не так уж мало его работ. В середине XIX столетия он считался одним из ведущих портретистов Европы. Его творения - длинная вереница императоров, императриц, титулованных младенцев, родовитых дам и кавалеров.
Франсуа-Ксавье Винтерхальтер талантливо передавал портретное сходство. Если он и льстил, то тактично. Он умел виртуозно писать ткань, мерцание жемчуга, блеск драгоценностей, роскошь кружев и лент, а для какой женщины пустяк то, в чем она села позировать художнику? Винтерхальтеру с его высочайшей техникой легко было передать и шелковистость волос, и блеск глаз.
Разумеется, именно это ему могли поставить, да и ставят в упрек — «слишком натурально», «салонно», «искусство для искусства». Но давайте зададимся во­просом, хотели бы мы видеть сейчас портрет Варвары Дмитриевны в чьем-нибудь ином исполнении? И захотелось бы нам в этом случае идти по следам ее судьбы?...

http://f11.ifotki.info/org/3849798a8b99e9c4e2815b7f49a05c20bc5f6c133682374.jpg
Девичья фамилия Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой — Мергасова. Это костромской дворянский род. Ничего более конкретного о волжских родственниках парижской красавицы неизвестно. Зато семья, куда она во­шла невесткой, в истории русской культуры очень заметна.

Ее муж, Николай Сергеевич Римский - Корсаков (около 13 Апреля 1829 - Умер 24 Август 1875), был он очень красив — это отличительное свойство мужчин Корсаковых.

Предком этой фамилии считается некий Корсак из Литвы, присягнувший князю Василию, сыну Дмитрия Донского. Римскими его потомки стали по указу царя Федора Алексеевича, поскольку претендовали на происхождение из Рима.

Служили дворяне Римские-Корсаковы стольниками, воеводами, генералами, адмиралами.
Немеркнущую славу принес роду военный моряк и профессор Петербургской консерватории Николай Андреевич Римский-Корсаков, автор симфоний и опер «Садко», «Царская невеста», «Сказка о Золотом петушке», «Снегурочка», не сходящих со сцен театров России.

Свадьба Николая Римского-Корсакова и Варвары Мергасовой состоялась 20 мая 1850 года. Первенец молодоженов, если верить документам, опубликованным в «Пензенском временнике любителей старины» за 1891 год, родился через три месяца после свадьбы, в августе того же года. Николаю тогда минуло двадцать лет, а Варваре было шестнадцать. В 1853 году у супругов родился второй ребенок — сын Николай, через два года — Дмитрий.

https://img-fotki.yandex.ru/get/9760/96386024.3e0/0_1278dd_6b32ea31_orig.jpg
Варвара Дмитриевна расцветала нежным цветком, шила себе эффектные наряды — бархат, газ, шелк, украшения, — все это так шло к ее облику, несмотря на частые роды, не терявшему почти девичьей свежести. Она была в моде, как и ее муж.
..."С кем мы не знакомы? Мы с женой как белые волки, нас все знают", — говорил Егорушка Корсунский Анне Карениной, приглашая ее на вальс. Толстой описывает его не без иронии — "лучший кавалер, главный кавалер по бальной иерархии, знаменитый дирижер балов, церемониймейстер, женатый, красивый и статный мужчина». И прибавляет: «Там была до невозможного обнаженная красавица Лиди, жена Корсунского..."

https://img-fotki.yandex.ru/get/6829/96386024.3e1/0_127914_11ce42ca_orig.png
Лев Николаевич Толстой
знал Римских-Корсаковых в Москве и так по его воле Варвара и Николай Римские-Корсаковы под фамилией Корсунских попали в «Анну Каренину».

0

57

“Hands Resist Him” написана калифорнийским художником-сюрреалистом Биллом Стоунхемом. Писал он ее со своей сестрой с фотографии в 1972 году.
Это фото было прототипом “Руки сопротивляются ему”:

http://ribalych.ru/wp-content/uploads/2011/02/Foto_obrabotka_00143.jpg

На картине же получился мальчик с не прорисованным лицом и девочка-кукла, почти в рост ребенка у стеклянной двери. В дверь изнутри упираются детские ручки.
http://ribalych.ru/wp-content/uploads/2011/02/Foto_obrabotka_00142.jpg

История неприятностей с этим полотном началась с оценившего ее искусствоведа.

Он скончался, неожиданно и быстро. Следующим стал киноактер. Далее в истории есть пробел, картина считалась исчезнувшей. И вот некая семья обнаруживает ее на помойке и конечно же тащит ее в дом. Более того – ее вешают в детской. В результате дочь не спит по ночам, кричит, говорит , что дети на картине движутся и дерутся. В комнате ставят камеру с датчиком движения, и она срабатывает по ночам.

Семья решает от картины избавиться и для этого выставляет ее на интернет-аукцион. Тут же организаторы начинают получать море жалоб о том, что при долгом просмотре картинные людям становилось плохо, вплоть до сердечных приступов.

В конце концов “Hands Resist Him” покупает хозяин частной картинной галереи. Который теперь также становится владельцем вороха жалоб на нее. Кстати, к нему приходят и предложения от экзорцистов. Экстрасенсы вообще в один голос говорят о исходящем от картины зле.

Это тоже Стоунхемом но более поздний:
http://ribalych.ru/wp-content/uploads/2011/02/Foto_obrabotka_00231.jpg

0

58

Все знают “Тройку” Перова. Коренным в этой тройке маленький светленький мальчик. Модель для этого образа Перов нашел Москве. По улице брела женщина с 12 летним сыном на богомолье.

http://ribalych.ru/wp-content/uploads/2011/02/Foto_obrabotka_00144.jpg
Женщина потеряла всех других детей и мужа, и Вася стал последним ее утешением. Она очень не хотела, что бы мальчик позировал, но позже все-таки согласилась. Однако очень быстро после завершения картины Вася умер… Женщина просит отдать ей картину, но художник уже не может: картина уже - в Третьяковской галерее. Тогда Перов тогда пишет портрет мальчика и передает его матери.
http://www.womenclub.ru/components/com_jce/editor/tiny_mce/plugins/lines/img/lines_bg.png
Ты себя в счастливцы прочишь,
А при Грозном жить не хочешь?
Не мечтаешь о чуме
Флорентийской и проказе?
Хочешь ехать в первом классе,
А не в трюме, в полутьме?
Кушнер.

http://www.womenclub.ru/components/com_jce/editor/tiny_mce/plugins/lines/img/lines_bg.png
Много раз эта картина в школе меня спасала от отчаяния. Репродукция висела на стене рядом с моей партой. Несколько лет паренёк в центре тройки был моим другом.

«Тебя унизила училка? Это не страшно, взгляни на нас.
Сейчас состоится педсовет, и тебя будут выгонять в третий раз из школы? Это не страшно, взгляни на нас.
Тебя на крыльце поджидают трое самых бандитских рож школы, чтобы заставить подчиняться им? Это не страшно, взгляни на нас»
И я смотрел. И мне становилось не страшно. Спасибо вам, мои друзья из прошлого. Спасибо тому, кто повесил картину рядом именно с моей партой. Ведь моя жизнь могла пойти по иному пути…

И только много позже я узнал, что картина Перова называется не просто Тройка, а «Тройка. Ученики мастеровые везут воду» (1866).
«Кто из нас не знает «Тройку» Перова,— писал В. В. Стасов,— этих московских ребятишек, которых заставил хозяин таскать по гололедице на салазках громадный чан с водой. Все эти ребятишки, наверное, деревенские родом и только пригнаны в Москву на промысел. Но сколько они намучились на этом «промысле»! Выражения безысходных страданий, следы вечных побоев нарисованы на их усталых бледных личиках; целая жизнь рассказана в их лохмотьях, позах, в тяжелом повороте их голов, в измученных глазах...»

Перову никак не давался образ центрового мальчика, всё было не то. Но однажды он встретил женщину с ребёнком, которые шли из рязанской деревни в монастырь на поклонение. Её звали тётушка Марья, а сынка Васенькой.

Перов с трудом уговорил старушку позволить ему написать ее сына: она долго ничего не могла понять, все боялась и говорила, что это великий грех. После долгих уговоров, она наконец согласилась, и Перов повел их в свою мастерскую, показал неоконченную картину и объяснил, что ему нужно. Мальчик сидел спокойно; Перов писал горячо, быстро, а старушка, которая при ближайшем рассмотрении оказалась гораздо моложе, тихо рассказывала о том, как похоронила мужа, детей и остался у нее только сын Васенька - единственная ее радость.

И картина получилась! Да так, что её купил Третьяков, а Перову дали звание Академик… Картина «разрывала сердца», как говорили современники. А мне давала силы!

Прошло четыре года, и к Перову явилась снова тётушка Марья. В узелке были деньги, которые она выручила, продав всё: дом, живность, скарб… Она хотела купить эту картину. Её сын Васенька умер.

Перов отвёл её к Третьякову.

- Родной ты мой! Вот и зубик-то твой выбитый! - вскрикнула тетушка Марья и опустилась на колени перед картиной.

Перов пообещал тетушке Марье написать для нее портрет Васи. Он исполнил обещание и послал ей в деревню портрет в позолоченной раме.

Сам Перов вспоминает:
«Придя в ту комнату, где висела картина, которую старушка так убедительно просила продать, я предоставил ей самой найти эту картину,- писал Перов в рассказе «Тетушка Марья».- Признаюсь, я подумал, что она долго будет искать, а быть может, и совсем не найдет дорогие ей черты; тем более это можно было предположить, что картин в этой комнате было очень много. Но я ошибся. Она обвела комнату своим кротким взглядом и стремительно пошла к той картине, где действительно был изображен ее милый Вася. Приблизившись к картине, она остановилась, посмотрела на нее и, всплеснув руками, как-то неестественно вскрикнула: «Батюшка ты мой! Родной ты мой, вот и зубик-то твой выбитый!» - и с этими словами, как трава, подрезанная взмахом косца, повалилась на пол».
Много времени провела мать у картины, никто ее не тревожил, и только дежурный, стоявший у двери, полными слез глазами смотрел на нее".
http://www.womenclub.ru/components/com_jce/editor/tiny_mce/plugins/lines/img/lines_bg.png
Равнодушно слушая проклятья
В битве с жизнью гибнущих людей,
Из-за них вы слышите ли, братья,
Тихий плач и жалобы детей?
Николай Алексеевич Некрасов. 1860

http://www.womenclub.ru/components/com_jce/editor/tiny_mce/plugins/lines/img/lines_bg.png
На Руси пели: "Мать плачет, как река льется, сестра плачет, как ручей течет, жена плачет, как роса падет. Взойдет солнышко - росу высушит".

Будем жить!

0

59

Интересная пара картин

http://ribalych.ru/wp-content/uploads/2011/02/Foto_obrabotka_00146.jpg

Одна из них «Масленица» Куплина

http://ribalych.ru/wp-content/uploads/2011/02/Foto_obrabotka_00232.jpg

вторая принадлежит Антонову.

Особую известность картины получили в 2006, когда в интернете появилась запись, якобы от имени одного студента. Который и заявил , что копия принадлежит перу сумасшедшего, но в картине есть особенность, которая сразу указывает на психическое расстройство автора. Множество людей начинает искать это отличие, но конечно же не находит… точнее вариантов предлагается много, но вот проверить на правильность… пока не удается)

0

60

Перов "Сельский крестный ход на пасхе"1861

http://4.404content.com/1/05/24/544067314616632534/fullsize.jpg
Из собрания Государственной Третьяковской галереи

Всем известна картина Перова "Сельский крестный ход на Пасху", написанная в 1861 году. На первый взгляд, картина изображает сущее безобразие — священник нарезался в дугу, да еще в прямо в момент богослужения, в наиболее почитаемый православными церковный праздник. Да и остальные участники процессии ведут себя не лучше.

Так, да не так. Священник на картине и вправду пьян. А вот крестный ход — совсем не крестный ход вокруг храма в Пасхальную ночь, который приходит на ум современным верующим. Посмотрите внимательнее. Процессия выходит не из церкви, а из обычной крестьянской избы (церковь виднеется на заднем плане); крестный ход поворачивает по часовой стрелке (крестный ход вокруг православного храма движется только против часовой стрелки). Дело происходит на закате (а не в полночь). Что же тогда мы видим?

Начнем объяснение с того, как формировался заработок приходского священника в старой России. Хотя в это и трудно поверить, но у священника не было заработной платы. Некоторые причты (на начало 20 века — приблизительно каждый шестой) получали государственную дотацию, но и ее размер в подавляющем большинстве случаев был сильно ниже прожиточного минимума. Прихожане же не платили священнику жалованья никогда и ни при каких обстоятельствах. Церковный причт (священники, диаконы и псаломщики) имел два источника дохода — требы и доход от церковной земли.

Три требы — крещение, венчание, отпевание — составляли основу дохода духовенства, так как крестьянам было не отвертеться от совершения данных обрядов (церковь вела метрические книги, и обряды, связанные с метрической записью, можно было проводить только в приходе, к которому ты был приписан), и им волей–неволей приходилось соглашаться с теми ценами, которые заламывали священники. В среднем приходе было 2–3 тысячи человек (400–500 домохозяйств), и подобные события происходили около 150 раз в году. Самым дорогим обрядом была свадьба — за нее священник мог получить 3–10 рублей, в зависимости от благосостояния брачующихся и собственной наглости (и еще наесться и напиться), крещение и отпевание обходились уже куда дешевле. Все остальные второстепенные требы крестьяне, в отличие от главнейших трех, могли заказать не только в собственном, но и в любом другом приходе. Легко догадаться, что при наличии конкуренции цены на них были сбиты в копейки. Священник, диакон и псаломщик делили полученные деньги в соотношении 4:2:1, но диакон был далеко не во всяком причте.

Крестьяне были твердо уверены, что причту следует удовлетворяться доходами от треб, а общее богослужение и исповедь причт должен совершать без всякого жалованья. Священники же и не мечтали о том, чтобы выпросить у прихода твердую сумму — все надежды на получение жалованья они возлагали на государство (надежды не сбылись).

У сельской церкви был обычно земельный участок — в среднем 50 десятин (55 га), приходившийся, в среднем на три семьи причетников. Таким образом, духовенство было обеспечено землей либо в том же размере, что и крестьяне, либо немного лучше. Бедные псаломщики чаще всего крестьянствовали сами, а священники (в особенности имевшие формальное образование) по обычаю своего времени считали невозможным марать руки физическим трудом и сдавали землю в аренду (хотя крестьянствовать самим было бы выгоднее).

Результат получался такой, что священники всегда были недовольны своими доходами. Да, священник был обычно обеспечен на уровне зажиточного крестьянина (диакон — на уровне среднего крестьянина, а псаломщик был и вовсе горчайшим бедняком). Но это и было причиной жестокой фрустрации — в том мире всякий человек со средним или неполным средним образованием (а священник являлся таковым лицом) зарабатывал как минимум в 3–4 раза больше человека физического труда. Кроме злосчастного сельского батюшки.

Теперь мы подходим к содержанию картины. Стремясь увеличить свои доходы, священники выработали обычай славления на Пасху. Церковная процессия обходила все хозяйства прихода (ориентировочно, их было 200–300–400 в 3–6 селениях), заходила в каждый дом и исполняла несколько кратких церковных песнопений — теоретически считалось, что крестьяне должны воспринимать такой обряд как благопожелание на следующий календарный цикл. В ответ крестьянам как–бы полагалось дарить причту подарок, желательно в денежной форме.

К сожалению, социального консенсуса вокруг славления/подарков не создалось. Крестьяне чаще всего считали славление не религиозным обычаем, а обираловкой. Некоторые наглецы просто прятались у соседей или не открывали ворота. Другие, еще более наглые, всовывали духовенству в виде приношения какую–то малоценную дрянь. Третьи вообще не хотели давать денег, но зато наливали — и это не шибко радовало причт, рассчитывавший расходовать собранное в течение всего года (другого повода для подарков не существовало). Церковная процессия тоже вела себя неблаголепно — все дома прихода надо было обойти за Пасхальную неделю, то есть на день приходилось по 40–60 домов. Духовенство двигалось вприпрыжку, пело наскоро — на дом отводилось по 5–10 минут, половина из которых уходила на торг со сквалыжным хозяином (или на унизительное попрошайничество, это как кто воспринимал процесс).

В довершение всех бед, православная Пасха приходится на тот период, в который благосостояние крестьянского двора достигало наинизшей точки. Все деньги, полученные от продажи урожая осенью, уже истрачены. Все запасы проедены. Скотина стоит голодная, и настала пора снимать ей на корм солому с крыши. Последние крохи и копейки изведены на разговление после Пасхи. На огороде еще не созрели первые овощи. И тут–то к крестьянину и являются церковники, нагло требующие денег за абсолютно ненужные пять минут нестройного пения. Неудивительно, что сама собой в голову приходит мысль подсунуть в темных сенях в мешок священнику ворону, выдавая ее за курицу.

Таким образом, на картине изображено совершенно не то, что кажется современному зрителю.
На наш невнимательный взгляд художник нарисовал священника, который хамским образом нарезался, вместо того чтобы чинно шествовать и благолепно петь. На самом же деле картина (что типично для Перова) бичует неуместный, криво сложившийся и плохо работающий социальный институт.

Процессия волочится по грязным дворам с утра до вечера, шестой день, переезжая от деревни к деревне. Всем горько, стыдно, неудобно, все вымотались, поют нестройно. Крестьяне тоже не рады. При вымогательстве подарков происходят низкие сцены. Да, священник пьян — но он обошел уже 50 домов, и в каждом его заставили выпить, а он ведь хотел, чтобы ему дали денег. Зачем это всё происходит? Неужели нельзя организовать дело поудачнее? Неужели нельзя как–то согласовать интересы духовенства и прихожан к взаимному удовлетворению? Зачем религиозную процессию превратили в позорище? Ответа не будет. Это Россия, страна несовершенных институтов.

0