Художники разных стран и эпох
Куанг Хэ (Quang Ho) - Современная вьетнамская живопись.
"КИНОДИВА" Кино, сериалы и мультфильмы. Всё обо всём! |
Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.
Вы здесь » "КИНОДИВА" Кино, сериалы и мультфильмы. Всё обо всём! » Художники и Писатели » Художники разных стран и эпох
Художники разных стран и эпох
Куанг Хэ (Quang Ho) - Современная вьетнамская живопись.
Сальвадор Дали
Сальвадор Дали (полное имя - Сальвадор Доменек Фелип Жасинт Дали и Доменек, маркиз де Пуболь; кат. Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol; исп. Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Dalí y de Púbol). Родился 11 мая 1904 года в Фигерасе - умер 23 января 1989 года в Фигерасе. Испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализм
Источник: https://stuki-druki.com/DenRozhdenia/Kt … 1-maya.php Штуки-дрюки ©
Константин Коровин — «русский импрессионист» и художник-оптимист
Размышления о творчестве и наследии великого живописца
Иван Крамской
Иван Николаевич Крамской.
Родился 27 мая (8 июня) 1837 года в Острогожске Воронежской губернии - умер 24 марта (5 апреля) 1887 года в Санкт-Петербурге. Русский живописец, мастер исторической и портретной живописи, художественный критик.
Источник: https://stuki-druki.com/DenRozhdenia/Kt … iyunya.php Штуки-дрюки ©
Иван Крамской - Портрет Льва Николаевича Толстого
Илья Глазунов
Илья Сергеевич Глазунов. Родился 10 июня 1930 года в Ленинграде - умер 9 июля 2017 года в Москве. Советский и российский художник-живописец, педагог. Основатель и ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества И. С. Глазунова. Академик РАХ (2000). Народный художник СССР (1980). Лауреат Государственной премии Российской Федерации (1997). Полный кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством».
Подробнее:
Источник: https://stuki-druki.com/DenRozhdenia/Kt … iyunya.php Штуки-дрюки ©
Академик Богданов-Бельский: русский художник, о котором все забыли
Николай Богданов-Бельский
Автопортрет
Никола́й Петро́вич Богда́нов-Бе́льский (8 [20] декабря 1868, д. Шитики, Смоленская губерния — 19 февраля 1945, Берлин) — русский художник-передвижник, действительный член Императорской Академии художеств, председатель Общества имени Куинджи.
Мальчики
Год создания
1910-е
Собрание
Ростовский областной музей изобразительных искусств
Удильщики, 1925
Дети у озера, 1932Другие картины: http://artpoisk.info/artist/bogdanov-be … 8/gallery/
Вспоминаем русского художника, академика живописи — Богданов-Бельский Николай Петрович (1868-1945).
Подробнее : https://fishki.net/2207938-akademik-bog … abyli.html © Fishki.net
Фрида Кало: История преодоления, полная противоречий
Жизнь, боль, страсть и смерть великой художницы
РЕТРОСПЕКТИВА ФРИДЫ КАЛО — великой мексиканской художницы, ставшей душой и сердцем женской живописи во всём мире. О жизни Фриды принято рассказывать через историю преодоления физической боли, однако, как это обычно бывает, это лишь один из аспектов сложного и многогранного пути. Фрида Кало была не просто женой признанного живописца Диего Риверы или символом душевной и физической силы — всю жизнь художница писала, отталкиваясь от собственных внутренних противоречий, сложных отношений с самостоятельностью и любовью, рассказывая о том, кого знала лучше всего, — себе.
В работах Фриды Кало заметно очень сильное влияние народного мексиканского искусства, культуры доколумбовых цивилизаций Америки. Её творчество насыщено символами и фетишами. Однако в нём заметно и влияние европейской живописи — в ранних работах отчётливо проявилась увлечённость Фриды, например, Боттичелли. В творчестве присутствует стилистика наивного искусства. Большое влияние на стиль живописи Фриды Кало оказал её муж, художник Диего Ривера.
Специалисты полагают, что 1940-е — это эпоха расцвета художницы, время её самых интересных и зрелых работ.
Жанр автопортрета преобладает в творчестве Фриды Кало. В этих работах художница метафорически отражала события своей жизни («Госпиталь Генри Форда», 1932, частное собрание, Мехико; «Автопортрет с посвящением Льву Троцкому», 1937, Национальный музей «Женщины в искусстве», Вашингтон; «Две Фриды», 1939, Музей современного искусства в Мехико; «Марксизм исцеляет больную», 1954, Дом-музей Фриды Кало, Мехико).
Сентябрь. Эдмунд Блэр Лейтон / Edmund Blair Leighton (1852-1922)
Английский художник, писавший стиле романтизма
Лейтон был сыном художника Чарлза Блэра Лейтона. Он обучался в University College School, а затем в школе Королевской академии художеств. Лейтон женился на Кэтрин Нэш в 1885 году, от которой имел сына и дочь. Он ежегодно выставлял свои работы в Королевской академии с 1878 по 1920 год.
Лейтон был утончённым мастером, создающим тщательно прорисованные картины. Он не оставил после себя дневников и, хотя выставлялся в Академии более сорока лет, никогда не был её членом.
Эдмунд Блэр Лейтон (англ. Edmund Blair Leighton;
21 сентября 1853, Лондон — 1 сентября, 1922, Лондон)
Тюленев Виталий Иванович (Vitaly Tyulenev) (1937-1997).
Виталий Тюленев был одним из участников знаменитой группы художников «Одиннадцать», а в 1984 году был удостоен почетного звания «Заслуженный художник РСФСР».
Художник: Тюленев Виталий Иванович. « Северный остров», 1962 год, картон, масло, 50 х 70 см., частное собрание.
Виталий Иванович Тюленев родился 28 февраля 1937 года в Ленинграде в семье, далекой от искусства. С раннего детства увлекался рисованием. Годы войны провел вместе с матерью в эвакуации в Тобольске. Несмотря на тяжелое время, продолжал рисовать, проявляя задатки художника. Первые его детские по своему содержанию рисунки были поддержкой, которую мать присылала отцу на фронт. В Ленинград Виталий вернулся с мамой уже после снятия блокады осенью 1944 года. Здесь же пошел в школу, где любимым предметом сразу стало рисование. Школьный учитель рисования, оценив природное дарование своего юного ученика, посоветовал родителям Виталия обратить внимание на его художественные способности и сделать упор именно на дальнейшем художественном образовании сына. Прислушавшись к этому совету, в 1949 году родители Виталия отдают двенадцатилетнего юношу учиться в знаменитую Среднюю художественную школу при Академии художеств (ныне художественный лицей имени Б. В. Иогансона), располагавшуюся на третьем этаже исторического здания Академии художеств на Университетской набережной, 17.
« Белая ночь», 1994 год, бумага, акварель, 29.5 х 28 см., частное собрание.
В основу образования в СХШ было положено семилетнее обучение по программе средней художественной школы, а в части общеобразовательных дисциплин — по программе 10-летней средней школы. Основной целью и задачами школы были получение учащимися профессионально художественного образования и среднего общего образования в объеме школы-десятилетки, а также подготовка к поступлению в художественные вузы на факультеты живописи, скульптуры, архитектуры и искусствоведения. Эти цели и задачи полностью отвечали жизненным планам талантливого юноши. Педагоги отмечали несомненное природное дарование своего ученика и всячески советовали ему продолжать свое художественное образование. Увлечение рисованием помогло будущему художнику сделать первый самостоятельный шаг к выбору своего пути, а подготовке, которую он получил в школе, могли бы позавидовать выпускники иных художественных институтов и академий. В 1956 году после успешного окончания Средней художественной школы Виталий Тюленев поступает на первый курс живописного факультета Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина.
« На Северной Двине», 1960-е годы, холст, масло, частное собрание.
Творчество Тюленева начиная с 1970-х годов представляет собой яркий мир новых образов. В его работах традиционное натурное письмо конца 1960-х годов постепенно сменяется композициями, наполненными образами из прошлого, объединенными в плоскости картины вопреки законам времени и пространства.
« Натюрморт. Ночное небо», 1976 год, холст, масло, 90 х 80 см., Музей искусства Санкт-Петербурга ХХ-ХХI веков.
Художник в своем творчестве переходит к созданию собственной системы, основой которой становятся метафоры, преувеличения, иносказания, аллегории. Главная тема будущих произведений мастера постепенно вызревает из его далеких детских и юношеских впечатлений, ранних мальчишеских увлечений, переросших уже в зрелые годы в неизбывную тягу к общению с природой.
« Заря», 1975 год, холст, масло, 100 х 100 см., частное собрание.
Благодаря своему влечению к фантазиям и грезам, ирреальности, чудесам, Тюленев становится очень узнаваемым и по-настоящему неординарным мастером. Композиции его работ многоплановы, ассоциативны, с разнородными мотивами и наслоениями пространств и времен, со странными образами, исходящими из личных воспоминаний, — рыбы и утки в его картинах плавают в небе, людей он заставляет гулять по радуге, а петухов — плясать на коровах.
« Родина-Мать», 1994 год, холст, масло, из собрания семьи Тюленевых.
Продолжение: Тюленева Виталий Иванович (2937-1997)
Виталий Тюленев был одним из участников знаменитой группы художников «Одиннадцать», а в 1984 году был удостоен почетного звания «Заслуженный художник РСФСР».
Произведения Виталия Тюленева привлекают внимание необычайно тонким колоритом, неповторимой манерой письма и выразительностью цветовых созвучий. Ночные бабочки, ангелы, фигуры обнаженных натурщиц и контуры деревьев теряют свои очертания, словно растворяясь в зыбкой дымке. Картины Тюленева — это воспоминания о детстве, о родителях, о гармонии человека и природы, о тайнах мироздания.
«Бессонница», 1994 год, холст, масло, из собрания семьи Тюленевых.
Художника увлекает живопись и желание обрести большую свободу в творческом поиске. В начале семидесятых он находит своих единомышленников и объединяется с ними в знаменитый союз «Одиннадцать». Группа наиболее ярких представителей левого ЛОСХа объединилась для участия в двух выставках, в 1972 и 1976 году. В группу входили также Завен Аршакуни, Валерий Ватенин, Ярослав Крестовский, Герман Егошин, Борис Шаманов, Виктор Тетерин, Валентина Рахина, Евгения Антипова, Леонид Ткаченко, Константин Симун, художников поддерживал также искусствовед Л. В. Мочалов. Скандальные выставки прошли в выставочном зале Союза художников России в Ленинграде, на Охте.
«Утро в горах», 1982 год, холст, масло, частное собрание.
В 1972 году состоялась первая из двух легендарных выставок группы «Одиннадцать», коренным образом изменившая жизнь многих ее участников. Это смелое решительное выступление против официального искусства привлекло к себе внимание зрителей. Свобода выражения своего мироощущения, тонкий и психологический образ главного героя, воплощенного в философском контексте, и благодатная тема гармонии человека и природы — вот путь для развития искусства, который был предложен участниками группы «Одиннадцать».
«Связка. Памяти друзей», 1982 год, холст, масло, частное собрание.
Художник: Пётр Александрович Нилус (1869-1943)
Константин Юон. Ворота Ростовского кремля.
Константина Юона многие любители живописи знают как классика соцреализма, писавшего замечательные пейзажи о Москве. Но эта картина 1906 года написана в совсем иной манере. Впрочем, тогда соцреализма не существовало в принципе, а в Советское время Юон стал писать картины в этом художественном направлении в том числе и потому, что так было положено, и являлось единственной реальной возможностью состояться как художнику. А вот успех и признание Юон, что уж греха таить, любил, и делал всё, чтобы добиться их при любой власти. Привык он к ним ещё, будучи учеником художественного училища, а впоследствии денег за проданные картины хватало, чтобы путешествовать по Европе и, разумеется, приехать в Париж, эту Мекку художников и колыбель импрессионизма. И как Юону не взять столь модный стиль живописи на вооружение?
Картина написана крупными мазками и немного не в фокусе, несколько напоминает «Руанский собор» французского художника Клода Моне. Впрочем, в зрелые годы Юон импрессионизм стал высмеивать, критиковать тех, кто писал в подобной манере. Вот и угадай, искренне он это делал или пытался соответствовать генеральной линии партии.
Константин Коровин. В парке.
Коровин написал эту картину в 1880 году, вполне в своём стиле — широкие мазки, яркие цвета. Кстати, так он писал всегда, но когда Василий Поленов, будучи учителем Коровина, заявил: «А вы батенька, импрессионист» тот немало удивился, просто до этого он никогда вживую не видел картин импрессионистов, хотя, разумеется, слышал о них. Но импрессионисты где-то далеко, во Франции, а тут нас родной, доморощенный, и не менее талантливый. В момент написания картины Коровин учился в Московском училище живописи, и нужно иметь немалую смелость и бунтарскую натуру, чтобы писать в подобном ключе, а не привычном реализме.
Константин Коровин. Портрет хористки.
А в 1883 году Коровин написал «Портрет хористки» — картину, в которой он решал чисто художественные задачи, основное внимание уделил наложению мазков, правильной и интересной колористики, а не раскрытию характера написанной девушки, как это принято в «классической» живописи. Вообще, в этом слабость импрессионизма — художник меньшее внимание уделяет композиции и общему смыслу картины, сосредоточиваясь на художественных приёмах. Импрессионизм — это про красоту и особое видение живописцем окружающего мира, а не про глубину и реалистичное отражение действительности, как, например, у Перова и Репина. И не нужно писать, что Коровин не советский художник — из России он эмигрировал в 1922 году, впрочем лучшие свои картины написал до революции и в эмиграции.
Игорь Грабарь
Игорь Грабарь. Зимний Пейзаж. Музей русского импрессионизма
Когда другие советские художники в 40–50 годы XX века писали однотипные картины восхваляющие трудовые подвиги советского народа или по теме Великой Отечественной войны Игорь Грабарь рисовал родные русские берёзки в стиле импрессионизма. Ну никак не укладывались его картины в «правильное» понимание того, что должен писать советский художник. Впрочем, Грабарю это не мешало — в итоге он был лауреатом Сталинской премии, отличным реставратором и знатоком искусства. «А импрессионизм — у всех бывают свои слабости» — так наверняка думали советские чиновники от искусства, в очередной раз узнавая, что Грабарь опять написал берёзки. Но весь писал он их замечательно, а воздух на картине чистый-чистый, настоящий зимний — передать его прозрачность может только настоящий мастер.
Пётр Кончаловский
Всякие цветы (натюрморт с цветами и лейкой), 1939 г. Музей русского импрессионизма
Русский художник Пётр Кончаловский очень любил рисовать цветы. Он даже себе поставил цель — писать каждый день хотя бы один цветочный натюрморт и успешно справлялся с этой задачей. Будь он классическим художником-реалистом, пришлось бы ему возиться с каждой картиной куда дольше, да и кому интересны в XX веке фотореалистичные изображения цветов — проще сфотографировать настоящие. Его работы настолько красивые, что не уступают живым цветам, пусть в них нет и особой прорисовки, зато есть схваченный миг их настоящей красоты, когда они не завяли и не утратили своего очарования.
И ещё он говорил: «придёт время, мои картины будут висеть в разных музеях, и люди будут говорить: «вот Кончаловский писал по картине в день, и как хорошо». Но обязательно найдётся тот, кто заявит — «потому и плохо».
Чарушин Евгений Иванович (1901-1965) — выдающийся советский
художник-график, а также автор замечательных рассказов о животных.
Чарушин широко известен многим юным читателям, живущим на разных континентах земного шара. Его книги напечатаны в СССР, Англии, Франции, Чехословакии, Болгарии. Японии, США, Индии, Австралии и в других странах, тиражом свыше 50 миллионов экземпляров.
Рассказы и рисунки художника пришлись по сердцу всем, кто любит животных и природу. Чарушин всегда изображал то, что сам сильно любил и хорошо знал.
Еще мальчиком он часто бывал с отцом на охоте, бродил по полям и лесам. Он знал повадки животных и птиц, сам приручал их, поил, кормил.
Нарисованные им зайчата, медвежата, оленята, волчата вызывают добрые, теплые чувства. Художник изображает животных, тонко передавая их характер; мы узнаем хищника в барсе и тигренке, видим незащищенность зайчика, задиристость петуха, суетливость вороны.
Рисунки художника очень правдивы, в них нет ничего лишнего. Они просты по форме, реалистичны, понятны всем.
Чарушин работал также в фарфоре, писал декорации для театра. Расписывал стены детских садов и домов пионеров, создавал модели игрушек. Он был талантливым педагогом, много сделавшим для художественного воспитания детей. За выдающуюся творческую и общественную деятельность ему было присвоено звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. Своим искусством Чарушин способствовал расцвету советской детской книги.
Эдвард Мунк (норв. Edvard Munch).
Родился 12 декабря 1863 года в Летене, Хедмарк (Норвегия) - умер 23 января 1944 года в Экелю (Норвегия).
Норвежский живописец и график, один из первых представителей экспрессионизма. Автор картины «Крик».
Семья была бедной, хотя и известной в культурных кругах - их дальним родственником был известный художник-неоклассицист, ученик Жака-Луи Давида Якоб Мунк. Семья часто переезжала с места на место из-за службы отца, а также из-за недостатка денег, что вынуждало их подыскивать более дешевое жилье. Большую часть своих детских лет Мунк провел в Христиании, столице Норвегии (ныне Осло). Когда Эдварду было пять лет, его мать умерла от туберкулеза, и ведение хозяйства взяла в свои руки ее сестра, Карен Бьельстад. Отец, по словам художника, был добр к детям, но отличался болезненной религиозностью, «доходившей до психоневроза». Под влиянием его наставлений Эдвард плохо спал по ночам, преследуемый видениями ада.
Уже в раннем возрасте он демонстрировал свой талант художника.
Когда Эдварду было пятнадцать лет, умерла от туберкулеза старшая сестра Софи, с которой он был очень близок. Ее смерть оставила на будущем художнике глубокий отпечаток: его биографы связывают с этим событием его окончательное разочарование в традиционной религии - впоследствии он вспоминал, как его отец «ходил взад-вперед по комнате, молитвенно сложив руки», и ничем не мог помочь умиравшей девушке. Воспоминания о болезни и смерти Софи легли в основу одной из первых его крупных картин - «Больная девочка», а также серии картин на сюжет «комнаты умирающего».
Вскоре несчастье постигло и другую его сестру, Лауру - в ее поведении появились странности, со временем становившиеся все более заметными, и спустя некоторое время ей была диагностирована шизофрения.
В 1879 году Эдвард поступил в технический колледж, где показал прекрасные успехи в физике, химии и математике, несмотря на то, что хрупкое здоровье препятствовало полноценному обучению. В следующем году, однако, он принял решение оставить колледж и стать художником - к неудовольствию отца, в глазах которого этот выбор был сомнительным и с материальной, и с моральной точки зрения. На сторону юноши встали тетушка Карен и близкий друг Кристиана Мунка Карл Фредрик Дирикс, а также дальний родственник, влиятельный художник Фриц Таулов.
В 1881 году Эдвард поступил в Королевскую школу рисования в Христиании. В этот период его наставником стал художник-натуралист, соратник Фрица Таулова Кристиан Крог. Он ввел Эдварда в круг столичной богемы, центральной фигурой которой был скандальный писатель-анархист Ханс Егер. Мунк познакомился с Егером лишь спустя несколько лет, но они довольно быстро и близко сошлись и впоследствии художник признавал на себе его влияние.
В 1883 году состоялся публичный дебют Мунка - он представил на выставке промышленных товаров и произведений искусства в Дворцовом парке картину под названием «Этюд головы». Осенью того же года он представляет на Осенней выставке выдержанную в реалистическом духе картину «Девушка, разжигающая огонь в печи».
В конце 1884 года при сопутствии Фрица Таулова художник получил стипендию, которая позволила ему поехать весной во Францию и посетить Парижский салон.
В 1886 году картина Мунка «Больная девочка», представленная на Осенней выставке, стала причиной скандала. Находясь отчасти под влиянием Егера с его призывом «писать свою жизнь», художник создал крупное полотно, в основе которого лежали его воспоминания о болезни и смерти Софи Мунк. При этом он сосредоточился прежде всего на собственных впечатлениях: «Я снова и снова пытался выразить первое впечатление - прозрачную, бледную кожу на белом фоне, дрожащие губы, дрожащие руки». Критики были возмущены выставленным результатом - в их глазах картина выглядела в лучшем случае незавершенным этюдом. «Больную девочку» называли «выкидышем», «едва намалеванным наброском». Далее последовали картины, более консервативные по стилю. К их числу принадлежала выдержанная в импрессионистской манере «Весна», еще одна картина, навеянная воспоминаниями о болезни Софи, несколько пейзажей и портретов, а также жанровых сценок вроде «Юриспруденции».
В 1889 году он вновь подал заявку на стипендию для поездки в Париж и, не в последнюю очередь благодаря поддержке Эрика Вереншелля, получил ее. Летом Мунк едет с семьей на съемную дачу в маленьком городе Осгорстранне. Осгорстранн станет его излюбленным местом, и через некоторое время он приобретет здесь собственный дом. Осенью он едет в Париж, куда прибыл в Париж во время Всемирной выставки. Здесь он начал посещать уроки Леона Бонна, среди студентов которого было много скандинавов. Бонна высоко оценивал способности Эдварда к рисованию, но не одобрял его вольного обращения с цветом. В свободное время Мунк активно ходил на выставки и в музеи, в том числе на экскурсии, посвященные классическому искусству, которые Бонна устраивал для своих студентов. Мунк экспериментирует с различными стилями, многие картины этого периода отмечены влиянием импрессионизма и пуантилизма. В декабре из Норвегии приходит известие - умер после инсульта отец. Хотя в последние годы отношения отца и сына сильно ухудшились - Кристиан не одобрял богемных замашек Эдварда, его дружбы с «нигилистами» и пристрастия к выпивке, грозящего перерасти в алкоголизм, - его смерть нанесла художнику тяжелый удар. Письмо пришло слишком поздно, и Эдвард не успел даже на похороны. Мунк впадает в депрессию и замыкается в себе, перестает посещать уроки Бонна, рвет связи с друзьями. В некотором роде художник заново переосмысляет свою жизнь - результатом этого переосмысления становится дневниковая запись, вошедшая в историю как «Манифест Сен-Клу»: «Не следует больше писать интерьеры, читающих мужчин и вяжущих женщин. Им на смену придут реальные люди, которые дышат и чувствуют, любят и страдают». В это время он пишет одну из самых известных картин парижского периода - «Ночь в Сен-Клу» - в ее главном герое, сидящем у окна в пустой, залитой лунным светом комнате, видят то самого Эдварда, то его недавно умершего отца. В мае 1890 года Мунк прибывает домой, в Христианию, где проходит выставка его работ - отзывы критиков были, как обычно, смешанными, но в целом более приветливыми, чем прежде. В конце года он снова едет во Францию, но вместо Парижа, где стоит промозглая погода, опасная для его слабых легких, проводит зиму в Ницце. В апреле он заезжает в Париж и посещает Салон Независимых - здесь он, должно быть, видел картины Ван Гога и Гогена, художников, которыми он позднее открыто восхищался. В этот период окончательно оформляется фирменный «экспрессионистский» стиль Мунка - выразительные линии, упрощенные формы, символичные сюжеты. Вернувшись в Норвегию, он пишет картину «Меланхолия», в которой уже не чувствуется никаких импрессионистских влияний. В течение года появляются на свет первые полотна из будущего цикла «Фриз жизни» - в их числе «Настроение на закате», картина, из которой позднее вырастет «Крик». В 1892 году в Христиании проходит персональная выставка Мунка, которая неожиданно приводит в восхищение Адельстена Нормана, художника-пейзажиста, имевшего репутацию консерватора. Вскоре Норман устроил художнику выставку в Берлине, разразившийся вокруг которой скандал - консервативное крыло Объединения художников выступило с требованием закрыть выставку «из уважения к искусству и честному труду», что вызвало возмущение у молодых художников - привел к расколу внутри Объединения, результатом которого стало формирование Берлинского сецессиона. Мунк, к этому времени привыкший стойко сносить насмешки и ругань со стороны критиков, отнесся к ситуации с нескрываемой иронией. Художник активно погружается в жизнь берлинского артистического «андеграунда». Мунк курсирует между Берлином, Парижем и родной Христианией. В конце 1892 - начале 1893 года у него окончательно оформляется идея «фриза» - серии картин на «вечные» темы любви и смерти. Первым таким «фризом» становится небольшая берлинская выставка под названием «Любовь», на которой был впервые представлен «Крик». Картины с этой выставки позднее войдут в более масштабный «Фриз жизни» - «поэму о любви, жизни и смерти», над которой Мунк работал все 1890-е.
Картина «Крик» Самая известная работа Мунка - картина «Крик».
Существует четыре ее экземпляра, написанных между 1893 и 1910 годами. Есть несколько вариаций этой работы: две выполнены маслом, одна - пастелью и еще одна в технике литографии. На полотне изображен реально существующий мост, находящийся неподалеку от Осло. Данное место не назвать приятным: там находилась бойня, а рядом с ней - дом для душевно больных, где некоторое время находилась на содержании сестра художника. Мост, изображенный на полотне, был излюбленным местом самоубийц. В центре картины изображена кричащая в муках и отчаянии человекоподобная фигура, на фоне кроваво-красного неба, на заднем фоне виднеется крайне обобщенный пейзаж. Создается крайне давящее впечатление от картины, которое усугубляется кроваво-красным закатом над фьордом. В тот год, когда было написано полотно, небо над Норвегией приобрело столь нехарактерный цвет из-за вулканического пепла, произошло извержение Кракатау.
Крик» - это сильная боль, отчаяние, собственное бессилие, и очень глубокие чувства, которые люди, как правило, просто не могут передать словами. Таким способом Эдвард Мунк смог перефразировать всю тяжесть человеческого бытия, ангедонии и меланхолии в своем гнетущем и будоражащем образе. Центральная фигура, каждым человеком воспринимается сугубо индивидуально, кто-то видит в ней мумию, кто-то эмбрион новорожденного, инопланетянина, а кто-то даже скелет. На полотне, она закрывает уши руками, как будто пытаясь избавиться от невыносимого и громкого звука.
Сам Мунк писал: «Это был крик природы, а также оглушающего пространства вокруг него». Человек агонизирует из-за раздающегося вокруг него, как выражался сам художник, «крика природы». Мунк описывал свое озарение: «Я шел по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу». Волнообразные линии пейзажа, напоминают эхо, они повторяют закругленные контуры головы фигуры и широко раскрытого рта - создается впечатление, что звук одновременно издается повсюду, со всех сторон.
Первоначально картина называлась «Отчаяние». Охваченный ужасом человек с этой картины стал одним из самых узнаваемых образов в искусстве. В частных руках остается только один вариант картины (1895). Он был продан 2 мая 2012 года на аукционе Sotheby's за 119,9 миллиона долларов. На тот момент это было самое дорогое произведение искусства, когда-либо проданное на открытом аукционе.
Картина Эдварда Мунка Крик
В 1896 году во время путешествия в Париж он встречается с Гогеном, Эмилем Бернаром, Морисом Дени и поэтами-символистами, в частности с Малларме. В это время Мунк обращается к офорту, гравюре на дереве, литографии. В 1902 году «Фриз жизни» впервые был выставлен в таком виде, каким его задумал художник, в галерее Берлинского Сецессиона. Мунк писал о «симфоническом эффекте», который производила выставка. Здесь художник обзаводится новыми покровителями - Альбертом Коллманом и Максом Линде, которые будут поддерживать его на протяжении долгих лет. Пресса, наконец, начинает мало-помалу принимать его и его работы, берлинские критики хорошо отзываются о выставке. Его искусство сплошь состоит из символов и аллегорий, излюбленные темы - любовь и навязчивая мысль о смерти, и Мишель Хог справедливо отмечает в своем предисловии к каталогу выставки 1974 года: «Как и многие его современники, Мунк убежден, что живопись может и должна выражать нечто иное по сравнению с солнечной беззаботностью импрессионистов, буржуазной отстраненностью Мане и Стивенса, бегством в маорийскую экзотику Гогена, историческими грезами Гюстава Моро или Беклина».
В начале 1900-х годов из-за неудач в личной жизни Мунк пережил несколько нервных срывов, вступал под странными предлогами в ссоры со знакомыми и незнакомыми людьми.
В 1940 году Норвегия была оккупирована нацистской Германией. Хотя поначалу нацисты превозносили Мунка как «истинно нордического» художника, поздне́е его заклеймили как представителя «дегенеративного искусства». Последние годы художник жил в тревоге, ожидая возможной конфискации своих работ из собственного дома.
Эдвард Мунк умер 23 января 1944 года.
Согласно завещанию Мунка, после его смерти все его работы, хранившиеся у него дома, должны были быть переданы городу. Коллекция, включавшая в себя несколько тысяч живописных полотен, рисунков, гравюр и рукописей, составила основу для собрания будущего Музея Мунка, открывшегося в 1963 году. До того, как в 2015 году наследие Мунка перешло в общественное достояние, Музей Мунка выступал как официальный правообладатель в вопросах, связанных с коммерческим использованием его картин.
Поль Сезанн
Поль Сезанн – французский художник, которому удалось построить мост между импрессионизмом 19-го века и кубизмом 20-го века. Одной из лучших его работ считаются «Игроки в карты», которые и более столетия спустя очаровывают ценителей живописи и ставят рекорды на аукционных торгах.
Сезанн создал несколько вариантов "Игроки в карты"
Созданный между 1890 и 1895 годами квинтет картин маслом считается краеугольным камнем так называемого "заключительного периода" творчества Сезанна, во время которого художник создал некоторые из своих самых известных работ.
За пять лет, которые художник писал "Игроков в карты", Сезанн создал около дюжины эскизов и написал несколько портретов персонажей с картин для практики. Он по много раз усаживал батраков в разные позы и экспериментировал с тем, как будет выглядеть полотно с разных ракурсов.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/190116/28099/
Эдуард Мане. Весна. Жанна де Марси.
1881
Всего спустя каких-то десять лет после Мане к сюжету «Времена года» обратился один из знаковых художников модерна Альфонс Муха.
Альфонс Муха. Весна. 1896
На его рисунках для плакатов или календарей снова появились девы с цветами, колосьям и виноградными лозами, как и в античные времена. Видимо, история искусства тоже идет по спирали…
Вы здесь » "КИНОДИВА" Кино, сериалы и мультфильмы. Всё обо всём! » Художники и Писатели » Художники разных стран и эпох