Художник: Сергей Черкасов

Diane Leonard, художник, фотограф, режиссёр кино и учитель,
является одним из глубокоуважаемых современных американских импрессионистов.

Талантливый художник Божков Роман Александрович – современный русский пейзажист.

Пленяющая красота его пейзажей поразительна и надолго остаётся в памяти. Его реалистические картины манят, притягивают взгляд зрителя и долго не отпускают.
Кажется, вот сейчас ты пройдёшь пшеничным полем, берегом речки, мосточком, осенним лесом и вдохнёшь свежий воздух!

Художник Роман Божков

Родился Роман Божков в 1980 в городе Шебекино Белгородской области. В 1993 году  окончил детскую школу искусств, а в 1999 Шебекинское профессиональное училище по специальности художник-декоратор. Живёт и работает в Белгороде.

Живопись художника пронизана огромной любовью к натуре, помимо общих состояний природы автор старается подмечать в ней и небольшие нюансы – игру света на листьях, туманность утра или луч, скользнувший по ветвям деревьев. От этого работы автора становятся по-настоящему «живыми» и душевными, а постоянные поиски новых видов и мотивов, неизменная работа исключительно с натуры, на пленере, – редкая в наше время, делают работы автора такими разнообразными и неповторимыми.

Здесь царит чувство свежести, ощущение воздуха. Художник постоянно находит такие образы в типичных русских пейзажах, которые сложно описать словами, их можно только прочувствовать всеми фибрами души. Величие природы, воссозданной на полотнах, заставляет замирать сердце и с головой окунаться в её простор, дышать её атмосферой и наслаждаться мастерством талантливого живописца.

Источник: https://www.liveinternet.ru/users/30945 … 459593719/

Искусство чайных пакетиков от Руби Сильвиус

Множество людей во всем мире каждый день пьют чай. Утром −чтобы проснуться, вечером −чтобы согреться. А что вы делаете с чайным пакетиком после использования? Без раздумий отправляете в мусорное ведро? Очень зря! Ведь ему можно подарить вторую жизнь, превратив в произведение искусства. Именно так поступает Руби Сильвиус (Ruby Silvious) − художница, графический дизайнер и любительница чая из Нью-Йорка. Для обычного человека пакетик с использованной заваркой совершенно бесполезен, но для Руби он становится материалом для трогательных миниатюр.

Новые формы творчества уже далеко не первый раз вдохновляют художницу. В особенности её увлекает тема переработки использованных материалов. Так, в её руках яичная скорлупа, небольшие кусочки хлеба и чайные пакетики превращаются в оригинальные миниатюры. Бесспорно, каждая идея Руби заслуживает внимания, но особенно хотелось бы познакомить вас с её воодушевляющим, авторским проектом «363 Дня Чая».

Так вышло, что компания Руби по дизайну интерьеров дала трещину, когда ей было 50 лет. Она осталась без работы и особых планов на будущее. Тогда талантливая художница решила придумать себе каждодневное занятие, которое поможет ей «приручить» вдохновение и быстро выйти из творческого кризиса. Так возникла идея ежедневного чаепития. И совершенно неожиданно чайные пакетики превратились в источник вдохновения!

Как рождается необычная миниатюра, спросите вы? Очень просто! Художница пробует всевозможные сорта пакетированного чая, после этого вытряхивает заварку, аккуратно высушивает тончайшую, волокнистую бумагу и – вуаля!− «полотно» для творчества готово! К тому же, каждый чайный бренд имеет свою уникальную бумажную бирку, которую Руби иногда использует в качестве дополнительных элементов иллюстрации.

По словам художницы, в начале эксперимента ей действительно приходилось напрягать воображение. И потребовалось немало времени для того, чтобы вдохновляться совершенно случайными вещами и сюжетами. Брюки с забавным цветочным узором, старый свитер на вешалке, мороженое, чайные чашки или миска с рисом – все эти вещи способствовали не только формированию креативности, но и новых художественных навыков, которые позволили рисовать на столь непредсказуемой и рыхлой поверхности.

День за днём, Руби старательно делала экспериментальные зарисовки, фотографировала и регулярно выкладывала их в социальные сети, приглашая зрителей проникнуться вкусовыми качествами, чувственными чайными ароматами и трогательными иллюстрациями с оттенком сепии. Спустя год после начала чайного проекта, художница получила работу книжного иллюстратора, но не оставила нового увлечения и продолжает превращать скучные пакетики в произведения искусства. Теперь она создает новый проект под названием «52 недели чая», в котором рисует одну чайную миниатюру в неделю.

Колоритные работы Руби Сильвиус ещё раз подтверждают факт, что стремление украсить любую обычную вещь и сделать её особенный – признак по-настоящему талантливого человека. Так, ежедневный визуальный дневник превратился в предмет вдохновения многих творческих людей.

А работы, сделанные в течение почти годичного чаепития, трансформировались в книгу 363 Days of Tea, которая получилась искренней, красочной и разнообразной. А цель книги все та же – помочь людям переосмыслить серьезность искусства и посмотреть на живопись с другой стороны.

Текст: © Artifex.ru

Красивые рисунки закатов запорожской художницы Алены Величко. Магия закатов в городских пейзажах.

    Алена Величко, более известная как Alena Aenami — молодая и талантливая художница, покорившая нас серией своих потрясающих работ, в которых раскрывается вся прелесть закатов.

Родилась и живет Алена в украинском городе Запорожье. Свое художественное мастерство она решила оттачивать в родном городе и в 2015 году поступила в Классический приватный университет на факультет графического дизайна. Первые работы Алены Величко появились на публике в начале 2016 года и сразу же привлекли внимание пользователей интернета. Благодаря отечественным и зарубежным имиджбордам о художнице Alena Aenami узнали как и у нас, так и за рубежом.

Любители романтики и почитатели приятно-тоскливых городских пейзажей мгновенно влюбились в работы девушки. Ведь такая завораживающая и гипнотизирующая энергетика рисунков наблюдалась только разве что у неподражаемого мастера японского аниме Макото Синкая. Но все же у Алены чувствуется свой особый неповторимый стиль рисунка, который вряд ли оставит вас равнодушным, если вы неравнодушны к красотам вечерних пейзажей.

Если посмотреть на последние рисунки Alena Aenami, то можно с удивлением заметить, что художница невероятно быстро прогрессирует. Это говорит о том, что девушка серьезно подходит к работе над своим мастерством и обладает большим талантом. Рисунки художницы буквально притягивают взгляд магией своих цветов и красок. Ее небом, солнцем и облаками можно любоваться буквально часами, и это ни на секундочку вам не надоест.

Деревня в картинах современных художников

Jean-Pierre Cassigneul (1935, French artist)
Французский художник

Жан-Пьер Кассиньоль родился в Париже 13 июля 1935 года.

Жан-Пьер Кассиньоль родился  в семье, где царил культ красоты, культ женщины. Его отец, грек по национальности, в 1920-х отправился в Париж для изучения права, получил классическое образование, однако вскоре его интерес обратился к моде. К 1937 году он основал модный дом, представив собственную линию одежды в классическом стиле. Родные Кассиньоля интересовались искусством и музыкой. Мальчик вырос в окружении дизайнеров и моделей, роскошных тканей и нарядов. Неудивительно, что он начал рисовать в раннем возрасте. Во время Второй мировой войны он жил в Швейцарии с бабушкой и дедушкой. Вернувшись в Париж после войны, Кассиньоль учился в престижном лицее Жансон де Сайи, где преуспел в рисовании, хотя изначально хотел изучать медицину.

Кассиньоль поступил в Академию Шарпантье на Монпарнасе, но обучение показалось ему слишком формальным и теоретическим. Он перешел в небольшую частную школу, где преподавал Жан Суверби, художник, который также был руководителем студии живописи в Школе изящных искусств. Суверби, в частности, познакомил Кассиньоля с творчеством художников группы Наби и кубистов, многие из которых были его личными друзьями. В 1952 году, когда Кассиньолю было всего 17 лет, прошла его первая персональная выставка.

В 1955 г. был принят в Школу искусств, где начал работать в мастерской Шаплен-Миди. А в 1958-м уже выставил свои работы в Галерее изящных искусств (Gallerie des beaux arts). В 1960 участвовал в коллективной выставке в Галерее Фрамон.
Кассиньоль находился под достаточно сильным влиянием движения и группы художников - постимпрессионистов Наби (Les Nabis), что означает «пророки» на иврите. Его работы также напоминают картины художника-экспрессиониста Кеса ван Донгена.

В 1960 году, едва закончилось художественное образование Кассиньоля, он был призван на военную службу. Он служил в Германии и Алжире, и вернулся в Париж с большим опытом и более широким взглядом на мир. В 1963 году Кассиньоль выставляется в «Салоне молодых художников», искавших в искусстве универсальные человеческие черты. Эти молодые люди, многие из которых были ветеранами войны, хотели утверждения важности человека как личности в живописи, отвергая абстракцию, возникшую в 20-30-е годы, в пользу окружающего их реального мира, повседневной жизни. Мир искусства Парижа спорил о достоинствах реального и абстрактного искусства. Но, в любом случае, Париж того времени больше интересовали литература и кинематография. Это был город, прошедший через ужасы и боль войны, город, который осознавал и ценил хрупкость и красоту человеческой жизни.

Кассиньоль всегда был твердым приверженцем фигуративной живописи. Образы молодых женщин на его картинах основаны, вероятно, на моделях, которых он видел в доме моды отца. Эти картины отражают стиль времени, повседневную жизнь общества. Его картины - это замечательно яркие цвета, включение морского пейзажа, темный контур, очерчивающий форму парусника или женский силуэт в цветочной шляпке, стремление к упрощению формы. Но он никогда не был абстрактным художником. Даже второстепенные детали, такие как паруса, букеты цветов, кошки и собаки, имеют свое значение, неявное, теплое, как прикосновение дружеской руки.

«Я начал писать свои первые женские портреты в 1963 году, на фоне садов, Булонского леса и моря в Довиле. С тех пор мой мир не изменился».

French painter Jean Pierre Cassigneul studied at the École des Beaux Arts in Paris and held his first one-man exhibition there at the age of 17. Since then, his work has been exhibited extensively throughout Europe, Japan and the United States, including shows at the Galerie Tivey Faucon and Galerie Bellechase, Paris; Gallery Tamenaga, Japan and Wally Fihdlay Gallery, New York.

Он известен также как гравер, литограф, иллюстратор. Кассиньоль успешно участвовал в различных групповых выставках, во Франции, США, Японии. Его работы хранятся во многих престижных мировых коллекциях.

"Если вы осмелитесь добавить, что вы отдайте предпочтение красоте, а не уродству, пусть фигура мечтательной молодой женщины волнует вас, пусть вы попытаетесь сохранить самые поэтичные воспоминания о своем детстве, а не самые болезненные. Я никогда не был частью какого-либо движения или какой-либо школы. Я сам искал свой путь, следуя своим вкусам, руководствуясь в начале своей карьеры хорошими мастерами, которые позволили мне хорошо изучить ремесло. Остальное пришло само».

Художник-космист Александр Маранов

Александр Маранов – это художник, из-под кисти которого выходят уникальные, ни на что не похожие работы. Глядя на них, кажется, что автор писал их светящимися красками – так сильно сияют они. Но на самом деле всё гораздо сложнее и интереснее! Оказывается, это не просто картины, а картины-видения! Александр Маранов, член Союза художников Узбекистана, а также Международной Федерации художников при ЮНЕСКО, дал альманаху Artifex эксклюзивное интервью, в котором раскрыл секрет своей неповторимой живописи.

Artifex: Вас называют художником-космистом. Расскажите подробнее об этом направлении.

- В обыденной жизни принято называть космосом научную фантастику. Но космизм – это совершенно другое. Это энергия и знание, кто мы, откуда, из чего. Это намного глубже и интереснее. Поняв это, мы достигнем очень многого в искусстве и науке. Меня всегда не покидала мысль: «Откуда всё происходит? Как это выглядит?». В 1992 году у меня начался кризис в искусстве: я понял, что не могу работать по-старому, но не пришёл к чему-то новому. Тогда произошло видение.

Artifex: Что это было за видение?
- Из простой лампочки в полумраке я увидел свечение. Появилась точка яркого света, которая стала разрастаться. Я будто улетел в это состояние и увидел сияние, оно произвело на меня огромное впечатление. Поэтому свой первый цикл картин я назвал «Сияние». Представляете, всё вокруг превратилось в свет – вибрирующий, пульсирующий, абстрактный. А в душе я испытывал непонятную радость. Потом у этого сияния стали создаваться формы − они состояли из пульсирующих тонких светящихся нитей. Самое интересное, что все они были переплетены между собой. Если задеть одну, она раздаётся везде, будто цельная паутина. Оказывается, всё в мире связано: люди, животные, природа…

Я понял, что такой живописи ни разу не видел, изучая историю искусства. Тогда я стал думать, как же всё это изобразить. Я решил написать картины, чтобы это счастье было всегда со мной.

Artifex: А какими приемами вы пользовались, чтобы воссоздать эффект сияния на картинах?

- У меня было видение: глаз, кристалл и вода. Эти три символа определили мою технику. Вода – это что-то чистое, прозрачное.

Artifex: Может, какой-то цвет преобладает в картинах, или вы пользуетесь особой кистью для того, чтобы изобразить свечение…

- Когда я пишу картину – я медитирую, но уже с кистью в руках. Каждое мгновение я пытаюсь добиться эффекта свечения. Каждый мазок, каждое моё движение посвящены тому, чтобы передать это сияние. Там – это полная голография с колоссальным объёмом. В материальном мире создать такое очень сложно. Я не пишу каждый день по картине. У меня немного работ. Но каждая из них – пережита глубоко в душе. Все произведения занимают длительное время, потому что мне необходимо войти в нужное состояние.

Artifex: В цикле «Сияние» есть и портреты…

- Да, я считаю, что именно Сияние наиболее точно отражает женскую сущность. Мне нравится писать женщин, они прекрасны в любом возрасте. Но часто я подрабатываю «пластическим хирургом» − взмахом кисти сбрасываю лет 10−20, чтобы запечатлеть энергетический расцвет красоты. Практически на всех портретах изображены дамы 30−35 лет. Также люди часто заказывают семейные портреты, эта замечательная традиция возрождается.

Artifex: А над чем вы работаете сейчас?

- Сейчас у меня пошёл цикл «Генезис». Он сложный по технике исполнения и композиции. Там есть большие работы – «Океан», «Сады», «Жизнь». Они примерно 2 на 2 метра. «Жизнь» − это беременная женщина, которая состоит из света, а всё вокруг выходит из космоса, из темноты.

Artifex: Создавая его, вы тоже медитируете?

- Да. Я начинаю видеть ритмы, которые составляют линии и светящиеся точки. Самое интересное, что из них складывается всё вокруг. Оказывается, это резонаторы, которые проводят энергию. Из этих ритмов появляется множество Вселенных. Там нет ничего лишнего. Их невозможно изобразить. Когда я пишу, моя рука сама двигается. Она сама начинает писать это свечение. У меня был интересный случай. Ко мне приезжал целитель, который ставит на ноги больных людей. Он сказал мне: «Я лечу людей именно этими ритмами. Я их чувствую. Но я никогда не думал, что их можно ещё и изображать!».

Artifex: Вы можете рассказать, как проходит ваш рабочий день?

—Сколько часов вы медитируете и т.д… Я прихожу в 9−10 утра и прежде всего начинаю медитировать. Через полтора − два часа я сажусь за мольберт и начинаю писать до 6−7 вечера. Когда я рисую, то стараюсь не отвлекаться ни на что – даже на обед, потому что тогда рвётся тщательно налаженная связь, контакт с картиной.

Artifex: Сколько работ в цикле «Сияние»?
- Около 40−50.

Artifex: Они все хранятся у вас, или многие из них уже раскупили?

- Многие куплены. У меня с них сделаны принты высокого качества – жикле. Я их продаю и иногда выставляю на выставках.

Artifex: На ваши выставки, наверное, приходят не только обычные ценители искусства, но и более специфическая публика?

- На моих выставках часто бывают маги, парапсихологи, экстрасенсы, колдуны. А еще учёные, физики-оптики, которые постоянно со мной в контакте. Они мне объясняют с научной точки зрения, как всё выглядит. Я считаю, что это не живопись, а более научный подход. Я полагаю, что в будущем люди будут писать эту энергию. Мы не будем смотреть на картину и думать, что на ней изображено: дерево, человек… Мы будем напрямую уже всё чувствовать, видеть эту энергию. Космос будет с нами говорить через резонаторы, ритмы. Это самый сложный вид искусства. Я не говорю, что он будет в живописи, изображенный масляной краской, нет. Он будет другим, с точки зрения науки уже, как голограмма.

Artifex: С циклом «Сияние» были связаны какие-то необычные истории?
- Да, у меня есть картина «Музыкант». Когда я выставил её, ко мне подходили и спрашивали: «Это альтист Данилов?». Я не знал, кто это такой. Когда прочитал про него, то выяснил, что это герой романа советского писателя Владимира Орлова. По сюжету Данилов находился между двумя мирами. Он играл мелодии, аналогов которым не было на Земле. Его особенность была в том, что он видел музыку, которую исполнял. На одном из концертов он заметил, как эта музыка опускалась на зал и растворялась. Я написал его вместе со свечением, которое выходит из души. Я срисовал эту работу с выставки, которую видел в медитации. Эта история подтверждает то, что есть своеобразный «банк данных», из которого творческие люди черпают вдохновение. К нему смог подключиться автор романа, смог и я. Это очень интересно.

Artifex: И ещё я хотела узнать, чем вы увлекаетесь, кроме живописи.
- Играю на гитаре много лет. А ещё занимаюсь спортом. Это очень важно. Спорт тесно связан с моей живописью. Медитация начинает пропадать тогда, когда ты заболеваешь. Поэтому с помощью спорта я стараюсь поддерживать физическую форму, необходимую для медитации. К тому же появляется больше сил писать. Кроме того, я стараюсь проводить много времени со своей семьёй: женой и двумя очаровательными дочками-близняшками. Мы часто отдыхаем вместе и очень любим далёкие путешествия на машине.

Artifex: Александр, благодарю вас за интересный и необычный разговор!

© Artifex.ru - гид по искусству

Добрая зима Андрея Репникова.

Живопись Андрея Репникова, выполненная в романтическом и юмористическом жанре, напоминает то ли открытки «Союзпечати», то ли кадры из старых мультфильмов. Особенно уносят в детство его альбомы «Сказочно-прекрасный» и «Колбаскин и компания».

Андрей Николаевич  Репников родился 28 июня 1963 года. Живет в Москве. Живопись стала его главным занятием с 1990 года. С тех пор автор написал свыше 5000 картин. Его работы участвуют в выставках, пополняют частные коллекции, хранятся в музее Ивана Бунина.

Андрей Николаевич Репников

Творчество российского художника полнится добрым юмором, знакомыми персонажами и сценами. В коллекции написанных картин  Репникова найдутся природные пейзажи, морские сюжеты, городские улицы, монастыри и люди. Особенного народного признания удостоились его серии картин «Колбаскин и компания» и «Сказочно-прекрасный». Их герои искренни и добродушны, всем своим видом они «рассказывают» нам свои забавные истории, из которых складываются незатейливые сюжеты картин.

Смешивать краски и строить пропорции он учился на ходу, брал заочные уроки у классиков в Третьяковке ("до сих пор не понимаю, как Шишкин мог на одну кисть целую палитру набирать!") и современников: на Арбате в начале 90-х собрались художники со всей страны. И писал - взахлеб, не успевая переносить на холст пришедшие в голову сюжеты. В Заочный народный университет искусств Андрея взяли сразу на 4-й курс. Учить его, прошедшего школу всепогодного Арбата, было уже нечему.

На Арбате посмеивались над наивностью сюжета, но потом примолкли...
...Дедушка с дворняжкой на поводке, сыпется снег, и все. У Колбаскина в городе всегда зима. На Арбате посмеялись над наивностью сюжета, но скоро примолкли. Парочку стали спрашивать - и дедушка у Андрея взял в руки зонт, стал собирать вокруг себя других собачек, играть с ними, те полезли за кошками на дощатые заборы - как на улицах его детства. Дед одевал телогрейку и гнал метлой галок по улицам уютного двухэтажного городка мимо вывесок "Гастроном", "Колбасы", "Ломбардъ", тумб с афишами...

Репников назвал серию "Колбаскин и другие" и начал селить в свой городок замеченных им на московских улицах новых героев: "ботаника" в футбольных воротах из двух портфелей, грузина в кепке, упавшего на улице с букетом тюльпанов, пожилые парочки, мамаш с детьми... А вот снова дворник: треух, связка сосисок на метле, от них не отрывает глаз дворняга - этот сюжет, по словам художника, ему приснился.

Тем временем

А в деревне Пузиково всегда лето

Вот у пузяков, жителей "Деревни Пузиково", которую придумал Репников, всегда лето. В детстве Андрей часто отдыхал у бабушки в маленькой, всего в 12 домов, стоявшей на отшибе деревне.

- Сядешь на траву во дворе и наблюдаешь - за бабушкиными котами, коровами, поросятами, - вспоминает он. - Протянешь руку, а на нее стрекоза села. Кошка сзади подкралась - и цап стрекозу!..

Репников в "Деревне Пузиково", как всегда, дополняет реальность: собаки тут летают на самолетах, поросята влюбляются в галок, ежи собирают букеты любимым. Вот "Спуск ошеломительный": по деревне несется драндулет, управляемый собакой в летном шлеме, - мимо поросят на дереве с баяном, морковки с дом величиной и дома под вывеской "Клуб всего изящного". Эту серию Репников не случайно называет "Лечебные картины": ты и вправду успокаиваешься, глядя на них, - как и на начатые серии с Винни-Пухом и его друзьями, гномами, героями сказки про БУратино.

"Мой подход к живописи имеет и некий формальный элемент. Я смотрю на картины с точки зрения цвета, формы и композиции. Мне нравится сочинять, создавать порядок с помощью различных композиционных стилей" Jan De Vliegher. 2014

СОВРЕМЕННЫЙ БЕЛЬГИЙСКИЙ ХУДОЖНИК ЖАН ДЕ ВЛИГЕ, JAN DE VLIEGHER

Методичный и системный подход к живописи Жана Де Влиге очаровал и покорил меня сразу. Я даже не мог представить себе, что кто-то так детально прорабатывает свои сюжеты. Во всех ракурсах, с разной компоновкой. Это просто фантастика. Особенно если обратить внимание на стиль самой живописи Жана. Скорее всего ее можно отнести к импрессионизму. Однако многие работы талантливого бельгийского художника при небольшом удалении выглядят как заправский, китайский или американский фотореализм... Так в чем же дело?

Так как же картины выполненные такими крупными мазками могут выглядеть как фотографии? Все дело в расположении света и цвета на живописном полотне. Это такой трюк, которым Жан Де Влиге владеет в совершенстве!

Как владелец онлайн галереи я часто получаю письма от художников- любителей. Они предлагают разместить мне свои произведения, искренне считая что могут быть интересны зрителю и даже покупателю. Это, например, могут быть цветы, написанные 3 года назад, потом закат над морем, по фотографии из отпуска в Египте, своя собачка и например вид из окна. Какое же будет качество этих работ? На сколько они будут хороши хотя бы технически?

Что такое труд художника? Почему мы ценим упорство и полную преданность живописи, такую как у Винсента Ваг Гога?