Шишкин И. И. Корабельная роща, 1898, Холст, масло. 165 x 252
Санкт-Петербург, Государственный Русский музей

Как все лучшие полотна Шишкина, эта картина рождает ощущение жизни, чувство непосредственной близости к природе. В основу ее легли натурные этюды, выполненные художником в родных прикамских лесах. Но в этом последнем произведении мастера отражено и то глубочайшее знание растительного мира, которое было накоплено им за почти полувековую творческую жизнь. Срезая рамой верхушки стволов (прием, часто повторяющийся у Шишкина), художник усиливает впечатление огромности деревьев, которым, кажется, не хватает места на полотне. Мощные вековые сосны даны во всей пластической красоте. Их чашуйчатая кора буквально вылеплена кистью с использованием многих цветов. Шишкин был и оставался до конца непревзойденным знатоком дерева, не имевшим соперников в изображении хвойного леса. Вспорхнувшие над ручьем бабочки, чуть голубоватые рефлексы от неба, зеленоватые отражения в воде, лиловатые тени на стволах, привносят светлую радость бытия, не нарушая при этом впечатления разлитого вокруг покоя. Разнообразные мазки, выявляющие форму и фактуру, подчеркивают мягкость травы, пушистость хвои, крепость стволов. Во всем чувствуется отточенное мастерство, уверенная рука художника. Конкретность образа сочетается в произведении с широким обобщением. Этот пейзаж был написан близ города Елабуги – в тех местах, где он родился и провел детство.

Чешские художники

Эти чешские художники внесли вклад не только в чешское, но и в мировое искусство. Их картины высоко ценятся на международных аукционах, а в Чехии продаются за миллионы крон.

Альфонс Муха

Из цикла "Времена года" Альфонса Мухи

Альфонс Муха (1860 – 1939 гг.) – самый известный чешский художник в мире, один из самых главных представителей стиля «ар нуво». Он прославился как автор афиши «Жисмонда» для французской актрисы Сары Бернар в 1894 году. Муха стал популярным художником-модернистом во Франции и США. Он не только рисовал картины, но и проектировал дизайн украшений, мебели и предметов интерьера. Именно Муха – автор первых чехословацких марок и денежных купюр.

Большой популярностью пользовались графические серии Мухи "Времена года" и "Месяцы года"

В конце жизни Альфонс Муха создал цикл из 20 огромных полотен в духе славянского единства, известных как «Славянская эпопея». Каждое полотно отражает значимые, по мнению автора, события из жизни славянского народа. Величина картин составляет 6 на 8 метров. В настоящее время цикл полотен выставлен в Национальной галерее Праги. Произведения Альфонса Мухи входят в коллекции крупнейших мировых музеев и галерей. В его честь даже назвали астероид № 5122.

Славяне на исконной Родине (чеш. Slované v pravlasti, 1912), из цикла "Славянская эпопея"

Эмиль Филла

Эмиль Филла (1882 - 1953) – чешский художник и скульптор

Эмиль Филла (1882 - 1953) – чешский художник и скульптор, один из главных представителей чешского кубизма. Соединял тенденции кубизма и немецкого экспрессионизма, находился под влиянием Пабло Пикассо. Картины Филлы также продаются на аукционах за рекордные суммы для Чехии и высоко ценятся среди коллекционеров. Например, кубическую картину «Художник» продали за 18 миллионов крон. Произведения Эмиля Филлы можно увидеть в Национальной галерее Праги, а также на большой выставке чешского кубизма в Доме у Черной Божьей Матери.

Франтишек Купка

Франтишек Купка (1871 – 1957) – чешский художник и график, один из основателей абстрактного искусства. Большую часть жизни Купка прожил по Франции, где сначала зарабатывал на жизнь как рисовальщик и карикатурист. После 1900 года в его творчестве стали появляться абстрактные элементы, а позже он от реализма перешел на чистый абстракционизм. Произведения Купки того времени теперь продаются на аукционах за миллионные суммы. Картина Купки «Форма синего» стала самой дорогой проданной в Чехии картиной (55 млн крон). Крупнейшая коллекция произведений Купки представлена в музее Kampa в Праге, избранные работы хранятся в Национальной галерее в Праге. До 22 мая в галерее Kampa проходит временная выставка Купки «Веющая синева».

https://420on.cz/uploads/Image/1743/content_kupka.jpg

Тойен

Эксцентричная художница Мария Черминова (1902-1980), более известная под псевдонимом Тойен, который для нее выдумал чешский поэт Ярослав Сейферт, является одной из представительниц чешского и мирового сюрреализма. Тойен считается наиболее значимой женщиной-художником Чехословакии ХХ века. Большую часть жизни она прожила в Париже, где была членом сюрреалистического кружка наряду с поэтом Полем Элюаром и основоположником сюрреализма Андре Бретоном. Тойен прославилась, кроме прочего, своими рисунками эротического содержания, которые она подписывала буквой «Т» или «ХХ». Для своего времени это был весьма смелый шаг, который характеризовал художницу как прогрессивную нонконформистку. Полотна Тойен выставляют в музее Kampa в Праге.

Картина маслом «Спящий», которую написала Тойен, была продана в 2009 году за 20 миллионов крон на аукционе.
До сих пор она удерживает авторский рекорд.

Вацлав Холлар

Вацлав Холлар (1607-1677) – барочный художник, гравер и картограф, один из самых известных графиков в европейской истории. Родился в Праге, но вынужден был уехать в период 30-летней войны. Жил в Германии, а большую часть жизни – в Англии, где прославился как Венцеслав Холлар Богемус (Холлар с гордостью заявлял о своей принадлежности к чешскому народу).

Холлар стал известен благодаря своим гравюрам пейзажей, карт, натюрмортов и портретов. Особенно знамениты его изображения Праги, Лондона и других городов. Холлар работал в технике офорта, выпускал иллюстрированные серии. Всего художник создал около 3000 гравюр на самые разные темы. Виды городов и архитектуры, которые писал Холлар, отличаются топографической точностью, хотя в них и присутствует художественный замысел.

Прага, Вацлав Холлар

Широкая коллекция работ Холлара представлена в Британском музее, а также в библиотеке Виндзорского замка. Выставки гравюр Вацлава Холлара регулярно проводят в Национальной галерее в Праге и других чешских музеях.

В Чехии есть Средняя художественная школа и университет Вацлава Холлара, в котором изучают художественную графику.

Одна из самых известных гравюр Холлара называется «Хороша кошка,
которая не лакомится» (1646 г.).

Наивный импрессионизм португальского художника Miguel Freitas Мигель Фрейтас

Мигель Фрейтас (Miguel Freitas) родился и вырос в Лиссабоне, Португалия, позднее он переехал в Торонто, Канада, где продолжал изучать изобразительное искусство, как способ выражения собственных мыслей в творчестве. Его художественное разнообразие, возможность работы с различными средами и стилями оказались очень полезны для творческой карьеры. Начав свою деятельность как фотограф, постепенно углубляясь в детали индустрии дизайна, добившись успеха как дизайнер и иллюстратор, в конечном счете сделали его арт-директором компании, сначала в Канаде, а затем и в Европе.


Хотя Мигель продолжал работать дизайнером, он жаждал новых вызовов и искал творческую свободу, поэтому, в один прекрасный момент, он решился все бросить и посвятить себя живописи, и теперь работает в своей домашней студии в Торонто-Бич.

Уникальная техника и стиль Мигеля привлекает к себе большое внимание, оригиналы его картин пользуются спросом среди коллекционеров и галерей в Европе и Северной Америке.

В своем искусстве, он пытается показать вещи такими, какими они представляются ему, то есть не всегда похожими на реальность. Его стиль и манера исполнения, напоминают большие фрески на старых, крошащихся стенах или отрывки детских сказок. Необычное использование смешанной техники и тематика, являют собой идеальное сочетание, результатом которого стали картины Мигеля.

Использование ярких цветов — это то, что часто поражает и восхищает людей в первую очередь. Цвета были тщательно подобраны художником так, чтобы выделить символическое содержание его работы. Каждая картина рассказывает историю, которая приглашает Вас прикоснуться к поверхности. Картины убедительно изображают наивные, детские впечатления и воспоминания, оставшиеся в вашей памяти через много лет после посещения места.

Юрий Иванович Пименов
Советский художник

Ю́рий (Георгий) Ива́нович Пи́менов (13 (26) ноября 1903, Москва — 6 сентября 1977, Москва) — советский, российский художник-живописец, график, сценограф, плакатист, педагог. Академик АХ СССР (1962; член-корреспондент 1954). Народный художник СССР (1970). Лауреат Ленинской премии (1967) и двух Сталинских премий второй степени (1947, 1950).

Юрию Пименову  удалось практически немыслимое: оставаясь верным себе, он создавал работы, которые понимали и принимали все. Наполненные живым, пульсирующим светом, движением, динамичные и по-своему изящные, его картины до сих пор завораживают и поклонников западного и современного искусства, и убежденных сторонников академического реализма.

Ему удавалось каким-то непостижимым образом передавать звуки и запахи... "Запах дождя и горячего асфальта. Аромат фиалок и душное дыхание солярки. Снежная поземка на затемненной улице. Свежесть цветущего сада... Тишина и томление весны. Угар и грохот московского лета. Радость зимнего вечера, синего-синего, манящего теплыми огнями окон. Прелесть осеннего утра, убранного каплями росы. Шелест новых платьев. Цокот каблучков по доскам, перекинутым через лужи... Первые звуки оркестра. Шепот притихшего зала. Пение ветра в лесах новостроек и смех девушек - штукатуров и маляров... Вздох актрисы и колдовской свет рампы... Звонок телефона, обещающий разлуку... Весь этот поток звуков, запахов, красок охватывает вас, когда вы входите в мир сложный и простой, полный поэзии и будничности, радостей и печали. Мир трепетного ощущения не­обыкновенности обыкновенной жизни, дарящей нам ежеминутно, каждодневно все новые открытия, - мир творчества художника Юрия Пименова" (И.Долгополов "Пименов") .

Этот художник – важнейшее имя в советском искусстве. В 1920-е он создал новую фигуративность, в 1930-е стал ярким представителем соцреализма, без него нельзя представить и период оттепели.

В 1930-е годы, главной темой его творчества становится город — его стройки, улицы; люди — новые, молодые, жизнерадостные.

Вспоминают, что Пименов часами гулял по Москве или мог уехать в один из подмосковных городков и изучать там местные улицы и пейзажи. «Я люблю эти новые кварталы, — рассказывал Пименов. — В их незаконченности, даже в их неполадках живет молодая душа новизны...

Новые города, районы и кварталы рождают свою особенную поэзию, особенный характер жизни. На новом месте начинают разворачивать землю, на строительных площадках появляется медленное и неуклонное движение огромных кранов...

.........................

https://lavrus.art/10-kartin-pimenova

Альберт Кёйп. Пастух с коровами на берегу реки. 1650
Голландский живописец, график и гравёр эпохи барокко, известен своими пейзажами. Его именем назван старинный уличный рынок в Амстердаме.

Альберт Якобс Кёйп (Aelbert (Aelbrecht) Jacobsz Cuyp (Cuijp); крещён 20 октября 1620, Дордрехт — 15 ноября 1691, там же) — голландский живописец, график и гравёр эпохи барокко, известен своими пейзажами. Его именем назван старинный уличный рынок в Амстердаме. Не так давно установлено, что Альберт Кёйп родился в 1620, а не в 1605 г., как утверждается в некоторых источниках.

И дед и дядя Альберта были художниками, специализировавшимися по витражам, отец — Якоб Герритс Кёйп — был известным портретистом.

Вероятно, именно у отца Альберт обучался живописи, а в начале 1640-х гг. отец и сын совместно работали над заказами: Якоб писал портреты, а Альберт снабжал их пейзажным фоном.

Но к этому времени Кёйп-младший уже создавал и самостоятельные произведения.Трудно сказать, были ли у Альберта другие учителя. Версия, что пейзажной живописи художник обучался у ван Гойена, пока подтверждений не нашла. Во всяком случае, творчество последнего заметно отразилось на произведениях Альберта Кёйпа, в особенности ранних.

Кёйп проявил себя в самых разных жанрах живописи, его кисти принадлежат библейские, мифологические и исторические полотна, натюрморты, портреты (последние свидетельствуют о несомненном влиянии на него Рембрандта), но славу ему принесли именно пейзажи. До начала 1640-х гг., в период, вошедший в историю искусства как тональное направление в нидерландской живописи, художник писал чаще всего картины малого формата, главная тема которых — виды родной Голландии, с фигурами и животными. В цветовой гамме преобладают охристые и зеленовато-коричневые цвета.

В середине 1640-х гг. всё явственнее становится влияние утрехтского мастера Яна Бота.

К этому времени Бот вернулся из Италии, привезя с собой стиль итальянской школы. Некоторые исследователи полагают, что Кёйп бывал в Утрехте и лично общался с Ботом, а через его произведения опосредованно познакомился с художественными открытиями великого французского пейзажиста Клода Лоррена. Вторая половина 1640-х и 1650-е гг. — время создания лучших картин Кёйпа.

В этот период пишутся безмятежные виды берегов Мааса и Ваала возле Дордрехта, с лодками, плывущими по речной глади, стада, расположившиеся на отдых на фоне вечереющего неба, рейнские ландшафты с группами всадников или крестьян.

Художник прославился умением передавать свет и воздушную среду туманного утра, сияющего полдня, золотого вечера. Он с удовольствием запечатлевал теплоту летнего или осеннего неба, янтарную дымку, обволакивающую окрестные холмы, отражения в сонной воде.

Солнечный свет на его полотнах разливается по картине, то и дело выхватывая какую-то небольшую деталь панорамы.Травинка, волосы конской гривы, рог склонившейся над ручьём коровы, шляпа крестьянина — всё купается в желтовато-охристом сиянии.

Лучи света отражаются и преломляются предметами, словно гранями бриллианта, и сами предметы как будто растворяются в лучах света. Учителем Кёйпа в таких случаях являлась сама природа, и в изображении света Кёйп считается предшественником Вермеера.

Иногда Кёйп писал море, и спокойное, и бурное, был одним из лучших в передаче лунного освещения в ночных пейзажах. Его композиции даны, как правило, с низкой точки зрения, создающей ощущение обширного пространства.

Деятельность Кёйпа протекала преимущественно в Дордрехте.После смерти отца в 1651 или 1652 г. Альберт унаследовал значительное состояние и вошёл в число наиболее уважаемых горожан.

Он был активным членом голландской реформистской церкви и занимал важные городские и церковные должности.В 1659 г. он стал деканом реформистской общины, в 1682 вошёл в состав суда. Вообще, складывается впечатление, что его больше ценили за общественные, а не творческие заслуги, хотя художник и получал заказы от влиятельных горожан.

Сохранилось мало сведений о деятельности мастерской Кёйпа. Известно, что его учеником был Барент ван Калрат, и, возможно, его брат, Абрахам ван Калрат, который настолько скрупулёзно следовал живописной манере Кёйпа, что позднее последнему приписывались многие картины Абрахама, тем более что инициалы в подписях на их полотнах одинаковы — «А. К.».

Документальных свидетельств о том, что Кёйп куда-либо выезжал из Дордрехта, нет, но судя по местностям, изображённым на его пейзажах, он скорее всего путешествовал по Голландии, бывал в верхней части Рейна, возможно, в Вестфалии. В 1658 г. художник женился на Корнелии Босман, богатой вдове военного моряка Йохана ван де Корпюта, происходившего из уважаемого в городе семейства. У жены к тому времени уже было трое детей, а годом позже она родила Альберту дочь.

После женитьбы творческая деятельность Кёйпа практически сошла на нет — видимо, по причине активного участия в церковных делах (Корнелия была очень набожной), а может быть, из-за отсутствия финансовых трудностей. Жена умерла в 1689 г., и последний год своей жизни Кёйп жил у своей дочери и её мужа, владельца пивоваренного завода. Под конец жизни Кёйп создавал мало картин. Умер он в 1691 г. и похоронен в августинской церкви в Дордрехте.

Алан Мейли / Alan Maley (1931-1994) - настоящий английский аристократ, утонченный и элегантный, его жизнь, казалось бы, была предопределена с самого рождения: балы, театры, дамы в муслиновых платьях с пышными юбками и с кружевными зонтиками в руках, кавалеры во фраках и смокингах с цветком гардении в петлице - само воплощение красоты и элегантности...

На фото: Алан Мейли

Его ждала престижная Королевская школа в Лондоне, но он выбрал киноиндустрию, мир кино. Нет, карьера актера нисколько не привлекала молодого человека, он с детства любил рисовать и стал художником по спецэффектам. Отличным художником, ведь сам Уолт Дисней пригласил Алана Мейли к себе на работу. Мы можем посмотреть работу Алана Мейли в фильме "Индиана Джонс: в поисках утраченного ковчега".

Но блестящую карьеру молодого и талантливого мастера прервала страшная болезнь - полиомиелит. После болезни Алан целый год заново учился ходить, а потом взял в руки кисточку.

И вот тогда в его работах появился тот самый великолепный век с его утонченной красотой и элегантностью, балы, экипажи, театры, светские рауты, аристократический шарм...

Любуемся зимними пейзажами великого Мастера и наслаждаемя великолепием XIX века.

Анна Мозес — известная американская художница

Жила была женщина, звали её Анна. Родилась она в далёком 1860 на окраине штата Нью-Йорк в бедной семье. Нигде не училась, в 27 вышла замуж за такого же бедняка, родила десятерых детей, пятерых похоронила, и всю жизнь работала на ферме, не покладая рук. К 67 годам она, так сказать, вышла на пенсию — сложила с себя обязанности фермерши, передав бразды правления одному из сыновей. Бездельничать Анна не привыкла и быстро нашла себе увлечение — вышивание. Так и вышивала бы она себе до конца жизни, если бы не проклятый артрит. Именно болезнь стала причиной того, что на 76-ом году от роду Анна начала рисовать.

Свои картины она раздаривала друзьям и знакомым, одним из которых оказался местный аптекарь, украсивший подарками стены своей аптеки. И надо было случиться, что именно в эту аптеку заглянул проезжавший через городок нью-йоркский любитель живописи по имени Луи Кальдор. Он сам не ожидал, что эти незатейливые, наивные картины так сильно тронут и расстрогают его. Кальдор не только купил все работы у удивлённого аптекаря и крепко подружился с автором, но и загорелся идеей познакомить широкую публику с работами провинциальной старушки-художницы.

Читай дальше:https://www.livemaster.ru/topic/3062043-starost-v-radost-istoriya-uspeha-amerikanskoj-hudozhnitsy-babushki-mozes

Мод Льюис (1903-1970) родилась в Новой Шотландии у Джона и Агнес Доули. В детстве, Мод провела большую часть своего времени в одиночестве, в основном потому , что она чувствовала себя некомфортно в связи с отличием от других детей. Она родилась почти без подбородка и всегда была намного меньше , чем все остальные. Вместе с тем, Мод была счастливым ребенком проводившим время вместе со своими родителями и братом. Мать Мод научила ее живописи на рождественских открытках , которые продавались и , таким образом , она начала свою карьеру художницы.


Мод Льюис

В 1935 году отец Мод умер затем в 1937 году умерла ее мать. Как было характерно в то время, ее брат унаследовал семейный дом. После того, как она прожила некоторое время с братом, после продажи дома она переехала в Дигби , чтобы жить со своей тетей. Там она познакомилась с Эверетт Льюис, странствующим разносчиком рыбы, и вышла за него замуж в 1938 году.
У них был крошечный однокомнатный дом на старой заброшенной дороге.
Свой маленький очаг Мод украсила множеством красок: окна разрисовала букетами тюльпанов, двери — птицами и бабочками. Даже мусорный ящик расписала маргаритками. В доме топилась печь, а поначалу освещала его маленькую комнатку лишь керосиновая лампа.

Мод Льюис рисовала сцены на открытом воздухе, мыс острова, лодки на воде, лошадей ,сани, фигуристов, портреты собак, кошек, оленей, птиц и коров. Ее картины были вдохновлены воспоминаниями детства, а также местаит Дигби . Большинство ее картин совсем маленькие — часто не больше , чем 20 на 25 сантиметров, хотя она , как известно, сделала по крайней мере пять картин 60 на 90 сантиметров. Размер был ограничен тем, насколько она могла двигать руками. Она использовала в основном плиты и трубы , с краской на масляной основе. Техника Мод состояла из первого покрытия доски белым, а затем рисуя контур и нанесением цветной краски непосредственно из тюбика. Она никогда не смешивала несколько цветов.

«Мой ребенок нарисовал бы лучше», — качает головой владелец бакалейной лавки, не понимая, почему открытки Мод пользуются такой популярности. «Но не нарисовал же. Идиот», — защищает жену Эверетт. В картинах Мод соседствуют разные сезоны, часто отсутствуют тени, животные принимают причудливые формы, а пропорции искажаются в соответствии с замыслом художницы. Они кажутся примитивными, но только на первый взгляд. Больше всего подкупает отношение самой Мод к искусству: ее не интересуют слава и даже деньги, которые начинают приносить ее произведения.

Заинтригованные искусством художницы, её оригинальным духом и замкнутой жизнью, к дому Льюисов стали стекаться туристы и поклонники ее творчества. Они покупали ее рисунки за 2, 3, а потом за 5 долларов. Мод не решалась просить больше. Так она стала главным кормильцем семьи, благодаря своему таланту. «Пока я могу просто сидеть у окна и держать в руках кисточку, я счастлива», — говорит она.

Мод Льюис продолжала писать свои весёлые картинки и сохраняла свой неизменный оптимизм до смерти в 1970 году.
Сейчас в галерее Новой Шотландии находятся 55 картин Льюис, включая главное достижение — её собственный дом.
Посетители удивляются, как человек мог жить 30 лет в таком тесном пространстве и при этом излучать столько радости, создавая маленькие свои шедевры!

Замечательная шотландская художница Anne Cotterill выбирала для роскошных букетов полевых цветов самые простые сосуды: чашки, керамические кружки, кувшины и стеклянные банки и с огромной любовью изображала их на своих картинах. Художница намеренно создавала на картинах спокойные однотонные фоны, которые лишь оттеняли трогательную красоту и нежность цветочных бутонов.

Работы Anne cotterill как воспоминание о лете, способны вызвать теплую улыбку долгими зимними вечерами. Смотрю и почти ощущаю аромат цветов..

Anne Cotterill (1933-2010). Great Britain

Излюбленное ее направление живописи – натюрморт. Конечно, в числе ее работ есть и «фруктовые» натюрморты, но именно цветы занимают львиную долю ее картин.

Руку Энн Коттерилл достаточно легко отличить от произведений других мастеров:

Все картины были написаны исключительно маслом, что придает им особую ценность как в эстетическом, так и в материальном плане.
В числе ее работ вряд ли можно найти тусклые и мрачные картины с цветами – все краски яркие, сочные, источающие жизненную энергию и силу!
На холстах Энн Коттерилл нет пафоса и излишней роскоши – все просто, по-домашнему! Вместо дорогих хрустальных ваз и серебряных подносов – простые стеклянные банки, бидончики для молока, чашки, глиняные кувшинчики, чайнички, стаканы.
Если сравнить работы Энн с творчеством другого британского художника – Альберта Вильямса – можно заметить, что его работы более четкие и реалистичные. Глядя на картины Коттерилл, мы видим более «смазанную», «нечеткую», «размытую» реальность, которая оставляет нам возможность «додумать», «дорисовать» реальность, которая нам больше по душе!
Что касается излюбленных цветов в живописи художницы, то… их у нее нет! Все цветы она изображает с одинаковым трепетом, любовью и нежностью – маки, вьюнки, анютины глазки, незабудки, фиалки, розы, подснежники, клевер, нарциссы, тюльпаны, колокольчики и даже цветы фруктовых деревьев и ягодных кустов (яблоня, слива, земляника).
Свою бесконечную силу вдохновения Энн Коттерилл пополняла, любуясь на прекрасные полевые цветы, которые всегда росли в окрестностях ее дома. И конечно же, у нее был аккуратный и ухоженный сад!

Она родилась в шотландском городе Эдинбурге. В 1956 году она окончила Эдинбургский колледж искусств и получила стипендию для продолжения обучения в аспирантуре с последующим обучением в Европе, что позволило художнице вблизи познакомиться со всеми нюансами техники живописи великих мастеров кисти.
В дальнейшем семейная жизнь привела Энн в британское графство Сомерсет. Множество видов произрастающих на тех землях полевых цветов служило постоянным источником вдохновения для творчества художницы. Детальное понимание ботаники не лишило ее картины творческой свободы, талант живописца победил — эти натюрморты радуют нас своей живостью.

«За те многие годы, что я писала цветы, поняла, что существует предел, до которого цветы подчиняются вам. А после - у них есть своя собственная идея, которая играет важную роль в определении успеха живописи!»

Со временем спрос на картины Анны стал значительно превышать предложение. В 2006 году, по опросу «Fine Art Trade Guild» Анну Коттерилл признали единственным, наиболее продаваемым живописцем, изображающим цветы.