Айвазовский. «Ниагарский водопад»

Картина «Ниагарский водопад» была написана в 1893 г. За год до этого Айвазовский посетил Североамериканский континент. Предпринятая им поездка на теплоходе совпала с празднованием 400-летия открытия материка. Основной целью вояжа Айвазовский назвал изучение Атлантического океана, однако одним из важнейших поводов для путешествия являлось желание мариниста увидеть собственными глазами Ниагарский водопад. На месте Айвазовский сделал несколько фотографий и набросков на бумаге для будущей картины. Само полотно, по обыкновению прославленного мариниста, было создано уже по возвращению в Феодосию, в мастерской живописца.

Композиция написана масляными красками на холсте. Размер полотна «Ниагарский водопад» небольшой в сравнении с более известными произведениями прославленного мариниста — 35×52. На сегодняшний день работа хранится в Армении, в Национальной картинной галерее (город Ереван).

Композиция и цветовая палитра картины
Жанрово «Ниагарский водопад относится к романтическому пейзажу. Картина несет в себе характерные признаки позднего Айвазовского – некоторую размытость, отказ от четкой прорисовки и ярких контрастов. Композиция произведения проста – на полотне изображен только сам Ниагарский водопад, небольшой участок порога, густо заросший деревьями, едва виднеющаяся группа людей, маленькое судно – и все это на фоне нахмуренного, дождевого неба. Мощные потоки воды Айвазовский изобразил стремительно сбегающими по порогу, поднимающими клубы белой пены и дыма.

На дальнем плане картина «Ниагарский водопад» отражает темнеющую вдалеке полосу лесов. Людей на полотне Айвазовский показал крошечными черными силуэтами, ничтожными по сравнению с величественной красотой и мощью, которые воплощает в композиции Ниагарский водопад. В цветовой палитре картины преобладают оттенки сине-голубой гаммы. Автор использовал для полотна «Ниагарский водопад» следующие цвета:

Темно-синий.
Кипельно-белый.
Бледно-голубой.
Чернильно-фиолетовый.
Темно-зеленый.
Черный.
Светло-серый.

Самым ярким акцентом в композиции автор сделал деревья в середине картины и ярко-синие волны в нижнем правом углу холста.

Анри Матисс (1869 - 1954), известный французский художник, считающийся гениальным, изобразил лодку под парусом и то отражение, которое можно увидеть в воде. Рисунок на первый взгляд простой, похож на детский рисунок, но сначала никто не мог понять, что на нём изображено. Дошло до курьезного случая.

17 октября 1961 года в Нью-йоркском Музее современного искусства была выставлена картина Анри Матисса «Лодка» (Le Bateau). Прошло больше месяца, прежде чем 3 декабря одна посетительница выставки обратила внимание на то, что картина висит вверх ногами.

Слева - картина висит правильно, справа - вверх ногами.
Как видите, картина абсолютно симметрична лишь на первый взгляд.

Работа гениальна своей простотой. Это творение способно разбудить фантазию и воображение. Зрителю приходится думать о том, что хотел сказать автор этой картиной.

До сих пор ведутся постоянные споры о том, что сокрыто в этом шедевре. Шедевр ли это или обычный рисунок? Насколько глубоко восприятие живописцем мира?

Если бы творение не было гениальным по своей сути, то вряд ли о нем столько бы говорили на протяжении столь долгого времени. Неслучайно работу художника ставят в один ряд со знаменитым "Черным квадратом" Малевича.

Но мы не об этом, а о том, какие бывают курьёзы….

Пожалуй, самая знаменитая и самая жизнеутверждающая картина с изображением февральского дня – это пейзаж «Февральская лазурь» Игоря Эммануиловича Грабаря (1871-1960). Про историю создания этой удивительной лучезарной работы я рассказывала год назад /Ссылку на статью, как обычно, оставлю в конце публикации/. Напомню лишь, что художник писал картину не просто на пленэре, а в специально вырытой глубокой траншее в имении своих друзей.

Игорь Грабарь. Февральская лазурь. 1904.
Холст, масло. 141 х 83. Государственная Третьяковская галерея

И предлагаю просто полюбоваться тем, как художнику удалось передать радость солнечного зимнего дня и чувство приближающейся весны.

Интересно, что этот пейзаж написан на пленэре, а точнее -  в специально вырытой глубокой траншее, в которой художник работал 2 недели на свежем воздухе. Таким способом он сумел создать эффект устремленности березы к небу и подчеркнул её высоту.

«Когда я взглянул на верхушку березы снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося передо мной зрелища фантастической красоты: какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединенных голубой эмалью неба» - писал Игорь Грабарь о своем вдохновении.

Она написана после прогулки Игоря Грабаря по зимнему лесу Подмосковья. Создаётся впечатление, что художник рисовал её снизу, расположившись на снегу. Любуясь берёзами в роще, художник случайно уронил сумку, наклонился её поднять и взглянул снизу вверх. То, что открылось его взору, он изобразил дома на холсте.

У каждого художника-пейзажиста есть излюбленная пора года, которую он чувствует каждой фиброй своей души, и которую, пропуская через себя, воссоздает на холсте с большой любовью и трепетом. Такой порой для Игоря Грабаря (1871-1960), известного  импрессиониста советского периода была снежная русская зима. Особенно живописца вдохновлял иней, который он писал «на все лады»: ранним утром  и вечером, в солнечную и в пасмурную погоду. Мастер создал более сотни этюдов, посвященных этому явлению природы, которые за несколько лет составили сюиту картин «День инея». По словам самого Игоря Эммануиловича, именно иней пробуждал в нем непреодолимое желание писать зимние пейзажи, невзирая даже на то, что в крепкие морозы масляные краски буквально примерзали к кисточке.

Зимние пейзажи русского импрессиониста Игоря Грабаря

Искрящийся на солнце иней так переливался фантастическими оттенками, что заставлял художника жалеть об отсутствии в его палитре нужных красок. А ему их так иногда не хватало, чтобы воплотить неземную красоту на своих холстах.

И что интересно, когда таял снег и деревья теряли свое зимнее убранство, Игорь Эммануилович прекращал работу над пейзажами и переходил к натюрмортам, честно признавая, что ни весенний, ни летний, даже осенний пейзажи, не вызывают в нем никакого живописного задора и вдохновения. Живописец свои произведения практически всегда писал с натуры, находясь под восторженным впечатлением от природы и ее завораживающих явлений.  Под таким впечатлением когда-то была создана удивительная работа мастера — «Февральская лазурь», а именно почти 115 лет тому назад. Как раз в те дни художник был в гостях у хороших знакомых в Подмосковье.

« Февральская лазурь».(1904 год). Холст, масло. ( Размеры полотна: 141 х 83). Государственная Третьяковская галерея. Москва

И однажды утром, прогуливаясь мимо берез, растущих у обочины, мастер пришел в неописуемый восторг. Игоря Эммануиловича необычайно глубоко тронуло то, что неожиданно открылось его взору.

«Я стоял около дивного экземпляра березы, редкостного по ритмическому строению ветвей. Заглядевшись на нее, я уронил палку и нагнулся, чтобы ее поднять. Когда я взглянул на верхушку березы снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося передо мной зрелища фантастической красоты: какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединенные голубой эмалью неба. Природа как будто праздновала какой-то небывалый праздник лазоревого неба, жемчужных берез, коралловых веток и сапфировых теней на сиреневом снегу».  Это удивительное зрелище так потрясло живописца, что он мгновенно загорелся желанием запечатлеть «хоть десятую долю этой красоты».
Не медля ни минуты, воодушевленный художник быстро сходил за своими художественными принадлежностями, а вернувшись, в один сеанс создал небольшой этюд будущего произведения. На следующий день Игорь Эммануилович вновь вернулся на то же место, только уже с холстом на большом подрамнике и начал писать свою потрясающую «Февральскую лазурь».  Но перед этим художнику пришлось выкопать траншею в снегу, в которой он и разместил свой мольберт, дабы как можно ниже расположиться по отношению к березам и захватить как можно больше небесного пространства.

Импрессионистическая манера письма живописца, как нельзя лучше, передала лучезарное настроение и состояние природы в ожидании весеннего пробуждения. Художник, использовав лишь чистый цвет, сумел достигнуть максимальной лазурной насыщенности. А благодаря своей уникальной технике, в которой использовал мельчайшие густые мазки, показал и объемность стволов, и узорчатость ветвей, и неровности на снегу. А низкая точка зрения  по отношению к линии горизонта позволила решить и композиционные задачи, и превосходно запечатлеть переход небесного цвета – от светлых оттенков снизу до темного ультрамарина вверху. Эту потрясающую историю, спустя время, рассказал сам художник, прославившийся своими необыкновенными зимними пейзажами и уникальнейшей живописной техникой письма.

Автор Людмила Журавлева.

Эту картину знают почти все: её многочисленные копии висят в каждом десятом доме и офисе, её печатают на сувенирах, фотообоях и рисуют на одежде. А в Вене, на родине художника, и вовсе получают огромную прибыль, создавая культ «Поцелуя» для туристов. Чем же уникальна эта картина? И как она появилась на свет?

Великий художник по имени Густав Климт (Gustav Klimt) родился 14 июля 1862 года в предместье Вены. Его отец был гравером и ювелиром. Семья Климта имела средний достаток. Густав окончил Венское художественно-ремесленное училище при Австрийском музее искусства и промышленности. Его специализацией была архитектурная живопись. Ранние работы Климта состояли в основном из больших фресок для театров. В 1897 году он становится одним из основателей и президентом Венского сецессиона – сообщества художников-новаторов, в котором мирно уживались между собой натуралисты, реалисты и символисты.

Климт всегда и во всем был очень искренен. Он хотел рисовать то, что ему было интересно. Самой известной работой австрийца можно назвать картину «Поцелуй» (Der Kuß) (1907–1908), которая относится к «Золотому периоду» творчества художника. В это время он увлекался декоративным искусством, поэтому использовал в своих работах позолоту. На краю цветочной поляны, в золотой ауре, стоят, полностью погруженные друг в друга и отгороженные от всего мира, влюбленные. Из-за неопределенности места происходящего кажется, что изображенная на картине пара переходит в неподвластное времени и пространству космическое состояние, по ту сторону всех исторических и общественных стереотипов и катаклизмов.

История написания «Поцелуя» такова: однажды некий граф заказал Густаву Климту картину для своей возлюбленной. Для написания женского образа художник получил медальон, на котором во всем великолепии была представлена невеста графа. Заказчик поставил условие: он и девушка должны быть изображены на картине в страстном поцелуе. Климт выполнил его пожелание, граф остался доволен. Но его мучил один вопрос: почему на картине их уста не сомкнулись в страстном поцелуе? Густав объяснил это тем, что попробовал изобразить желание, настроение и атмосферу − те мотивы, которые в миг самого поцелуя бросают в бездну любовного наслаждения. Граф принял ответ... Картина так понравилась девушке, что через некоторое время заказчик уже уезжал со своей молодой женой в свадебное путешествие: увидев картину, она сразу согласилась выйти за него замуж.

Позже Климт раскрыл тайну «Поцелуя». Оказывается, что когда художник писал картину, то сам влюбился в девушку с медальона. Поэтому он изобразил томительное ожидание поцелуя вместо самого поцелуя. Это была маленькая месть из чувства ревности к графу.

Картина "Последний день Помпеи" (456,5 х 651 см) была написана Карлом Брюлловым (1799-1852) в Италии в течение трех лет с 1830 по 1833 годы.
В 1834 году она была выставлена в Риме. После этого, отправлена в Петербург через Францию, где была ещё раз показана зрителям в парижском Лувре. Владелец полотна Анатолий Демидов подарил этот шедевр императору Николаю I, который выставил его в Академии художеств "как руководство для начинающих живописцев". После открытия в 1898 году Русского музея, картина была одной из первых  перевезена в новое здание.

Подробности « Реставрация картины К.Брюллова "Последний день Помпеи": http://restoration.rusmuseum.ru/brullov111.htm