"КИНОДИВА" Кино, сериалы и мультфильмы. Всё обо всём!

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.



История одной картины

Сообщений 101 страница 111 из 111

1

История одной картины http://sh.uploads.ru/t/1ps0H.gif История одной картины

+3

101

https://i.imgur.com/r11vSzMm.jpg
Айвазовский. «Ниагарский водопад»

Картина «Ниагарский водопад» была написана в 1893 г. За год до этого Айвазовский посетил Североамериканский континент. Предпринятая им поездка на теплоходе совпала с празднованием 400-летия открытия материка. Основной целью вояжа Айвазовский назвал изучение Атлантического океана, однако одним из важнейших поводов для путешествия являлось желание мариниста увидеть собственными глазами Ниагарский водопад. На месте Айвазовский сделал несколько фотографий и набросков на бумаге для будущей картины. Само полотно, по обыкновению прославленного мариниста, было создано уже по возвращению в Феодосию, в мастерской живописца.

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/r11vSzM.jpg

Композиция написана масляными красками на холсте. Размер полотна «Ниагарский водопад» небольшой в сравнении с более известными произведениями прославленного мариниста — 35×52. На сегодняшний день работа хранится в Армении, в Национальной картинной галерее (город Ереван).

Композиция и цветовая палитра картины
Жанрово «Ниагарский водопад относится к романтическому пейзажу. Картина несет в себе характерные признаки позднего Айвазовского – некоторую размытость, отказ от четкой прорисовки и ярких контрастов. Композиция произведения проста – на полотне изображен только сам Ниагарский водопад, небольшой участок порога, густо заросший деревьями, едва виднеющаяся группа людей, маленькое судно – и все это на фоне нахмуренного, дождевого неба. Мощные потоки воды Айвазовский изобразил стремительно сбегающими по порогу, поднимающими клубы белой пены и дыма.

На дальнем плане картина «Ниагарский водопад» отражает темнеющую вдалеке полосу лесов. Людей на полотне Айвазовский показал крошечными черными силуэтами, ничтожными по сравнению с величественной красотой и мощью, которые воплощает в композиции Ниагарский водопад. В цветовой палитре картины преобладают оттенки сине-голубой гаммы. Автор использовал для полотна «Ниагарский водопад» следующие цвета:

Темно-синий.
Кипельно-белый.
Бледно-голубой.
Чернильно-фиолетовый.
Темно-зеленый.
Черный.
Светло-серый.

Самым ярким акцентом в композиции автор сделал деревья в середине картины и ярко-синие волны в нижнем правом углу холста.

+1

102

Портрет мальчика Иосифа Левина
https://i.imgur.com/hGI7rS5m.jpg
Художник Исаак Левитан, 1880

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/hGI7rS5.jpg

В 1993-м году, Третьяковская галерея приобрела еще один детский графический портрет  работы Левитана, сделанный, вероятно, ненамного позднее, чем портреты девочек из семьи Яковлевых, — в начале 1880-х годов, но демонстрирующий ощутимо возросший уровень мастерства молодого художника в передаче характера модели.

Левитановский «Мальчик Иосиф Левин», хотя об обстоятельствах создания его портрета известно мало, в сравнении с портретами девочек выглядит и выразительнее, и характернее: в чертах совсем еще детского лица определённо видны и ум, и воля, и цельность натуры. Под воротником матроски хорошо читается подпись: «И.Левитан».

Этот 6-летний мальчишка с пытливым взглядом еще при короткой жизни Левитана успеет сделаться знаменитостью: Иосиф Аркадьевич Левин станет выдающимся пианистом. В Московскую консерваторию, в силу необыкновенных способностей, его примут сразу в старший «профессорский» класс, по виртуозности игры Иосиф Левин станет первым на курсе, опередив своих однокашников Рахманинова и Скрябина. Позднее он уедет в Дрезден совершенствоваться под руководством Антона Рубинштейна, а в 1919-м году переберётся в Нью-Йорк, где и окончит свои дни, оставив плеяду благодарных учеников и учебник «Основные принципы фортепианной игры», считающейся классикой музыкально-педагогической литературы.

Американский музыкальный критик Гарольд Шонберг сравнивал игру Иосифа Левина, крупнейшего русско-американского пианиста-виртуоза первой половины ХХ века, с «согласным пением утренних звёзд».

Разглядел ли, если судить по портрету, Левитан-портретист в 6-летнем еврейском мальчике творческую незаурядность? С нашей точки зрения — безусловно. Кстати, фамилии Левин и Левитан происходят от одного и того же корня и указывают на то, что предки обоих принадлежали к священническому «колену Левия».

https://i.imgur.com/GWohngqm.jpg

=Spoiler написал(а):

https://i.imgur.com/GWohngq.jpg

+1

103

История одной картины - "Танец" Сальвадора Дали

https://i.imgur.com/Jf3s9Fmm.jpg
Сальвадор Дали - Танец (Рок-н-ролл) - 1957

Первая версия "Танца" погибла при пожаре в доме бродвейского импресарио Билли Роуза. Дали написал копию, которая в конце концов оказалась в доме Пабло Эскобара - колумбийского наркобарона, чья кокаиновая империя сделала его одним из самых богатых людей в мире, а террористические кампании парализовали его родную страну.

Теперь всё, что после этого случилось с картиной, описано в мемуарах Виктории Энао, жены Эскобара. В книге "Пабло Эскобар. Моя жизнь и моя тюрьма" она вспоминает свои чувства, когда впервые увидела работу Дали. "Это было невероятно, - пишет она. - Я была поражена сексуальным и фантастическим движением пары в бесконечной пустыне".

Подробности: https://lovers-of-art.livejournal.com/327049.html

0

104

Недавно найденный рисунок Рафаэля выставлен на аукционе в венском Доротеуме
https://i.imgur.com/7ZY0Z9Ym.jpg
Работа представляет собой подготовительный этюд
к фреске «Битва у Мильвийского моста» в папских покоях Ватикана

ВЕНА. Аукционный дом Dorotheum в Вене предлагает в следующем месяце (25 октября 2023 года) работу на бумаге, идентифицированную как поздний рисунок Рафаэля, сообщает The Art Newspaper.
https://i.imgur.com/6cPUWCBm.jpg
Рисунок лошади и всадника, сделанный красным мелом, работы великого итальянского мастера «Этюд битвы у Мильвийского моста» оценивается в 400 000–600 000 евро.

На оборотной стороне листа — рисунки помощника Рафаэля Полидоро да Караваджо, выполненные, вероятно, позднее.

Доротеум сообщил, что Пол Иоаннидес, заслуженный профессор истории искусства Кембриджского университета, подтвердил атрибуцию как Рафаэля, так и Полидоро да Караваджо.

Рисунок Рафаэля представляет собой подготовительный этюд к фрагменту фрески «Битва у Мильвийского моста» в зале императора Константина в Ватикане.

Рафаэль не дожил до завершения работы — он умер в 1520 году, — но его ученик Джулио Романо завершил картину.

«Этюд [Рафаэля] особенно важен из-за его роли в одном из самых амбициозных художественных проектов 16-го века: украшении папских покоев [частью которых является Зал Константина] в Ватикане», — говорится в заявлении Доротеума.

«Композиционные и стилистические детали подтверждают, что это подготовительный рисунок Рафаэля к знаменитой фреске», — сказал Марк МакДоннелл, специалист по старым мастерам Доротеума. — «В нем есть энергия, воодушевление, движение и качество, которые делают этот лист выдающейся редкостью».

По словам представителя Доротеума, двусторонняя работа находилась в частной коллекции во Франции до 1930-х годов, когда ее, вероятно, приобрел ученый и коллекционер Йохан Квирейн ван Регтерен Альтена. В 1940 году он опубликовал оба рисунка в британском журнале The Burlington Magazine, приписав работы Питеру Паулю Рубенсу. Работа была продана на аукционе Christie's в Париже в 2015 году (описывалась как «Итальянская школа, 16 век»), тогда ее приобрел нынешний владелец.

Ранее в этом году эксперты по старым мастерам подвергли сомнению картину, которую недавно приписали Рафаэлю с помощью программы искусственного интеллекта. В январе исследовательские группы из Университета Брэдфорда и Ноттингемского университета заявили, что они использовали новую технологию распознавания лиц для изучения Тондо де Бреси, сравнивая лица на работе с лицами на «Сикстинской Мадонне» Рафаэля.

Подробности: https://sedmitza.ru/text/10310620.html

0

105

https://i.imgur.com/HwT8707m.jpg
Анри Матисс (1869 - 1954), известный французский художник, считающийся гениальным, изобразил лодку под парусом и то отражение, которое можно увидеть в воде. Рисунок на первый взгляд простой, похож на детский рисунок, но сначала никто не мог понять, что на нём изображено. Дошло до курьезного случая.

17 октября 1961 года в Нью-йоркском Музее современного искусства была выставлена картина Анри Матисса «Лодка» (Le Bateau). Прошло больше месяца, прежде чем 3 декабря одна посетительница выставки обратила внимание на то, что картина висит вверх ногами.

https://i.imgur.com/wSiVqQnm.jpg

Слева - картина висит правильно, справа - вверх ногами.
Как видите, картина абсолютно симметрична лишь на первый взгляд.

Работа гениальна своей простотой. Это творение способно разбудить фантазию и воображение. Зрителю приходится думать о том, что хотел сказать автор этой картиной.

До сих пор ведутся постоянные споры о том, что сокрыто в этом шедевре. Шедевр ли это или обычный рисунок? Насколько глубоко восприятие живописцем мира?

Если бы творение не было гениальным по своей сути, то вряд ли о нем столько бы говорили на протяжении столь долгого времени. Неслучайно работу художника ставят в один ряд со знаменитым "Черным квадратом" Малевича.

Но мы не об этом, а о том, какие бывают курьёзы….

+1

106

https://icr.su/upload/iblock/2a7/1_2_005_full.jpg
Портрет госпожи Кэтрин Кэмпбелл.
Святослав Рерих, 1929 год

С.Н.Рерих принадлежит к плеяде блистательных портретистов, создавших целую галерею портретов своих современников. Его дарование как живописца проявилось уже в молодые годы и неоднократно было отмечено присуждением высших наград на выставках.
Обладая неисчерпаемой энергией, он с поразительной легкостью создавал как парадные, так и камерные портреты, передавая на холсте или другом материале самые разнообразные чувства человека.

Святослав Николаевич познакомился с Кэтрин Кэмпбелл (по второму мужу: Стиббе) (1898–1996) в Нью-Йорке в середине 1920‑х гг. Пленившись сначала ее внешней красотой, он пригласил Кэтрин позировать ему в качестве модели. Но постепенно ее ясный ум, душевная щедрость, высокая степень порядочности и исключительная честность позволили их знакомству перерасти в глубокую дружбу. Столь редкостные качества души в одном человеке не остались незамеченными Н.К. и Е.И. Рерихами, и со временем К.Кэмпбелл стала сподвижницей всей семьи, а позднее – президентом Музея Николая Рериха в Нью-Йорке, вице-президентом Общества Агни Йоги. Еще во второй половине 1930‑х гг. именно ей, одной из немногих, удалось спасти Музей Н.Рериха в Нью-Йорке, когда подложным путем президент Музея Луис Хорш присвоил себе почти все его содержимое, а затем выставил на аукцион. Она выкупила более 100 картин Н.К.Рериха.

Человек нелегкой судьбы, К.Кэмпбелл, потеряв в 1944 г. единственного сына, ушедшего добровольцем на войну, стоически продолжала работать на общее Благо. «Радуюсь Кэтрин, может, она чует, как живет ее облик в сердце моем и как ценю все ее заботы о делах. Истинно, сердце мое полно признательности...», – писала Елена Ивановна Рерих [1, с. 238].

Кэтрин Кэмпбелл неоднократно приезжала в Индию при жизни Е.И.Рерих и после ее смерти также гостила у С.Н.Рериха и его жены Девики Рани. До конца земного пути Святослава Николаевича они состояли в доверительной переписке.
Руководствуясь пожеланием С.Н.Рериха, К.Кэмп­белл в конце 1970-х гг. подарила советскому народу свыше 40 картин кисти Н.К.Рериха.
Через всю свою долгую жизнь пронесла К.Кэмпбелл самые светлые чувства и преданность к своему наставнику и Учителю, каковым был для нее С.Н.Рерих.

В «Портрете госпожи Кэтрин Кэмпбелл» С.Н.Рерих деликатно и тонко передал красоту и цельность ее натуры. Мягкая тень ложится на лицо молодой дамы в кокетливо надетой соломенной шляпке. Сквозь ее широкие поля легкими и звонкими мазками пробивается солнечный свет. Он переливается всеми оттенками оранжевого и голубого лета, тревожит локоны и открывает взгляд прекрасных глаз, в которых пытливая мысль отражает сложное движение души, одухотворяя лицо. Весь облик дышит спокойствием и задушевностью, особой теплотой, оставляя у зрителя неизгладимое впечатление от соприкосновения с прекрасным. Надо отметить, что именно этот портрет «в соломенной шляпе, сделанный в Швейцарии» [2, с. 169], очень любила Елена Ивановна Рерих.

Святослав Николаевич Рерих воспевал Красоту во всех ее проявлениях. Ему была абсолютно чужда эстетика безобразного: «Меня часто спрашивали, почему я не передаю отрицательных сторон жизни. Мой ответ – они есть, и мы должны все знать, но в искусстве они уже фиксируются! Если в жизни мы можем отойти от этого, то переданное в картине это отрицательное начинает жить своей жизнью и, конечно, становится началом, которое мы уже не можем избегнуть, – оно зафиксировано. Вся жизнь стремится к красоте…» [3, с. 47].

Г.Г.Тесис

Источник: https://icr.su/rus/katalog/annotSN_03.php

+1

107

Пожалуй, самая знаменитая и самая жизнеутверждающая картина с изображением февральского дня – это пейзаж «Февральская лазурь» Игоря Эммануиловича Грабаря (1871-1960). Про историю создания этой удивительной лучезарной работы я рассказывала год назад /Ссылку на статью, как обычно, оставлю в конце публикации/. Напомню лишь, что художник писал картину не просто на пленэре, а в специально вырытой глубокой траншее в имении своих друзей.
https://i.imgur.com/Zqbs7Ogm.jpg
Игорь Грабарь. Февральская лазурь. 1904.
Холст, масло. 141 х 83. Государственная Третьяковская галерея

И предлагаю просто полюбоваться тем, как художнику удалось передать радость солнечного зимнего дня и чувство приближающейся весны.

Интересно, что этот пейзаж написан на пленэре, а точнее -  в специально вырытой глубокой траншее, в которой художник работал 2 недели на свежем воздухе. Таким способом он сумел создать эффект устремленности березы к небу и подчеркнул её высоту.

«Когда я взглянул на верхушку березы снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося передо мной зрелища фантастической красоты: какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединенных голубой эмалью неба» - писал Игорь Грабарь о своем вдохновении.

Она написана после прогулки Игоря Грабаря по зимнему лесу Подмосковья. Создаётся впечатление, что художник рисовал её снизу, расположившись на снегу. Любуясь берёзами в роще, художник случайно уронил сумку, наклонился её поднять и взглянул снизу вверх. То, что открылось его взору, он изобразил дома на холсте.

https://i.imgur.com/1Tca7x0m.jpg

У каждого художника-пейзажиста есть излюбленная пора года, которую он чувствует каждой фиброй своей души, и которую, пропуская через себя, воссоздает на холсте с большой любовью и трепетом. Такой порой для Игоря Грабаря (1871-1960), известного  импрессиониста советского периода была снежная русская зима. Особенно живописца вдохновлял иней, который он писал «на все лады»: ранним утром  и вечером, в солнечную и в пасмурную погоду. Мастер создал более сотни этюдов, посвященных этому явлению природы, которые за несколько лет составили сюиту картин «День инея». По словам самого Игоря Эммануиловича, именно иней пробуждал в нем непреодолимое желание писать зимние пейзажи, невзирая даже на то, что в крепкие морозы масляные краски буквально примерзали к кисточке.

https://i.imgur.com/GrSOYl3m.jpg
Зимние пейзажи русского импрессиониста Игоря Грабаря

Искрящийся на солнце иней так переливался фантастическими оттенками, что заставлял художника жалеть об отсутствии в его палитре нужных красок. А ему их так иногда не хватало, чтобы воплотить неземную красоту на своих холстах.

И что интересно, когда таял снег и деревья теряли свое зимнее убранство, Игорь Эммануилович прекращал работу над пейзажами и переходил к натюрмортам, честно признавая, что ни весенний, ни летний, даже осенний пейзажи, не вызывают в нем никакого живописного задора и вдохновения. Живописец свои произведения практически всегда писал с натуры, находясь под восторженным впечатлением от природы и ее завораживающих явлений.  Под таким впечатлением когда-то была создана удивительная работа мастера — «Февральская лазурь», а именно почти 115 лет тому назад. Как раз в те дни художник был в гостях у хороших знакомых в Подмосковье.

https://rusgalery.ru/wp-content/uploads/2019/01/%D0%93%D1%80%D0%B0%D0%B1%D0%B0%D1%80%D1%8C-%D0%98%D0%B3%D0%BE%D1%80%D1%8C-%D0%AD%D0%BC%D0%B0%D0%BD%D1%83%D0%B8%D0%BB%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87-3.jpg

« Февральская лазурь».(1904 год). Холст, масло. ( Размеры полотна: 141 х 83). Государственная Третьяковская галерея. Москва

И однажды утром, прогуливаясь мимо берез, растущих у обочины, мастер пришел в неописуемый восторг. Игоря Эммануиловича необычайно глубоко тронуло то, что неожиданно открылось его взору.

«Я стоял около дивного экземпляра березы, редкостного по ритмическому строению ветвей. Заглядевшись на нее, я уронил палку и нагнулся, чтобы ее поднять. Когда я взглянул на верхушку березы снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося передо мной зрелища фантастической красоты: какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединенные голубой эмалью неба. Природа как будто праздновала какой-то небывалый праздник лазоревого неба, жемчужных берез, коралловых веток и сапфировых теней на сиреневом снегу».  Это удивительное зрелище так потрясло живописца, что он мгновенно загорелся желанием запечатлеть «хоть десятую долю этой красоты».
Не медля ни минуты, воодушевленный художник быстро сходил за своими художественными принадлежностями, а вернувшись, в один сеанс создал небольшой этюд будущего произведения. На следующий день Игорь Эммануилович вновь вернулся на то же место, только уже с холстом на большом подрамнике и начал писать свою потрясающую «Февральскую лазурь».  Но перед этим художнику пришлось выкопать траншею в снегу, в которой он и разместил свой мольберт, дабы как можно ниже расположиться по отношению к березам и захватить как можно больше небесного пространства.

Импрессионистическая манера письма живописца, как нельзя лучше, передала лучезарное настроение и состояние природы в ожидании весеннего пробуждения. Художник, использовав лишь чистый цвет, сумел достигнуть максимальной лазурной насыщенности. А благодаря своей уникальной технике, в которой использовал мельчайшие густые мазки, показал и объемность стволов, и узорчатость ветвей, и неровности на снегу. А низкая точка зрения  по отношению к линии горизонта позволила решить и композиционные задачи, и превосходно запечатлеть переход небесного цвета – от светлых оттенков снизу до темного ультрамарина вверху. Эту потрясающую историю, спустя время, рассказал сам художник, прославившийся своими необыкновенными зимними пейзажами и уникальнейшей живописной техникой письма.

Автор Людмила Журавлева.

+1

108

https://i.imgur.com/pH5trWQm.jpeg
ПОЦЕЛУЙ «Поцелуй» (итал. Il bacio) — картина итальянского художника Франческо Хайеса, написанная в 1859 году в стиле итальянского романтизма. Хайес написал также три копии этой картины, две из которых хранятся в частных коллекциях,

https://allpainters.ru/wp-content/uploads/2014/09/Romeo-i-Dzhuletta.jpg
а третья, где женщина одета в белое платье, была написана в 1861 году для семьи Мюлиус (Mylius) и продана 12 ноября 2008 года с аукциона Сотби в Лондоне за 780 450 фунтов стерлингов.

0

109

https://artifex.ru/wp-content/uploads/2015/04/%D0%96%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C-_-Gustav-Klimt-_-%D0%9F%D0%BE%D1%86%D0%B5%D0%BB%D1%83%D0%B9.jpg
Эту картину знают почти все: её многочисленные копии висят в каждом десятом доме и офисе, её печатают на сувенирах, фотообоях и рисуют на одежде. А в Вене, на родине художника, и вовсе получают огромную прибыль, создавая культ «Поцелуя» для туристов. Чем же уникальна эта картина? И как она появилась на свет?

Великий художник по имени Густав Климт (Gustav Klimt) родился 14 июля 1862 года в предместье Вены. Его отец был гравером и ювелиром. Семья Климта имела средний достаток. Густав окончил Венское художественно-ремесленное училище при Австрийском музее искусства и промышленности. Его специализацией была архитектурная живопись. Ранние работы Климта состояли в основном из больших фресок для театров. В 1897 году он становится одним из основателей и президентом Венского сецессиона – сообщества художников-новаторов, в котором мирно уживались между собой натуралисты, реалисты и символисты.

Климт всегда и во всем был очень искренен. Он хотел рисовать то, что ему было интересно. Самой известной работой австрийца можно назвать картину «Поцелуй» (Der Kuß) (1907–1908), которая относится к «Золотому периоду» творчества художника. В это время он увлекался декоративным искусством, поэтому использовал в своих работах позолоту. На краю цветочной поляны, в золотой ауре, стоят, полностью погруженные друг в друга и отгороженные от всего мира, влюбленные. Из-за неопределенности места происходящего кажется, что изображенная на картине пара переходит в неподвластное времени и пространству космическое состояние, по ту сторону всех исторических и общественных стереотипов и катаклизмов.

История написания «Поцелуя» такова: однажды некий граф заказал Густаву Климту картину для своей возлюбленной. Для написания женского образа художник получил медальон, на котором во всем великолепии была представлена невеста графа. Заказчик поставил условие: он и девушка должны быть изображены на картине в страстном поцелуе. Климт выполнил его пожелание, граф остался доволен. Но его мучил один вопрос: почему на картине их уста не сомкнулись в страстном поцелуе? Густав объяснил это тем, что попробовал изобразить желание, настроение и атмосферу − те мотивы, которые в миг самого поцелуя бросают в бездну любовного наслаждения. Граф принял ответ... Картина так понравилась девушке, что через некоторое время заказчик уже уезжал со своей молодой женой в свадебное путешествие: увидев картину, она сразу согласилась выйти за него замуж.

Позже Климт раскрыл тайну «Поцелуя». Оказывается, что когда художник писал картину, то сам влюбился в девушку с медальона. Поэтому он изобразил томительное ожидание поцелуя вместо самого поцелуя. Это была маленькая месть из чувства ревности к графу.

0

110

Кем на самом деле была «Неизвестная» Крамского?

Кто она?», — спрашивали его.
«Неизвестная», — отвечал Крамской.

Подробности: https://dzen.ru/a/Zbdwlvoz0lOG-DNp

0

111

Картина "Последний день Помпеи" (456,5 х 651 см) была написана Карлом Брюлловым (1799-1852) в Италии в течение трех лет с 1830 по 1833 годы.
В 1834 году она была выставлена в Риме. После этого, отправлена в Петербург через Францию, где была ещё раз показана зрителям в парижском Лувре. Владелец полотна Анатолий Демидов подарил этот шедевр императору Николаю I, который выставил его в Академии художеств "как руководство для начинающих живописцев". После открытия в 1898 году Русского музея, картина была одной из первых  перевезена в новое здание.

Подробности « Реставрация картины К.Брюллова "Последний день Помпеи": http://restoration.rusmuseum.ru/brullov111.htm

0