"КИНОДИВА" Кино, сериалы и мультфильмы. Всё обо всём!

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.



История одной картины

Сообщений 81 страница 100 из 107

1

История одной картины http://sh.uploads.ru/t/1ps0H.gif История одной картины

+3

81

https://www.vzsar.ru/i/news/xxl/2020/10/209319.jpg
И.Е.Репин. "Пушкин на лицейском экзамене"

Как Репин писал картину "Пушкин на лицейском экзамене"

19 октября 1911 г. Императорско­му Александровскому (бывшему Цар­скосельскому) Лицею исполнялось сто лет. Благодаря своим знамени­тым выпускникам, учебное заведение пользовалось широкой известностью не только в России, но и за ее преде­лами. Особенно гордился Лицей тем, что в его стенах воспитывался Александр Пушкин. Поздравить Ли­цей со славным юбилеем готовились многие учреждения, учебные заве­дения, частные лица и, конечно, его бывшие питомцы. Так 35-й курс (вы­пуск 1877 г.) в качестве подарка Лицею заказал скульптору Вере Штейн бюст Пушкина-лицеиста; ли­цеист 69-го курса князь Олег Кон­стантинович готовил факсимильное издание рукописей А.С. Пушкина, хранившихся в Пушкинском музее Александровского лицея.

Решило сделать подарок alma mater и Пушкинское лицейское об­щество, созданное в учебном заве­дении в 1899 г. в честь столетия со дня рождения поэта. Через своего представителя общество обрати­лось к Илье Ефимовичу Репину с просьбой написать картину на один из предложенных им сюжетов: акт открытия Лицея 19 октября 1811 г. или переводной экзамен в Лицее 8 января 1815 г., на котором юный Пушкин перед Г.Р. Державиным чи­тал свое стихотворение. Художник выбрал второй сюжет.

Выбор Репина не был случай­ным. Известнейший художник мно­го и упорно работал над образом Пушкина. Этот образ давался Репи­ну нелегко. Трудно было в одном лице3 в одном портрете передать всю сложность, противоречивость чувств, настроений, темперамент за­мечательной личности поэта. И Ре­пин снова и снова возвращался к этой теме: "Пушкин на берегу Чер­ного моря", "Пушкин на набережной Невы", теперь художнику предстояло написать юного поэта на экзамене.
Получив согласие Репина на вы­полнение лицейского заказа, секре­тарь Пушкинского лицейского об­щества П.Е. Рейнбот писал худож­нику: «Благодаря Вам, Илья Ефи­мович, знаменательный момент, когда маститый певец Фелицы Дер­жавин, на склоне своих дней, бла­гословил юношу-лицеиста Пушки­на, момент, уже занесенный в лето­писи русской литературы, получит еще яркое выражение в истории русской живописи... Вы, Илья Ефи­мович, создадите новый памятник великому поэту и вместе с нами, старыми и молодыми лицеистами, членами Пушкинского лицейского общества, все русские люди от души скажут Вам спасибо за труд, принятый Вами на себя, по девизу Лицея "Для общей пользы"».

В поисках достоверности

Репин со свойственным ему ув­лечением немедленно приступил к работе. Еще не имея исторических данных, дав волю воображению, он пишет с наслаждением "все, все из головы... Мне воображается, что этот акт, наподобие прежних акаде­мических, был торжественный. Съезжались вельможи-звездонос­цы, сановники всяких высочайших рангов и положений. Картина вы­ходит очень эффектная... Ах, как я жду материалов".

А исторические материалы Ре­пину действительно были нужны. Предстояло воскресить событие столетней давности! Художник за­думал совершить поездку в Цар­ское Село. Но здание Царскосель­ского лицея после перевода учеб­ного заведения в Петербург в 1843 г. было внутри перестроено: ис­чезли классы, дортуары, не стало и лицейского зала. Каким был этот зал, кто присутствовал на экзаме­не, как выглядел Пушкин-лицеист, какая форма была у воспитанни­ков - все необходимо было знать в подробностях, знать до мелочей, чтобы правдиво воссоздать обста­новку. И здесь большую помощь по разысканию нужных для выполне­ния заказа материалов оказали Ре­пину члены Пушкинского лицейского общества, в частности секретарь общества П.Е. Рейнбот.

Художника ознакомили с полным списком участников экзамена, пре­доставили для работы портреты не­которых из них, сведения о костю­мах той эпохи, зале, где происходил экзамен. Для Репина был нарисован план размещения мебели, гостей, лицеистов, описан внешний вид ав­тографа стихотворения "Воспоми­нания в Царском Селе", по которому Пушкин читал свое стихотворение на экзамене. Причем Репину были предоставлены не только необходи­мые справки о предметах, но и сами вещи для непосредственного изуче­ния и зарисовки. Для того чтобы правдиво был создан образ Держа­вина, в мастерскую художника в Куоккалу доставили все имеющиеся портреты патриарха русской поэзии. Великий князь Константин Констан­тинович согласился дать из своего дворца портрет Державина в сена­торском мундире работы В.Л. Боро­виковского.

Но и всего этого оказалось не­достаточно. По просьбе И.Е. Репи­на в Александровском лицее была устроена инсценировка лицейско­го экзамена. В назначенное время в одном из залов Лицея собрались воспитанники, пришел директор Лицея, члены Пушкинского лицей­ского общества. Вдоль стены поста­вили длинный стол, покрытый ска­тертью, за который сели бывший министр народного просвещения, лицеист 35-го курса П.М. фон Ка-уфман, директор Лицея Б.Э. фон Вольф, секретарь Лицея А.А. Рубец, секретарь Пушкинского лицейского общества П.Е. Рейнбот. Они пред­ставляли экзаменующих. На некото­ром расстоянии от стола поставили стулья. Первый ряд заняли дамы -среди них жена Репина Н.Б, Норд-ман-Северова. За дамами на стуль­ях разместилось несколько воспи­танников, изображавших гостей. За ними встали 29 лицеистов - столько присутствовало на переводном эк­замене. В инсценировке участвовал правнук А,С. Пушкина, лицеист 68-го курса Павел Кондырев. Один из лицеистов - Лесков - встал у сто­ла. И Репин приступил к работе. В момент инсценировки известный петербургский фотограф Карл Бул­ла сделал фотографию, запечатлев один из важных моментов работы ху­дожника над картиной.

https://img-fotki.yandex.ru/get/4406/76095915.3d/0_9b1f2_e1dd1c7f_orig.jpg
инсценировка лицейского экзамена для И.Е.Репина

Работа над образами

Создавая образ юного Пушкина, художник стремился не только до­биться портретного сходства: ему важно было передать все мысли и чувства "героя-ребенка", изобра­зить Пушкина в один из знамена­тельных моментов его жизни, когда он впервые получил признание как поэт. Много раз перечитывал Репин воспоминания об этом дне самого Пушкина: "Державина видел я толь­ко один раз в жизни, но никогда того не забуду. Это было в 1815 году, на публичном экзамене в Лицее... Дер­жавин был очень стар. Он был в мун­дире и плисовых сапогах. Экзамен наш очень его утомил. Он сидел, под­перши голову рукою... Он дремал до тех пор, пока не начался экзамен в русской словесности. Тут он оживил­ся, глаза заблистали; он преобра­зился весь. Разумеется, читаны были его стихи, разбирались его стихи, поминутно хвалили его стихи. Он слушал с живостию необыкно­венной. Наконец вызвали меня. Я прочел мои "Воспоминания в Цар­ском Селе", стоя в двух шагах от Дер­жавина. Я не в силах описать состоя­ния души моей: когда дошел я до стиха, где упоминаю имя Держави­на, голос мой отроческий зазвенел, а сердце забилось с упоительным восторгом... Не помню, как я кончил свое чтение, не помню, куда убежал. Державин был в восхищении; он меня требовал, хотел меня обнять... Меня искали, но не нашли..."

Репин изобразил эту встречу. Перед Державиным воочию совер­шается чудо: он приподнимается и зорко всматривается в молодого поэта. Он пророчески понял, что "этот мальчик послан в мир самим богом поэзии, понял то, что выра­зил впоследствии с такой опреде­ленностью Гоголь: "Пушкин дан был миру на то, чтобы доказать собою, что такое сам поэт".

Оценивая свою работу над об­разом Пушкина, Репин писал: "Лицо и вся фигура мальчика-Пушкина на моей картине составляет радость моей жизни. Никогда мне еще не удавалось ни одно лицо так живо, сильно и с таким несомненным сход­ством, как это - героя-ребенка".

Для того чтобы не заслонить образ главного виновника торже­ства, большинство гостей, изобра­женных на полотне, не наделены особыми чертами. Но из шестиде­сяти человек, написанных Репиным, некоторые вполне могут быть узна­ны. Рядом с Державиным - ректор Петербургской духовной академии Филарет (Дроздов). (Интересно от­метить, что на экзамене по россий­ской словесности Филарет не при­сутствовал. Он был в Лицее 4 ян­варя, когда состоялись экзамены по Закону Божьему.) Узнаваем ми­нистр народного просвещения граф А.К. Разумовский. Среди гостей, си­дящих в креслах, в первом ряду -отец поэта С.Л. Пушкин.

Вспоминая, как работал Репин над картиной "Пушкин на лицей­ском экзамене", Корней Иванович Чуковский, много раз позировав­ший художнику, писал: "...в "Пуш­кине на экзамене" он у меня на гла­зах переменил такое множество лиц, постоянно варьируя их, что их вполне хватило бы, чтобы заселить губернский город".

Два варианта

Картина "Пушкин на лицейском экзамене" стала первым подарком, поднесенным Лицею в день его юби­лея и была помещена в Пушкинский музей Александровского лицея. При передаче картины присутствовали воспитанники всех классов, бывшие ученики. С полотна на старых и мо­лодых лицеистов смотрел их това­рищ по учебному заведению, "ве­щий отрок" Александр Пушкин.

Картина была написана худож­ником в двух вариантах. Первона­чально И.Е. Репин начал работу над полотном большого размера. Одна­ко вскоре стало ясно, что в срок за­вершить написание этой большой картины художник не сможет. К тому же члены Пушкинского лицейского общества просили внести некото­рые изменения. Тогда Репин, с уче­том пожеланий, сделанных заказчи­ком, приступил ко второму вариан­ту, меньшего размера. Эта картина и была подарена Лицею.

Первоначальный вариант также был завершен. Он выставлялся на 40-й выставке передвижников в Москве в 1911-1912 гг. Работа полу­чила множество противоречивых отзывов. Общество имени Куинджи присудило художнику первую пре­мию и золотую медаль, от которых Репин отказался, объясняя свой от­каз тем, что "премии имеют прини­жающее влияние на искусство".
Картина в настоящее время на­ходится в Чехии. А всем нам хоро­шо знакомый вариант, подаренный Лицею, сегодня можно увидеть в музее-Лицее в литературной экс­позиции "Живем мы памятью Ли­цея", развернутой на втором этаже лицейского здания.

Светлана ПАВЛОВА,
хранитель литературной
экспозиции "Живем мы
памятью Лицея"

На полотне Репина

+1

82

https://i1.wp.com/arts-dnevnik.ru/wp-content/uploads/2016/05/image-39.jpeg
Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1889 г. Японский музей искусств Сомпо, Токио

В 1997 году разгорелся скандал. Эксперты предположили, что хранящаяся в Японии третья авторская копия “Подсолнухов” – подделка. Фактов, указывающих на поддельность было более, чем предостаточно.

Экспертов очень смущало, почему эта картина после смерти художника оказалась в руках художника Эмиля Шуффенекера. Все остальные Подсолнухи достались вдове брата Ван Гога. А тут вдруг совсем не имеющий отношения к семье владелец.

К тому же Шуффенекер был уличён в создании картин в стиле Ван Гога. Часть этих картин была “разоблачена”.

Эксперты музея Ван Гога в Амстердаме провели тщательное расследование. Подлинность картины была подтверждена.

Шуффенекер действительно время от времени писал картины в стиле импасто (нанесение краски густыми мазками). Именно этой техникой в совершенстве владел Ван Гог. Однако эксперты утверждают, что специально Шуффенекер подделки не создавал. Хотя возможно знал, что его картины выдаются дилерами за работы Ван Гога.

Кто знает, может через десять лет подлинность картины и опровергнут. Остаётся слишком много вопросов.

Почему именно эти “японские” Подсолнухи Ван Гог ни разу не упомянул в переписке с братом?

Почему картина написана на совершенно другом типе холста в отличие от других Подсолнухов?

И почему этот натюрморт не подписан (на вазах остальных стоит надпись “Vincent”)?

Время покажет.

+2

83

https://stuki-druki.com/biofoto3/ivan-aivazovskiy-01.jpg
Иван Константинович Айвазовский (арм: Ованнес Айвазян - Հովհաննես Այվազյան).
Родился 17 (29) июля 1817 года в Феодосии Таврической губернии - умер 19 апреля (2 мая) 1900 года в Феодосии.
Русский художник-маринист и баталист, коллекционер, меценат.
Живописец Главного Морского штаба, действительный тайный советник, академик.
Почётный член Императорской Академии художеств, почётный член Академий художеств в Амстердаме, Риме, Париже, Флоренции и Штутгарте.
Один из величайших маринистов в истории.

Айвазовский был свидетелем парада 1849 года как спутник императора Николая I на борту пароходофрегата «Владимир». Он воссоздал память об этом параде в 1886 году, и картина, выставленная в Академии художеств в Санкт-Петербурге, быстро стала популярной среди публики. В дальнейшем полотно было приобретено обществом «Кавказ и Меркурий» для его председателя, сенатора А. П. Жандра, бывшего участником Крымской войны.

=Spoiler написал(а):

https://ryazan.ananasposter.ru/image/catalog/poster/repr/90/4495.jpg

И. К. Айвазовский
Смотр Черноморского флота в 1849 году. 1886
холст[1], масло[1]. 131[1] × 249[1] см
Центральный военно-морской музей, Санкт-Петербург

Смотр флота происходил на Севастопольском рейде в 1849 году.  Линию боевых кораблей Черноморского флота возглавляет 120-пушечный линейный корабль «Двенадцать апостолов», за ним следуют 84-пушечные «Ростислав», «Святослав» и «Ягудиил».

В правом нижнем углу полотна изображён император Николай I, принимающий парад на борту пароходофрегата «Владимир». На «почтительном расстоянии» от императора художник поместил группу офицеров, окружающих командующего Черноморским флотом адмирала М. П. Лазарева. За правым плечом адмирала изображён начальник штаба флота В. А. Корнилов, за левым плечом — П. С. Нахимов и крайним слева — В. И. Истомин.

Многие из изображённых на картине кораблей через четыре года после смотра приняли участие в Синопском сражении, все были затоплены своими экипажами на Севастопольском рейде во время обороны города в Крымской войне..
https://stuki-druki.com/biofoto3/ivan-aivazovskiy-smotr-chernomorskogo-flota-v-1849-godu.jpg

"Эти суда щеголяли безупречной чистотой вооружения, распорядителями малейшего движения на каждом судне являлись избранные знатоки морского искусства. Каждый из них обладал неумолимым критическим взглядом, каждый чувствовал на себе устремленный взгляд учителя. Это был как бы оркестр, составленный исключительно из виртуозов; среди подобного оркестра обратить на себя внимание было достойно цели жизни, зависящей от одобрения Михаила Петровича."
— Владимир Войт «Очерки деятельности наших моряков»

+2

84

Репин и бурлаки: занимательная история одной картины

=Spoiler написал(а):

https://lermontovgallery.ru/upload/medialibrary/99b/99bebfd008382123f911019356e2d777.jpg

И.Е. Репин. «Бурлаки на Волге». 1872–1873 гг.

Картина «Бурлаки на Волге», прославившая Илью Репина, с момента своего появления вызывала неоднозначные отзывы. Кто-то восхищался мастерством художника, кто-то обвинял его в отступлении от жизненной правды. Почему же знаменитая картина спровоцировала скандал на государственном уровне, и насколько Репин на самом деле погрешил против действительности?

Как на самом деле и величайший профессионализм художника

Эти образы несчастных оборванцев, зарабатывающих на жизнь непосильным трудом, знакомы всем по школьным учебникам. Бурлаки в XVI-XIX вв. были наемными рабочими, которые при помощи бечевы тянули речные суда против течения. Бурлаки объединялись в артели по 10-45 человек, были и женские артели. Несмотря на тяжелый труд, за сезон (весной или осенью) бурлаки могли заработать столько, чтобы потом в течение полугода жить безбедно. Из-за нужды и плохих урожаев в бурлаки иногда шли крестьяне, но в основном такой работой занимались бродяги и бездомные.
И. Шубин утверждает, что в XIX в. труд бурлаков выглядел так: на баржах устанавливали большой барабан с намотанным на него тросом. Люди садились в лодку, забирали с собой конец троса с тремя якорями и плыли вверх по течению. Там они бросали в воду якоря поочередно. Бурлаки на барже тянули трос от носа к корме, наматывая его на барабан. Таким образом они «подтягивали» баржу вверх по течению: они шли назад, а палуба у них под ногами двигалась вперед. Намотав трос, они вновь шли на нос судна и проделывали то же самое. По берегу тянуть приходилось лишь тогда, когда судно садилось на мель. То есть изображенный Репиным эпизод – единичный случай.
Таким же исключением из правил можно назвать и показанный на картине участок дороги. Бечевник – прибрежная полоса, по которой передвигались бурлаки, по приказу императора Павла не застраивался зданиями и заборами, но кустов, камней и топких мест там было предостаточно. Изображенный Репиным пустынный и ровный берег – идеальный участок пути, каких на самом деле было немного.
Картина «Бурлаки на Волге» была написана в 1870-1873 гг., когда пароходы пришли на смену парусным лодкам-расшивам, и необходимость в бурлацком труде пропала. Еще в середине XIX в. труд бурлаков стали заменять машинной тягой. То есть на тот момент тему картины уже нельзя было назвать актуальной. Поэтому и разразился скандал, когда «Бурлаков» Репина в 1873 г.  отправили на Всемирную выставку в Вене. Российский министр путей сообщения негодовал: «Ну какая нелегкая Вас дернула писать эту нелепую картину? Да ведь этот допотопный способ транспортов мною уже сведен к нулю и скоро о нем не будет и помину!». Однако Репину покровительствовал сам великий князь Владимир Александрович, который не только одобрительно отзывался о работе художника, но даже приобрел ее для личной коллекции.
«Бурлаков» Репин написал в 29 лет, заканчивая учебу в Академии художеств. В конце 1860-х гг. он отправился на этюды в Усть-Ижору, где был поражен увиденной на берегу артелью бурлаков. Чтобы узнать больше об интересующих его персонажах, Репин поселился на лето в Самарской области. Его исследования нельзя назвать серьезными, в чем он сам признавался: «Должен сознаться откровенно, что меня нисколько не занимал вопрос быта и социального строя договоров бурлаков с хозяевами; я расспрашивал их, только чтобы придать некоторый серьез своему делу. Сказать правду, я даже рассеянно слушал какой-нибудь рассказ или подробность об их отношениях к хозяевам и этим мальчикам-кровопийцам».
Тем не менее «Бурлаки на Волге» довольно точно воспроизводят иерархию наемных рабочих: в передней лямке всегда шел сильный и опытный бурлак, называемый «шишкой» – он устанавливал ритм движения. За ним шли «кабальные», работавшие за харчи, так как все жалованье успевали промотать еще в начале пути, их подгоняли «усердные». Чтобы все шагали в ногу, «шишка» запевал песни или просто выкрикивал слова. В роли «шишки» Репин изобразил Канина – расстриженного священника, подавшегося в бурлаки. С ним художник познакомился на Волге.
Несмотря на существование реальных прототипов, в академических кругах «Бурлаков» прозвали «величайшей профанацией искусства», «трезвой правдой жалкой действительности». Журналисты писали о том, что Репин воплотил «худосочные идейки, перенесенные на полотно из газетных статеек… у которых реалисты почерпают свое вдохновение». На выставке в Вене тоже многие встретили картину с недоумением. Одним из первых оценить картину по достоинству смог Ф. Достоевский, чьи восхищенные отзывы позже подхватили и знатоки искусства.

+2

85

https://art.goldsoch.info/images/lodka-anri-matiss_1.jpg
Анри Матисс. «Лодка»,1937. Музей современного искусства Нью-Йорк

Матисс изобразил лодку под парусом и то отражение, которое можно увидеть в воде. Сначала, никто не мог понять, что здесь изображено. Дошло до курьезного случая. Работа живописца была выставлена в музее Нью-Йорка – разместили ее вверх ногами.
https://ic.pics.livejournal.com/bor_odin/31022566/2287959/2287959_original.jpg

Прошло больше месяца, и только потом ошибку устранили.

Все дело в том, что картина симметрична лишь на первый взгляд. Если присмотреться, то можно заметить левый приподнятый конец. Именно он и есть достаточно схематичное изображение носа лодки, даже не самой лодки, а лишь ее паруса.

У отражения в воде приподнятый конец уже отсутствует. Кроме паруса, Матисс изобразил облака и линию горизонта. Это и есть те самые линии розового цвета.

Фовисты, ярким представителем которых был Матисс, ценили цвет. Содержание они полностью отрицали.

Талант художника выражался в меньшем количестве мазков. Работа гениальна своей простотой. Это творение способно разбудить фантазию и воображение. Зрителю приходится думать о том, что хотел сказать автор этой картиной. Она похожа на детский рисунок.

Но это лишь на первый взгляд. На самом деле, она гениальна. Скорее всего, Матисс стремился удивить не только своих современников, но и тех, кто будет смотреть на его картину в будущем.

+2

86

https://illustrators.ru/uploads/illustration/image/1021532/main_IMG_20170222_195338.jpg
Врубель.Роза в стакане.

Размер : 29.8×18.5 см;
Стиль: Символизм;
Техника: Акварель, Графитный карандаш;
Материалы: Бумага на картоне.

Оригинал находится в Государственной Третьяковской галерее, в Москве.

Роза в стакане – один из лучших рисунков Врубеля, сделанных им в больнице. Художник утверждал, что в основе всякой красоты – “форма, которая создана природой вовек. Она – носительница души, которая тебе одному откроется и расскажет тебе твою.

https://vsebasni.ru/krylov/design/9png.png

Врубель Михаил Александрович, выдающийся русский живописец, ярчайший представитель символизма и модерна в искусстве России (конец 19 – начало 20 столетия). Родился будущий художник в Омске в марте 1856 года, художественному мастерству обучался в Петербурге в Академии художеств. Творчество Михаила Врубеля охватывает практически все виды и жанры, существовавшие на тот период в изобразительном искусстве. Живопись, графика, декоративная скульптура, театральное искусство – вот неполный перечень того, в чем многогранно раскрылся талант этого удивительного художника.
https://vsebasni.ru/krylov/design/9png.png

Шедевр графического мастерства Врубеля и еще одна скорбная веха в биографии художника. «Роза в стакане» была написана во время лечения в психиатрической лечебнице, куда Врубель попал после смерти единственного сына.

В мае 1903 года Врубели с сыном отправились в Киевскую губернию, в имение В. В. фон Мекка, одного из богатых поклонников Врубеля, который приобрел «Демона». Они доехали до Киева и остановились в гостинице. Неожиданно заболел ребенок маленький Саввочка, только начинавший говорить. Через два дня его не стало. Все заботы о похоронах взял на себя Врубель, он вышел из апатичной неподвижности, старался быть бодрым и поддержать жену, которая замолчала, не произносила ни слова. Минувший год был мучителен для Забелы: смерть отца, тяжелая болезнь матери, сумасшествие мужа и, наконец, внезапная смерть единственного ребенка. В этот год пострадал соловьиный голос Забелы такой певицей, как прежде, она больше уже не была, хотя еще несколько лет выступала на оперной сцене.

Похоронив на киевском кладбище сына и, видимо не зная, что же делать и куда себя девать дальше, Врубели все-таки поехали в имение фон Мекка, Пробыли там недолго: уже через несколько дней снова начались у художника приступы болезни. На этот раз он сам заявил: «Везите меня куда-нибудь, а то я вам наделаю хлопот». Его отвезли сначала в Ригу, потом перевели в клинику Сербского в Москву. Он был грустен, слаб, беспомощен и физически совершенно истощен, так как ничего не ел, желая уморить себя голодом. К началу следующего года он почти умирал. Но кризис прошел, его поместили в частную лечебницу доктора Ф. А. Усольцева в окрестностях Москвы. Там произошло его последнее возвращение к жизни. Он стал есть и спать, прояснились мысли, стал много, с прежней увлеченностью рисовать.

Так и появилась картина «Роза в стакане». Один из лучших рисунков Врубеля, сделанных им в больнице. Художник утверждал, что в основе всякой красоты «форма, которая создана природой вовек. Она носительница души, которая тебе одному откроется и расскажет тебе твою.«

+2

87

Похищения картин Эдварда Мунка

Картины Мунка неоднократно становились мишенями для злоумышленников. В 1994 году из Национальной галереи был похищен «Крик», но спустя несколько месяцев его удалось вернуть обратно. Как выяснилось, в 1988 году один из преступников уже был приговорен к тюремному заключению за участие в похищении картины «Вампир», которую также вскоре обнаружили и вернули в музей. 22 августа 2004 года двое вооруженных преступников вынесли из Музея Мунка хранившиеся там варианты картин «Крик» и «Мадонна». В мае 2006 года трое обвиняемых в краже были приговорены к тюремным срокам, а в августе полиции удалось обнаружить работы. За время нахождения в руках похитителей оба полотна получили повреждения: на них присутствовали царапины и следы от влаги, холсты были надорваны. По словам представителя музея, пятно в углу на картине «Крик» останется заметным. «Реставраторы не хотели производить никаких необратимых действий», - сообщали в музее. В декабре 2018 года из музея Стенерсена в Осло было похищено 6 работ художника. Среди них: «Смерть Марата», «Омега плачет», «Плачущая девушка у кровати», «Портрет фру Р» и другие.

+1

88

Поль Сезанн – французский художник, которому удалось построить мост между импрессионизмом 19-го века и кубизмом 20-го века. Одной из лучших его работ считаются «Игроки в карты», которые и более столетия спустя очаровывают ценителей живописи и ставят рекорды на аукционных торгах.

Сезанн создал несколько вариантов "Игроки в карты". Одна из картин была украдена.
https://static.kulturologia.ru/files/u8921/Z-Karten-08.jpg
Игроки были украдены прямо из музея.

"Игроки в карты" во время выставки в Париже в 1961 году были украдены прямо из музея с некоторыми другими картинами. Подробная информация относительно их возврата неясна: одни источники говорят, что картины были возвращены несколько месяцев позже после уплаты выкупа, а другие утверждают, что все картины были найдены год спустя в Марселе в заброшенном автомобиле.

В Франции была выпущена почтовая марка в честь ограбления

https://static.kulturologia.ru/files/u8921/Z-Karten-11.jpg
Марка в честь ограбления.

Чтобы показать весь трагизм возможной утраты картины "Игроки в карты" для Франции, была выпущена специальная почтовая марка, посвященная воровству картин.

+3

89

Франц Крюгер - любимый художник Николая I
https://antiqueland.ru/userfiles/%D0%A4%D1%80%D0%B0%D0%BD%D1%86%20%D0%9A%D1%80%D1%8E%D0%B3%D0%B5%D1%80_%D0%BF%D0%BE%D1%80%D1%82%D1%80%D0%B5%D1%82,%20%D0%B3%D1%80%D0%B0%D0%B2%D1%8E%D1%80%D0%B0,%20%D0%BB%D0%B8%D1%82%D0%BE%D1%84%D0%B0%D0%BD%D0%B8%D1%8F6.jpg

Франц Крюгер, Лошадиный Крюгер (нем. Franz Krüger, Pferde-Krüger; 10 сентября 1797, Гросбадегаст — 21 января 1857, Берлин) — немецкий живописец, рисовальщик и литограф, действительный член Берлинской Академии искусств (с 1825), почётный вольный общник Императорской Академии художеств (с 1831). Один из наиболее популярных портретистов стиля бидермайер, известный работами для русского императорского и прусского королевского дворов, также получивший признание в качестве художника-анималиста.

+3

90

25 февраля - день рождение основателя импрессионизма Огюста Ренуара (1841 - 1919)
https://i.imgur.com/IZJJinRm.jpg
Французский художник Пьер Огюст Ренуар
(1941-1919)

Он вошел в историю мировой живописи не только как основатель импрессионизма, но и певец гармонии мира, наполненного солнечным светом, буйством природы, улыбками женщин, ощущением ценности жизни. Его картины проникнуты радостью бытия, ощущением счастья.
https://i.imgur.com/1ZoktFSm.jpg
Зонтики 1881/1886
Ренуар. Зонтики

Картина «Зонтики» представляет собой
выхваченный как бы случайным образом «снимок»
оживлённой парижской улицы..

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/01RRUcv.jpg

«Зонтики» были встречены публикой восторженно. После ряда выставок картину приобрёл коллекционер Поль Дюран-Рюэль (в 1892 году). Позже он продал её ирландскому искусствоведу Хью Лейну, основателю Дублинской художественной галереи.

В 1915 году Лейн погиб. Картина «Зонтики» по завещанию была передана в Британскую галерею Тейт. Существовало и написанное незадолго до гибели дополнительное завещательное распоряжение Лейна, но оно было не завершено с юридической точки зрения. Согласно дополнению, произведение Ренуара в числе прочих должно было стать собственностью галереи Дублина.

В 1935 году по решению специалистов картина Ренуара «Зонтики» стала экспонатом Лондонской Национальной галереи.
https://i.imgur.com/UWi3I7Rm.jpg
Деталь картины

+2

91

https://i.imgur.com/azAEs5Hm.jpg
Винсент ван Гог
Подсолнухи. 1888
Tournesols
Холст, масло. 92 × 73 см
Лондонская Национальная галерея, Лондон

14 октября 2022 года две эко-активистки совершили акт вандализма в Лондонской национальной галерее, облив «Подсолнухи» Ван Гога консервированным томатным супом Heinz. После этого они приклеили ладони к стене, заявив: «Что вас больше волнует: защита картины или защита нашей планеты и людей?». Инцидент произошёл на 14-й день акций протеста движения Just Stop Oil («Просто остановите нефть»), направленных на остановку новых нефтегазовых проектов в Великобритании. Картина не пострадала, так как была закрыта антивандальным стеклом.

+2

92

История, связанная с одной картиной

https://i.imgur.com/LPbfG0km.jpg
«Мальчик с вишнями». Эдуард Мане
Полотно написано в 1858 году.

Эдуард Мане — это великий французский художник. Также он занимался гравировкой, был одним из основателей импрессионизма. В начале становления своей творческой карьеры Мане начал работать вместе с весьма известным на то время Кутюр. В его мастерской он проводил много времени, но его не устраивала живопись того времени. В помещении, где работал художник, был подмастерье Александр. Мальчик 15 лет, убирал мастерскую и делал мелкие дела.

У Мане завязалась дружба с парнишкой. Он стал изображать его на своих полотнах. Живость и энергия мальчишки вдохновляли его. Мане писал с натуры, также создавал наброски для дальнейшей работы. На картине «Мальчик с вишнями» изображен именно тот мальчишка — подмастерье. Его игривый взгляд смотрит на зрителя. Лицо высвечено солнечным светом. Мане был великим мастером написания портретов. Но с виду спокойная и красивая работа имеет трагичную историю.

Однажды, придя в мастерскую, Мане не нашел Александра. Он начал его искать и обнаружил, как тот повесился в соседней комнате. Тело уже было холодное, а тонкая веревка сильно врезалась в шею. Это стало шоком для художника на всю жизнь. Также эта история послужила темой для рассказа Бодлера «Веревка».

Мане долго не мог оправиться от увиденного, он искал себе новую мастерскую для работы. Но везде его преследовал образ Александра, некогда ставший вдохновением для его портретов. Мане обошел много адресов, где можно было снять помещение. Однажды он нашел подходящее место, но увидев гвоздь в стене, выбежал вон. Ему везде чудилась виселица. Как мог, этот веселый, шаловливый мальчишка так поступить с ним. Безусловно, этот сюжет вошел в историю мирового искусства. Картина находится во Франции.

+3

93

https://i.imgur.com/wngKoWcm.jpg
Эдуард Мане.
Портрет Антонена Пруста. 1877-1880

Идею вернуться к традиционному аллегорическому сюжету художнику подал его приятель, журналист и искусствовед Антонен Пруст. Это он сказал однажды, что Мане стоило бы написать цикл картин, где бы были представлены современные идеалы женщины, моды и красоты. Мане ухватился за эту мысль и решил, что четыре времени года должны представлять самые шикарные из его знакомых парижанок, наряженные в самые изысканные и модные сезонные наряды. Судя по всему, Пруст поддержал друга и авансом оплатил соответствующий заказ.

Отредактировано НЕСТОР (11.05.23 16:58:21)

+3

94

https://ic.pics.livejournal.com/neznakomka_18/73093350/3159193/3159193_800.jpg
Василий Максимович Максимов (1844, деревня Лопино, близ Старой Ладоги — 1911, Санкт-Петербург) — русский художник, передвижник, живописец-жанрист.

«Всё в прошлом» — картина, оконченная в 1889 году. Принадлежит Государственной Третьяковской галерее.
https://i.imgur.com/KL09c8Am.jpg
На картине изображены две пожилые женщины — барыня и её служанка, сидящие в весенний солнечный день у порога флигеля. На заднем плане видно основное здание усадьбы, находящееся в запущенном состоянии, с заколоченными окнами.

Идея о создании картины появилась у художника в 1866 году, когда он жил в деревне Шубино Тверской губернии. В 1880-х годах он написал ряд этюдов и эскизов для будущего полотна. Над самой же картиной Максимов работал в 1888—1889 годах в расположенной на берегу реки Волхов усадьбе Любша.

Работа над картиной была закончена в начале 1889 года. В том же году картина была приобретена у автора Павлом Третьяковым.
Полотно экспонировалось на 17-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок («передвижников»), открывшейся в феврале 1889 года в Санкт-Петербурге. Картина Максимова «имела исключительный успех»: критик Владимир Стасов писал, что «это тема, чудесно взятая и чудесно переданная», а художник Василий Поленов отмечал "изумительно правдивые и живые» фигуры барыни и служанки".

После написания картины «Всё в прошлом» у Максимова более не было произведений такого уровня. Чтобы заработать на жизнь себе и своей семье, он многократно повторял эту картину, которая пользовалась популярностью у покупателей, — всего было написано более 40 авторских повторений.

Обсуждая причины, по которым авторские варианты картины «Всё в прошлом» были более популярны, чем повторения других картин Максимова, искусствовед Алексей Леонов писал, что «объяснялось это, видимо, её поэтически рассказанной темой, встречавшей отзвук в душе каждого зрителя и будившей у многих воспоминания о прошлом, о своей молодости, о прожитой жизни».

Отмечая большое мастерство, с которым в картине «Всё в прошлом» раскрыта тема распада «дворянских гнёзд», искусствовед Александр Замошкин писал, что после создания этого произведения Максимов «по праву занял место в первом ряду новеллистов русской живописи девяностых годов».

В письме к Павлу Третьякову от 14 января 1889 года Максимов употреблял для своей новой картины название «Забытая усадьба» — он писал: «С радостью жду посещения моей утлой мастерской собратьями по кисти, что-то скажут о моей „Забытой усадьбе“?» Но три месяца спустя, в письме к Третьякову от 8 апреля 1889 года, Максимов уже использовал название «Всё в прошлом», которое так и закрепилось за этой картиной.

На переднем плане изображены две пожилые женщины — барыня и её служанка-наперсница. Они расположились у порога флигеля, а основное здание усадьбы находится на заднем плане — в запущенном состоянии, с заколоченными окнами. Вокруг него — засохшие деревья, а там, где когда-то были разбиты клумбы, лежат кучи сушняка. У флигеля распустился куст сирени, в тени которого и сидят в этот весенний солнечный день барыня и служанка.

Тема, выбранная художником, перекликается с мотивами полотен Ивана Крамского «Осмотр старого дома» и Василия Поленова «Бабушкин сад», а также написанной в 1903 году пьесы Антона Чехова «Вишнёвый сад». Срубленное старое дерево и чахлая молодая поросль «воспринимаются как своеобразная метафора, напоминающая о вымирании „дворянских гнёзд“».

https://ic.pics.livejournal.com/neznakomka_18/73093350/3159317/3159317_800.jpg
Барыня сидит в мягком кресле с задумчивым видом, с полузакрытыми глазами. В её вальяжной позе видна благородная стать, сохранившаяся несмотря на её преклонный возраст. На голове у неё белоснежный чепец, на руках — золотые перстни, на ногах — мягкие домашние туфли. Она одета в платье с нарядным бантом и бархатную тальму, отделанную мехом. В опущенной руке она держит лорнет. Под её ноги подложена подушка, рядом с которой примостился спаниель, тоже старый, собачья жизнь которого тоже в прошлом.
https://i.imgur.com/ftKi60Xm.jpg
По-видимому, она вспоминает что-то из своей прошлой жизни, при этом «она полна сознания своего былого достоинства» — «перед нами барыня, когда-то властная и жестокая». Для её образа Максимову позировала его невестка Варвара — жена его брата Алексея.
https://ic.pics.livejournal.com/neznakomka_18/73093350/3158893/3158893_800.jpg
Служанка расположилась на приступке. Художник изобразил её как простую деревенскую старушку-крестьянку. Она одета в пёструю юбку и кофту, поверх которой повязан тёмный фартук. На её голове — атласный платочек. Она и сейчас не перестаёт трудиться — сосредоточенно вяжет чулок, глубоко задумавшись и предавшись воспоминаниям. По всей видимости, одинокая женщина добровольно осталась доживать свой век рядом со своей госпожой.

По словам искусствоведа Маргариты Чижмак, «словно неслучившимся женским счастьем — „обручальным кольцом“ — перекинута через её безымянный палец шерстяная нитка недовязанного чулка белого цвета, символизирующего непорочность».
https://i.imgur.com/LnMvGMHm.jpg
Между барыней и служанкой находится накрытый расшитой скатертью столик, на котором стоит дорогая фарфоровая посуда, оставшаяся от былых времён. Рядом со служанкой находится старомодный медный самовар, на конфорке которого подогревается кофейник.

Художник искусно показывает контраст между двумя женщинами, которые принадлежат к различным социальным типам, представляющим разные классы старой деревни. В частности, этот контраст подчёркивается чашками, из которых они пьют чай, — изящная фарфоровая чашка с позолотой у барыни и массивная кружка у служанки, которая стоит на ступеньке рядом с ней. По-видимому, она не смеет поставить чашку на тот столик, которым пользуется барыня.

Значительную роль в композиции полотна играет пейзаж. По мнению искусствоведа Алексея Леонова, картина «Всё в прошлом» свидетельствует о том, каких успехов достиг художник в пейзажной живописи: «Как просветлела палитра, как насытилась она свето-воздушными тональностями, как хорошо написана сирень в тени и как залит солнцем старый, забитый барский дом!»

Искусствовед Маргарита Чижмак писала, что картина «Всё в прошлом» занимает исключительное место в творческом наследии Максимова и по праву считается «одним из самых задушевных произведений в ряду полотен „передвижников“». По словам Чижмак, за время, прошедшее с момента написания картины, она не потеряла своего обаяния и «предстаёт в залах Третьяковской галереи дивной „повестью“ о помещичьей России с её героями, укладом жизни и нравами».

-------------------------

https://i.imgur.com/0ZyZGNom.jpg
После написания картины «Всё в прошлом» у Максимова более не было произведений такого уровня, которые получили бы в отзывах общественности столь ошеломительный успех. Например, критик Владимир Стасов в 1889 году в статье «Наши передвижники нынче» дал очень высокую оценку картине. По его мнению, это полотно «представляет крупную единицу в истории его [Максимова] деятельности», и оно стало самым значительным достижением художника».

+3

95

Пьер Огюст Ренуар - Портрет Альфреда Сислея с женой
https://i.imgur.com/SekDtczm.jpg
Оригинальное название: Portrait d'Alfred Sisley et de sa femme
Год создания: около 1868Месторасположение: Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн
Характеристики: холст, масло. 105 x 75 см

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/SekDtcz.jpg

Долгое время считалось, что Ренуар изобразил на картине своего друга и художника Альфреда Сислея вместе с его женой Мари Лекуэзек, остановившихся, чтобы обменяться любящими взглядами во время прогулки по парку. Однако, после тщательных исследований никакого сходства между женщиной на портрете и настоящей Мари найти не удалось. Вероятно, Ренуару было важно показать взаимоотношения между двумя людьми, выражающиеся в их ласковых движениях. Девушка одета в дорогое шелковое платье в красную и золотую полоски, доминирующее на картине. Фон оставлен вне фокуса, чтобы не отвлекать внимание от главного мотива картины - пары любящих друг друга людей. Мастерство Ренуара блестяще проявляется во всех аспектах этой постановочной композиции. Судя по тусклому освещению, не сравнимому с работой на открытом воздухе, картина была написана в мастерской художника. Безусловно, она является основным свидетельством первых дней импрессионизма, написанная за шесть лет до открытия знаменитой выставки импрессионистов в бывшей студии парижского фотографа Надара. Мимолетный момент движения пары, чувственное изображение платья с акцентом на цвет и фактуру ткани - все это передавало личное "впечатление" живописца от увиденной пары на прогулке. При этом в построении композиции и ощущении падающего света все еще прослеживаются крепкие традиции академической живописи.

+3

96

https://i.imgur.com/xe3ApA5m.jpg
Лодки в гавани Коллиура. Андре Дерен, 1905

Выразительность. Контраст
Разглядывая этот пейзаж, мы наблюдаем систему контрастов, когда цвет меняется в зависимости от того, с каким цветом он соседствует: желтый кажется ярче с синим, чем с красным. Садится золотое солнце, наискось пересекая картину; холодная зелень моря составляет контраст с красным берегом. Отблеск солнца на боках шлюпок передан насыщенным желтым цветом. Тень лодки на переднем плане обозначена контрастным синим и зеленым, дополнительными к цвету пляжа. Сидящую боком фигуру справа, Дерен оттенил темно-синей чертой. В 1905 году друг Андре Дерена Анри Матисс, который к тому времени еже лет шесть использовал более насыщенную палитру, пригласил Дерена провести лето во французском местечке Коллиур на Средиземном море. Дерена пленила игра света на побережье, и в «Лодках в гавани Коллиура» он делится тем, что увидел и почувствовал. Дерен смело, без полутонов изобразил пляж красным, чтобы передать ощущение жары и палящего солнечного света, проигнорировав реальный цвет желтого песка. Какого цвета были рыбацкие лодки, неизвестно, так как Дерен использовал цвет, чтобы донести субъективное восприятие реальности.

+3

97

Илья Репин. Картина «Парижское кафе»

https://tehread.ru/wp-content/uploads/2014/06/razdelitel.jpg

Когда Петербургская Академия художеств отправила Илью Ефимовича Репина на обучение в Италию и Францию, никто не мог предположить, что эта затея обернется скандалом в русском обществе. Камнем преткновения стала картина «Парижское кафе», которая увидела свет в 1875 году. Чем она возмутила живописцев XIX века и чем привлекает современных коллекционеров, узнаете из этой статьи.

Вызов принятым канонам

В Париж Илья Репин приехал в 1873 году вместе с семьей. Ни город, ни люди, ни местная жизнь художнику не нравились, хотя через пару месяцев пребывания здесь неприятные впечатления о французской столице стали стираться из памяти. Вскоре Репин нашел себе мастерскую, по-другому взглянул на европейскую культуру и стал работать над «Парижским кафе».
https://i.imgur.com/ly01MZkm.jpg

Когда картина была готова, Илья Репин выставил ее на Парижской выставке. Подобное поведение было нонсенсом для общества русских художников. Участвовать в выставке живописцу, который выехал за границу, было запрещено. Нетрудно догадаться, как были возмущены соотечественники великого живописца.

Возмутительным было не только участие в выставке. Содержание картины также подверглось критике. Репину ставили в упрек отсутствие национальной темы. Художник, который написал эмоциональную картину «Бурлаки на Волге», вдруг демонстрирует богемную жизнь парижского общества, вызвал непонимание со стороны коллег и тех, кто интересовался живописью.

=Spoiler написал(а):

https://www.vinterier.ru/images/parizhskoe-kafe5.jpg

Как писалась картина

На создание «Парижского кафе» у Репина ушел год. Изначально, приехав в Париж, он хотел писать полотно «Садко». Но богемная жизнь французов, знакомство с творчеством Мане и других импрессионистов вдохновили живописца на совершенно другую работу.

https://i.imgur.com/lQFwIzgm.jpg

Особенность «Парижского кафе» заключается в том, что она писалась с натуры. Репин нанимал моделей и с упоением создавал этюды с их участием. Правда, это было слишком дорогим удовольствием. Великий художник в письмах Третьякову постоянно жаловался на нехватку денег. Ему нередко приходилось выжидать момент, когда появятся средства и он сможет нанять очередную модель.

Репину позировали певица Анна Жюдик, художник Жан-Леон Жером, поэт Катюль Мендес и другие именитые люди Парижа. Разнообразие лиц придало картине историческую ценность — почти в каждой фигуре угадывается человек, который был хорошо известен французской богеме. За все время к «Кафе» было написано 12 этюдов, большая часть которых осталась за границей.
https://i.imgur.com/MZqq2mGm.jpg

В 1875 году Репин выставил картину в Салоне. Но среди сотен других работ, полотно осталось не замеченным. У художника не было связей, благодаря которым его труд удостоился бы почетного места, а не затерялся под потолком, где сложно что-либо разглядеть. Через несколько дней «Парижское кафе» заинтересовало одного американца. Но сделка не состоялась, потому что художник запросил большую сумму.

Забрав полотно с выставки, Репин вносил в него изменения. Поверх главной дамы с зонтиком, которая выделялась гордым взглядом, он написал другую женщину, чей облик лишен гордости и чувства превосходства.

Почти 40 лет «Парижское кафе» пылилось в мастерской автора, заставленное другими его работами. В 1916 году его согласился купить Монсон, коллекционер из Швеции. Так картина оказалась в частных руках, и до 2011 года ее никто не видел. Именно в этом году ее выставили на продажу. В результате торгов «Парижское кафе» Ильи Репина стало одним из самых дорогих произведений живописи среди русских художников. За нее отдали более 7 млн долларов.

О чем картина

Эта картина метко и четко передает атмосферу ночной жизни Парижа того времени. Сюжет лишен символизма и деталей со скрытым смыслом. Вся сцена правдива и точна, словно вырванный из киноленты кадр.

Первый план открывает образ женщины с зонтиком. Она сидит за столиком одна, привлекая к себе внимание. На нее недвусмысленно смотрит мужчина за соседним столом. Смелость героини сюжета появиться в обществе без сопровождения мужчины заставляет обернуться еще одного посетителя кафе. Его мы видим справа. Он идет под руку с зевающим знакомым и бросает на кокетку удивленный взгляд.

https://i.imgur.com/L8x06rLm.jpg
Задний план открывает вид на завсегдатаев кафе, которые заняты своими делами. Среди них мы видим людей разных возрастов и настроений. Понаблюдав за ними, начинаешь понимать нравы парижского общества, которые правили балом больше века назад.
https://i.imgur.com/wxCYkKwm.jpg

Парижское кафе» — достойный пример живописи, рассматривать которую можно часами, любуясь каждым штрихом и деталью.

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/ly01MZk.jpg

+3

98

https://i.imgur.com/bQhr5dNm.jpg
Казимир Северинович Малевич (1878 — 1935) —
художник, прославленный в жанре авангардизма, импрессионизма,
футуризма, кубизма, основатель суперматизма.

♦ 21.06.1915 - в дачном посёлке Кунцеве (ныне территория Москвы) Казимир Малевич написал картину «Чёрный квадрат» - «икону» мирового авангарда.

С одной стороны, совсем необязательно быть великим художником, чтобы нарисовать черный квадрат на белом фоне. Да любой так сможет! Но вот в чем загадка: «Черный квадрат» — самая знаменитая картина в мире. Уже почти 100 лет прошло с момента ее написания, а споры и бурные дискуссии не прекращаются.
Почему это происходит? В чем заключается истинный смысл и ценность «Черного квадрата» Малевича?

«Черный квадрат» — это темный прямоугольник

Начнем с того, что «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

https://i.imgur.com/Nc8iHVym.jpg
Казимир Малевич «Черный супрематический квадрат», 1915

«Черный квадрат» — это неудавшаяся картина

Для футуристической выставки «0,10», открывавшейся в Петербурге 19 декабря 1915 года, Малевич должен был написать несколько картин. Время уже поджимало, и художник то ли не успевал дописать картину к выставке, то ли не был доволен результатом и, сгоряча, замазал ее, нарисовав черный квадрат. В этот момент в мастерскую зашел один из его друзей и, увидев картину, закричал «Гениально!». После чего Малевич и решил воспользоваться случаем и придумал некий высший смысл своему «Черному квадрату».
Отсюда и эффект растрескавшейся краски на поверхности. Никакой мистики, просто картина не получилась.
Неоднократно совершались попытки исследовать полотно на предмет нахождения изначального варианта под верхним слоем. Однако ученые, критики и искусствоведы посчитали, что шедевру может быть нанесен непоправимый ущерб и всячески препятствуют дальнейшим экспертизам.

«Черный квадрат» — это разноцветный куб

Казимир Малевич неоднократно заявлял, что картина создана им под воздействием бессознательного, некоего «космического сознания». Некоторые утверждают, что исключительно квадрат в «Черном квадрате» видят люди со слаборазвитым воображением. Если же при рассмотрении этой картины выйти за рамки традиционного восприятия, выйти за пределы видимого, то вы поймете, что перед вами не черный квадрат, а разноцветный куб.

Тайный смысл, вложенный в «Чёрный квадрат», можно тогда сформулировать так: мир, окружающий нас, только на первый, поверхностный, взгляд выглядит плоским и черно-белым. Если человек будет воспринимать мир объемно и во всем разноцветии, его жизнь кардинально изменится. Миллионы людей, которых по их словам инстинктивно притягивало к этой картине, подсознательно чувствовали объемность и разноцветность «Черного квадрата».

Черный цвет поглощает все другие цвета, поэтому увидеть в черном квадрате разноцветный куб достаточно сложно. А увидеть за черным белое, за ложью правду, за смертью жизнь сложней многократно. Но тому, кому удастся это сделать, откроется великая философская формула.

«Черный квадрат» — это бунт в искусстве

На момент появления картины в России было засилье художников кубистской школы. Кубизм достиг своего апогея, уже порядком поднадоел всем художникам, и начали появляться новые художественные направления. Одним из таких направлений стал супрематизм Малевича и «Черный супрематический квадрат» как его яркое воплощение. Термин «супрематизм» произошел от латинского suprem, что означает доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. Супрематические картины — это беспредметная живопись, акт «чистого творчества».

Одновременно были созданы и экспонировались на той же выставке «Черный круг» и «Черный крест», представляя три основных элемента супрематической системы. Позднее были созданы еще два супрематических квадрата — красный и белый.

https://i.imgur.com/WmEUx2Tm.jpg
«Черный квадрат», «Черный круг» и «Черный крест»
Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. Его влияние испытали многие талантливые художники. Поговаривают, что Пикассо охладел к кубизму после того, как увидел «квадрат Малевича».
«Черный квадрат» — это пример гениального пиара
Казимир Малевич раскусил суть будущего современного искусства: неважно что, главное как подать и продать.
Художники экспериментировали с черным цветом «сплошь», начиная аж с XVII века. Первым наглухо черное произведение искусства под название«Великая тьма» написал Роберт Фладд в 1617 году, за ним в 1843 году последовали Берталь и его работа «Вид на La Hougue (под покровом ночи)». Спустя более чем двести лет. А дальше уже практически без перерывов — «Сумеречная история России» Гюстава Доре в 1854, «Ночная драка негров в подвале» Пола Билхолда в 1882, совсем уж плагиат «Битва негров в пещере глубокой ночью» за авторством Альфонса Алле. И только в 1915 году Казимир Малевич представил публике свой «Черный супрематический квадрат». И именно его картина известна всем, тогда как прочие знакомы только историкам искусств. Экстравагантная выходка прославила Малевича в веках.
Впоследствии Малевич нарисовал как минимум четыре версии своего «Черного квадрата», различающиеся рисунком, фактурой и цветом в надежде повторить и преумножить успех картины.

«Черный квадрат» — это политический ход

Казимир Малевич был тонким стратегом и умело подстроился под меняющуюся ситуацию в стране. Многочисленные черные квадраты, нарисованные другими художниками во времена царской России, так и остались незамеченными. В 1915 году квадрат Малевича приобрел совершенно новый актуальный своему времени смысл: художник предлагал революционное искусство на благо нового народа и новой эпохи.

«Квадрат» к искусству в его обычном понимании не имеет почти никакого отношения. Сам факт его написания — это декларация конца традиционного искусства. Большевик от культуры, Малевич пошел навстречу новой власти, и власть ему поверила. До прихода Сталина Малевич занимал почетные должности и успешно дослужился до народного комиссара ИЗО НАРКОМПРОСА.
«Черный квадрат» — это отказ от содержания

Картина знаменовала собой явный переход к осознанию роли формализма в изобразительном искусстве. Формализм — это отказ от буквального содержания в угоду художественной форме. Художник, рисуя картину, мыслит не столько понятиями «контекст» и «содержание», сколько «баланс», «перспектива», «динамическое напряжение». То, что признал Малевич и не признали его современники, является де-факто для современных художников и «просто квадратом» для всех остальных.

«Черный квадрат» — это вызов православию

Картина была впервые представлена на футуристической выставке «0,10» в декабре 1915г. вместе с другими 39 работами Малевича. «Черный квадрат» висел на самом видном месте, в так называемом «красном углу», где в русских домах согласно правосланым традициям вешали иконы. Там на него и «наткнулись» критики-искусствоведы. Многие восприняла картину, как вызов православию и антихристианский жест. Крупнейший художественный критик того времени Александр Бенуа писал: «Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы ставят взамен мадонны».

https://i.imgur.com/VCmUWY2m.jpg
Выставка «0,10». Петербург. Декабрь 1915

«Черный квадрат» — это кризис идей в искусстве

Малевича называют чуть ли не гуру современно искусства и обвиняют в гибели традиционной культуры. Сегодня любой смельчак может назвать себя художником и заявить, что его «произведения» обладают высочайшей художественной ценностью.
Искусство изжило себя и многие критики сходятся во мнении, что после «Черного квадрата» ничего выдающегося уже создано не было. Большинство художников ХХ века утратили вдохновение, многие находились в тюрьмах, ссылках или эмиграции.
«Черный квадрат» — это тотальная пустота, черная дыра, смерть. Рассказывают, что Малевич, написав «Черный квадрат», долгое время говорил всем, что не может ни есть, ни спать. И сам не понимает, что такое сделал. Впоследствии он написал 5 томов философских размышлений на тему искусства и бытия.

«Черный квадрат» — это шарлатанство

Шарлатаны успешно дурят публику, заставляя поверить в то, чего на самом деле нет. Тех, кто им не верит, они объявляют глупыми, отсталыми и ничего не понимающими тупицами, которым недоступно высокое и прекрасное. Это называется «эффект голого короля». Всем стыдно сказать, что это фигня, потому что засмеют.

А максимально примитивному рисунку — квадрату — можно приписывать какой угодно глубокий смысл, простор для человеческой фантазии просто безграничен. Не понимая, в чем великий смысл «Черного квадрата», многим людям нужно его себе придумать, чтобы было чем восхищаться при рассматривании картины.

Картина, написанная Малевичем в 1915 году, остается, пожалуй, самой обсуждаемой картиной в русской живописи. Для кого-то «Черный квадрат» — это прямоугольная трапеция, а для кого-то — это глубокое философское послание, которое зашифровал великий художник. Точно так же, глядя на кусочек неба в квадрате форточки, каждый думает о своем.

+3

99

https://i.imgur.com/FpE2191m.jpg
Портрет Александра Николаевича Островского, крупнейшего русского драматурга, исполнен Василием Григорьевичем Перовым по заказу П.М. Третьякова.

Эта картина стала одной из первых работ, составивших галерею портретов деятелей русской культуры. Среди многих замечательных портретов Перова конца шестидесятых — начала семидесятых годов девятнадцатого века образ Островского выделяется особой пластической убедительностью, яркостью и точностью исполнения, живописным новаторством. Они традиционны по композиции и очень сдержанны по цвету. При этом художник стремился как можно точнее передать и внешний облик, и особенности личности героя. Портрет слегка напоминает жанровое полотно. Островский изображён в домашней одежде; он внимательно смотрит на зрителя и, кажется, сейчас вступит в разговор.

https://i.imgur.com/4fyHo9am.jpg

Когда Василий Григорьевич Перов писал портрет Островского, он, возможно, не желал ничего более, чем изобразить писателя таким, каким видел его. Но талант психолога и стремление к неподслащённой правде сделали этот портрет чем-то куда более значительным. Художник не льстит Островскому ни в чём. Он не скрывает от зрителя некоторую грузность фигуры, не причёсывает, не заставляет принять «величественную» позу, не наряжает в дорогие одежды, не пишет фона с колоннами, драпировками или романтическим ландшафтом. Он берёт Островского таким, какой он есть – в будничном халате-тулупчике, подбитом беличьим мехом, лысоватого, с неподстриженной рыжеватой бородкой, - и открывает вдруг зрителю «лицо, полное мудрого внимания к жизни, со светящимся взглядом добрых, сочувственных, всё понимающих светлых глаз», - писал в книге «Лицо времени» искусствовед Леонид Волынский. Кажется на кого-кого, а уж на рыцаря этот человек вовсе не похож! А ведь именно так – «рыцарь театра» – называли современники Александра Николаевича ещё при жизни…

=Spoiler написал(а):

https://www.ikleiner.ru/pic/perov-26.jpg

Холст, масло. 103,5 х 80,7.
Слева внизу подпись: В.Перовъ 1871.

Исполнен по заказу П.М.Третьякова

+1

100

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/oa3F8bf.jpg

Ниагарский водопад» — одна из самых ярких «зарубежных» картин Айвазовского.
Несколько занимательных фактов о произведении:

Путешествие в Северную Америку, которое уже пожилой живописец совершил в 1892 г., чтобы осмотреть Ниагарский водопад, оказалось самым дальним в жизни художника.

Эта картина не была покрыта лаком после окончания работы, поэтому живописный слой на ней оказался таким тонким, что проступили очертания холста.

Перед созданием полотна «Ниагарский водопад» Айвазовский сделал в своем альбоме 23 зарисовки с натуры.
Кроме оригинального холста, незадолго до своей смерти художник сделал полномасштабную реплику с той же композицией, размером в 126×164 см. Сейчас эта версия картины «Ниагарский водопад» находится в художественной галерее города Феодосии.

0